Documentaire - Genres

Caractéristiques générales des films documentaires

Les documentaires sont des films qui capturent et traitent de manière créative la réalité, se distinguant ainsi des films d'action et d'animation. Il s'agit donc d'un genre de non-fiction dont les origines remontent à l'émergence du cinéma en tant que tel, à la fin du XIXe siècle. Au fil des ans, le genre a constamment évolué, s'adaptant au développement de la technologie et des techniques cinématographiques, tout en reflétant toujours son présent, faisant de son histoire une histoire des changements de la société humaine. Les documentaires ont également un but éducatif, car ils fournissent aux spectateurs des informations sur divers sujets, événements et idées, élargissant ainsi leurs horizons, et leur permettant de développer une sensibilité et une empathie envers les sujets ou les vies humaines décrits. Les contributions des documentaires comprennent, entre autres, le fait d’éclairer des sujets importants et de les préserver pour les générations futures, d'attirer l'attention sur les problèmes du monde, de faire la lumière sur des aspects spécifiques des questions documentées, tout en servant également de forme de témoignage, de proclamation ou de travail d'investigation.

Les documentaires reposent sur la capture d'événements réels qui sont présentés du point de vue de leurs auteurs et éventuellement complétés par des témoignages authentiques ou des commentaires explicatifs ou informatifs, qui ne doivent toutefois pas donner une interprétation erronée de ces événements. Ils ont le pouvoir d'influencer l'opinion des gens sur certains sujets et leur perception du monde, et les documentaristes sont éthiquement responsables du contenu de leur travail, qui peut devenir manipulateur ou propagandiste si son objectivité est compromise. Toutefois, une certaine distorsion de la réalité peut également se produire de manière non intentionnelle, par exemple par le biais du montage, de la dissociation du contexte, d'une réflexion insuffisante sur les différences culturelles ou contemporaines, ou de la présence d'un certain nombre d'interprétations involontaires. Le point de vue du cinéaste est représenté par la caméra, qui, outre sa capacité d'observation, a également la capacité de communiquer. L'image peut également être accompagnée de sons authentiques (dans le documentaire, le son est généralement capté par contact) pour approfondir l'expérience.

Types et sous-genres de films documentaires

Le type de documentaire le plus courant est le documentaire dit explicatif, qui présente des informations et la réalité directement au spectateur, en utilisant la voix d'un narrateur en plus de l'image ; ils sont généralement interprétatifs, avec des thèmes historiques, de guerre ou d'histoire naturelle. Dans le cas de certains événements historiques réels (par exemple ceux qui sont condamnés rétrospectivement par la société), ils comportent souvent une indication de la position de l'auteur sur le sujet, de même que dans les documentaires traitant de questions environnementales urgentes. Lorsqu'ils décrivent des événements pour lesquels il n'existe pas de séquences filmées contemporaines, leurs auteurs peuvent les remplacer par des reconstitutions documentaires fictives. Dans les documentaires biographiques, qui racontent traditionnellement l'histoire de personnalités publiques, les documents contemporains jouent un rôle important, et le commentaire narratif peut également être remplacé ou complété par des témoignages. En revanche, les documentaires dits d'observation, qui considèrent que les séquences audiovisuelles capturées sont suffisamment éloquentes et explicites pour ne pas être accompagnées d'une autre voix interprétative qui interférerait inutilement avec la perception du film par le spectateur, se passent généralement de commentaire narratif.

Ces documentaires ont fleuri dans les années 50 et 60 et se sont établis selon deux courants distincts : Le "cinéma direct", une méthode développée par les cinéastes américains basée sur l'enregistrement d'un événement en cours, y compris les témoignages authentiques, avec une intervention minimale du réalisateur, et le "cinéma vérité", un mouvement qui s'est imposé en Europe et qui se distingue par le degré d'intervention du cinéaste, qui utilise la caméra et sa propre influence pour stimuler les situations de discussion. À cet égard, ce type de documentaire s'est retrouvé à la frontière du documentaire participatif, où les auteurs peuvent même prendre part aux événements captés et en devenir ainsi les principaux protagonistes - mais dans ce cas, l'objectif n'est généralement plus de saisir la réalité de manière objective, mais de la saisir de manière émotionnelle et en accord avec les propres convictions des auteurs. Il s'agit notamment de documentaires filmés de leur propre point de vue, les auteurs traitant généralement de sujets plus personnels, ou de documentaires auto-réflexifs, dans lesquels, en plus de présenter un sujet particulier, le processus de réalisation lui-même est également capté. Les documentaires en temps réel, quant à eux, se concentrent le plus souvent sur l'observation d'une personne spécifique (ou de plusieurs personnes), dont le destin réel et les changements de vie sont décrits sur une période plus longue au cours de laquelle le tournage a eu lieu.

Les séquences d'événements sportifs, de concerts de musique ou de tournages de films ("films sur le film") sont également considérées comme des documentaires. L'histoire naturelle ainsi que les thèmes sociaux et culturels sont combinés dans des carnets de voyage visant à donner un aperçu de diverses destinations touristiques exotiques ou attrayantes. Certains documentaires ont une fonction attractive, d'autres servent de forme de protestation ou d'expression d'une opinion ou d'une position, tandis que d'autres encore exposent diverses affaires politiques et servent ainsi à présenter le difficile travail d'investigation de quelqu'un. Certains réalisateurs abordent le documentaire comme un outil poétique, transmettant une nouvelle vision du monde non pas par des attitudes et des opinions, mais par une production esthétiquement exceptionnelle réalisée par le travail de la caméra, le montage ou l'animation. En revanche, les documentaires télévisés, en particulier, mettent l'accent sur l'aspect informatif plutôt que sur la forme artistique, ce qui les fait davantage se rapprocher des reportages et autres travaux journalistiques.

Au fil des ans, diverses formes hybrides de documentaires se sont développées, mêlant réalité et fiction, dont les plus courantes sont les docu-fictions, c'est-à-dire les documentaires contenant des passages joués ou mis en scène, et les docu-drames, qui consistent en des reconstitutions fictives d'événements réels, filmées à l'aide de techniques documentaires. Une catégorie spéciale est constituée par les mocumentaires ou faux documentaires (en anglais : mockumentaries) (ou docu-comédies), qui sont également filmés comme des documentaires ordinaires, mais dont le contenu est entièrement fictif et inventé. Ceux que l’on nomme les pseudo-documentaires ne sont pas basés sur la réalité, mais contrairement aux mocumentaires, ils ne sont généralement pas réalisés à des fins comiques. Proches des pseudo-documentaires, on trouve également le « mondo » ou « mondo film », un genre de cinéma documentaire d'exploitation traitant de divers sujets choquants, tabous et controversés, également appelés "shockumentaries". Le terme "found footage" (ou « séquence filmée ») est utilisé pour décrire des films en direct présentés comme des enregistrements réels d'événements, qui souvent passent pour des séquences prises par des cinéastes amateurs ou des caméras de sécurité, et filmées comme telles. Leur antithèse sont les films de "fausse-fiction" qui, au contraire, présentent de vraies séquences documentaires sous la forme d'un long métrage, leur donnant ainsi un aspect authentique.

 

Les frères Lumière et autres documentaires de l'ère du muet

Le précurseur du film documentaire est la photographie et des moyens encore plus anciens de capturer la réalité comme les peintures, les sculptures et autres œuvres d'art. Le kinétoscope, un appareil permettant de visualiser des images en mouvement, a été breveté par Thomas Edison, dont l'invention de la caméra cinématographique s’est inspirée de l'invention du cinématographe par les frères Louis et Auguste Lumière, les premiers réalisateurs de films. Par rapport à la caméra d'Edison, leur équipement cinématographique présentait l'avantage considérable d'être beaucoup plus petit et plus facile à transporter. Le cinéma tel que nous le connaissons aujourd'hui est né en 1895, en même temps que l'invention du cinématographe. Bien que les frères aient également réalisé des longs métrages, ce sont les documentaires qui dominaient leur travail, qu'ils tournaient avec leurs cameramen dans le monde entier. D'une durée d'environ une minute et composés d'un seul plan, les sujets les plus fréquents étaient, bien entendu, les activités quotidiennes courantes et diverses situations et événements ordinaires ou extraordinaires, par exemple L'Arrivée d'un train (1895), La Sortie de l'usine Lumière (1895) ou La Démolition d'un mur (1896). Mais les documentaires tournés dans des pays exotiques, qui témoignaient du mode de vie local, furent également populaires.

Le tout premier long métrage de l'histoire du cinéma était, par hasard, un documentaire, un film sportif intitulé The Corbett-Fitzsimmons Fight (1897), un enregistrement d'un combat de boxe. Au début du siècle, le film fut utilisé pour des raisons scientifiques et pour capturer de véritables procédures chirurgicales. Les documentaires ont dominé le cinéma dès leur création pendant plus d'une décennie avant d'être dépassés par des longs métrages d'autres genres aux intrigues fictives. Les récits de voyage dans divers endroits du monde ont été particulièrement populaires, et les premiers documentaires biographiques ont commencé à apparaître. Le docu-fiction Au pays des chasseurs de têtes (1914), qui se déroulait parmi les peuples indigènes d'Amérique du Nord, dépassait de loin les standards des récits de voyage conventionnels de l'époque. Il fut suivi peu après par South (1919), qui se concentra sur l'échec temporaire de l’expédition royale britannique en Antarctique.

 

L'école de montage soviétique et autres documentaires des années 1920

L'un des documentaires les plus célèbres des années 1920 fut le long métrage de semi-fiction Nanouk l'Esquimau (1922), dont le réalisateur, l'Américain Robert J. Flaherty, utilisa la méthode de la mise en scène devant la caméra pour décrire la vie dramatique d'une famille inuit, notamment la construction d'igloos et la chasse au morse. Tout aussi exotique, Grass, lutte d'un peuple pour la vie (1925), qui suivait le destin d'une tribu de Perses pendant leur migration, Chang l’éléphant (1927), qui décrivait le sort d'une famille d'indigènes thaïlandais vivant dans la jungle et affrontant des animaux sauvages, et l'œuvre suivante de Flaherty, Moana (1926), qui suivait le sort des populations indigènes du Pacifique. Les documentaires de Flaherty inspirèrent le cinéaste et producteur écossais John Grierson, qui promut l'idée d'utiliser le documentaire pour mettre en lumière des problèmes sociaux et fut à l'origine de l'émergence du mouvement documentaire britannique dans les années 1930, bien qu'il n'ait réalisé qu'un seul film lui-même, Drifters (1929), un documentaire sur divers aspects de la pêche en mer du Nord. Le réalisateur français Jean Epstein commença, quant à lui, sa série de documentaires sur la Bretagne avec Finis Terrae (1929).

En Union soviétique, les documentaires servaient principalement des objectifs propagandistes et didactiques, récapitulant les événements de la Révolution russe, décrivant la société humaine dans ses activités quotidiennes et éduquant aux idées communistes. La principale tendance cinématographique de l'époque était l'école de montage soviétique, définie par la méthode de coupe de séquences de matériel filmé existant. Par exemple, le documentaire La Chute de la dynastie Romanov (1927) fut réalisé en coupant des séquences des archives cinématographiques personnelles du tsar russe Nicolas II, et la série de films de propagande d’agitation de Dziga Vertov connue sous le nom de Kino-Pravda (1922-1925), basée sur des séquences montées de manière créative pour les actualités, fut également importante à cet égard.

Vertov devint ensuite célèbre pour son documentaire expérimental L'Homme à la caméra (1929), dans lequel il capturait de manière authentique la vie d'une ville en utilisant la méthode consistant à "prendre la vie sur le vif", ce qui ouvrit de nouvelles voies de perception de la réalité, la caméra jouant le rôle d'un "œil de cinéma", une sorte d'œil mécanique en mouvement dynamique. En outre, Vertov utilisa un certain nombre d'astuces techniques dans son œuvre et entrecoupa les scènes de rues animées de plans du caméraman au travail, thématisant ainsi la fabrication du film lui-même. Le documentariste allemand, Walter Ruttmann, fit également preuve d'une grande créativité, filmant des personnes sans méfiance avec une caméra cachée dans son Berlin avant-gardiste : Berlin, symphonie d'une grande ville (1927). Des "symphonies urbaines" thématiques similaires furent cependant composées au même moment ailleurs dans le monde, par exemple aux États-Unis (Manhatta, 1921), en France (Rien que les heures, 1926, Études sur Paris, 1928) et au Brésil (São Paulo, Sinfonia da Metrópole, 1929).

 

Propagande et autres documentaires dans les années 30 et 40

Bien que l'approche de la Seconde Guerre mondiale dans les années 30 ait grandement contribué au développement du cinéma documentaire, le genre s'éloigna également du concept de capture objective de la réalité pour devenir un outil de propagande de guerre. Deux des documentaires les plus célèbres de ce type furent Victory of the Faith (1933) de Leni Riefenstahl et, en particulier, Le Triomphe de la volonté (1935), qui capturèrent le 6e congrès du Reich du NSDAP et présentèrent Hitler et ses dirigeants nazis comme des héros, avant de devenir la cible de critiques dans de nombreux pays après la fin de la guerre. Encore plus controversé et critiqué, le pseudo-documentaire antisémite Le Péril juif (1940), qui fut essentiellement une préparation à la Shoah, puisque son but était de vilipender les membres du peuple juif. Campaign in Poland (1940), quant à lui, décrivait le déroulement de la campagne militaire nazie dans ce pays, présentant les Polonais comme des agresseurs et des oppresseurs.

De l'autre côté du conflit, aux États-Unis, Frank Capra réalisa une série de documentaires de guerre pendant la Seconde Guerre mondiale, à commencer par Pourquoi nous combattons (1942), financé par le gouvernement et également utilisé à des fins de propagande. Le réalisateur William Wyler réalisa le documentaire primé Le Memphis Belle, histoire d'une forteresse volante (1944), consacré au célèbre bombardier qui opéra au-dessus de l'Allemagne en 1942 et 1943. En revanche, le documentaire anti-guerre de John Huston, Let There Be Light (1946), sur les soldats souffrant du syndrome de stress post-traumatique, fut confisqué par l'armée en raison de son contenu et ne fut déclassifié que dans les années 1980.

Au Royaume-Uni, les années 30 virent vu la fondation de la Royal Film Society et l'émergence du mouvement documentaire britannique, qui abordait des questions sociales et préconisait que les documentaires eussent une mission sociale. Outre John Grierson, déjà cité, les figures de proue furent Basil Wright (Courrier de nuit, 1936), Alberto Cavalcanti (Mastery of the Sea, 1940), Harry Watt (Target for Tonight, 1941) et Humphrey Jennings (La Bataille du feu, 1943). Coal Face (1935) donnait un aperçu de la vie des mineurs et de la structure de l'industrie minière britannique, tandis que Housing Problems (1935) traitait des conditions de vie épouvantables des habitants des bidonvilles de Londres, et des films tels que London Can Take It ! (1940) alors que Listen to Britain (1942) racontaient les effets de la guerre sur les gens ordinaires. Le documentaire primé Victoire du désert (1943) traitait de la campagne en Afrique du Nord, et Calling Mr. Smith (1943) fut l'un des premiers films de propagande antinazie.

Aux États-Unis, de nombreux documentaires portèrent sur la vie, les problèmes environnementaux et d'autres phénomènes sociaux pendant la Grande Dépression. Citons notamment The Plow That Broke the Plains (1936), relatant la transformation du paysage suite à l'activité agricole humaine, The River (1938), qui mettait en évidence les effets de l'érosion des sols dans le bassin du Mississippi, et The City (1939), qui se concentrait sur le développement des villes américaines. Le documentaire belge Misère au Borinage (1933) dépeignait l'exploitation des travailleurs dans une mine de charbon belge, tandis que le film américain Terre d'Espagne (1937) traitait de la guerre civile espagnole en cours. Robert J. Flaherty revint à sa méthode de documentaire mis en scène dans L'Homme d'Aran (1934), qui montrait des pêcheurs au travail au large des côtes irlandaises, et Louisiana Story (1948), qui se déroulait dans la Louisiane rurale. Le réalisateur espagnol Luis Buñuel clôtura sa première période de création avec Terre sans pain (1933), un documentaire surréaliste sur une région pauvre d'Espagne, pendant que Leni Riefenstahl célébrait son succès avec une série de films en deux parties, Olympia : Les Dieux du stade (1938) et Olympia : Jeunesse olympique (1938), dans lesquels elle filmait les Jeux olympiques de 1936 à Berlin. Après la fin de la Seconde Guerre mondiale, cependant, le cinéma documentaire occidental tomba dans l’oubli pendant un certain temps, car trop étroitement lié à la propagande, et parce qu'il commença progressivement à être concurrencé par les documentaires télévisés.

 

Cinéma vérité et autres mouvements documentaires

La production de films documentaires fut grandement facilitée par les avancées technologiques des années 1950. Les magnétophones portables permirent de capturer le son en même temps que l'image, et les caméras plus légères offrir la possibilité de filmer avec une équipe beaucoup plus réduite. En outre, la télévision commença à produire une plus grande variété de documentaires, ce qui a contribué au développement de divers sous-genres, dont les plus courants furent les documentaires sur la nature, l'histoire et la biographie, qui ne posaient pas de trop grandes exigences en matière d'exécution artistique. L'évolution des processus de réalisation des documentaires suscita également le désir d'explorer de nouveaux domaines du réalisme cinématographique, ce qui donna lieu à la création de divers mouvements dans le monde :  Cinéma vérité en France, USA Direct Cinema aux États-Unis, et Free Cinema au Royaume-Uni, qui consistait principalement en la production de courts documentaires traitant de la vie des travailleurs et des habitants des quartiers populaires. Les principaux représentants de ce mouvement furent, entre autres, Karel Reisz (We Are the Lambeth Boys, 1959) et Lindsay Anderson (les films oscarisés Thursday's Children, 1955, et Every Day Except Christmas, 1957).

En France, le réalisateur Alain Resnais se fit remarquer avec plusieurs courts métrages documentaires, dont les biographies Van Gogh (1948) et Paul Gauguin (1950), Guernica (1950) et Toute la mémoire du monde (1956), tandis que Nuit et brouillard (1956) portait sur les camps de concentration nazis. Un autre documentaire remarquable fut le court métrage Le Sang des bêtes (1949), de Georges Franju, qui associait le thème de l'abattage des animaux dans les abattoirs à des images de la vie quotidienne à Paris. Les fondateurs du Cinéma vérité, cependant, furent les documentaristes Edgar Morin et Jean Rouch, qui tentèrent de suivre les traces de Dziga Vertov et de son "cinéma de vérité". Leur documentaire Chronique d'un été (1961), qui consistait à s'adresser à des personnes dans la rue dans le cadre d'une enquête sociologique, devint un manifeste pour le Cinéma-vérité et fut le premier long métrage français réalisé avec le contact sonore. Parmi les autres réalisateurs associés à ce mouvement figurèrent Chris Marker (Le Joli Mai, 1963), Mario Ruspoli (Les Inconnus de la terre, 1961) et Marcel Ophüls (Le Chagrin et la pitié, un documentaire de quatre heures sur la France pendant l'occupation nazie, 1969).

Le mouvement américain du Cinéma direct vit également le jour au début des années 1960, mais il se distinguait du Cinéma-vérité par l'absence totale d'intervention des cinéastes dans l'action. Parmi ses fondateurs figuraient Robert Drew (Primary, 1960), Richard Leacock (Happy Mother's Day, 1963) et les frères Albert et David Maysles (Salesman, 1969). Parmi les autres représentants importants, citons D. A. Pennebaker, dont le film sur les coulisses de la tournée britannique de Bob Dylan, Don’t Look Back (1967), fut à l'origine de la popularité des documentaires musicaux, et Frederick Wiseman, qui tourna plusieurs de ses films dans des institutions publiques telles qu'un hôpital psychiatrique (Titicut Follies, 1967), un lycée (High School, 1968), un hôpital de New York (Hospital, 1970), un tribunal pour mineurs (Juvenile court, 1973) et une institution d'aide sociale (Welfare, 1975). La méthode du Cinéma direct fut également utilisée par certains documentaristes canadiens, tels que Michel Brault (Les Raquetteurs, 1958), Pierre Perrault (Pour la suite du monde, 1962) et Allan King (A Married Couple, 1969).

 

Autres documentaires notables des années 1950 et 1960

Le documentaire Quatre jours en novembre (1964) utilisa d'innombrables images d'actualités et d'autres documents vidéo pour créer un compte rendu détaillé des circonstances entourant l'assassinat du président J.F. Kennedy, tandis que The Eleanor Roosevelt Story (1965), récompensé par un Oscar, explorait la personnalité de l'épouse du président Roosevelt. Le documentaire soviétique Fascisme ordinaire (1965) utilisait l'exemple du régime fasciste pour souligner les dangers de l'émergence des idéologies totalitaires. L'expérience sociologique de la télévision britannique intitulée Seven Up ! (1964), qui suivit quatorze enfants de sept ans issus de milieux socio-économiques différents et revint ensuite sur leur sort tous les sept ans, fut assez impressionnante. Il s'agissait du premier film d'une série documentaire en séquence accélérée réalisée par Paul Almond, en collaboration avec le cinéaste émergent Michael Apted, qui réalisa lui-même d'autres épisodes en 1970 (Seven Plus Seven), 1977 (21 Up), 1985 (28 Up), 1991 (35 Up), 1998 (42 Up), 2005 (49 Up), 2012 (56 Up) et 2019 (63 Up).

Plusieurs documentaires sur la nature rencontrèrent le succès. Parmi les premiers, citons le film américain Le Désert vivant (1953), qui remporta un Oscar pour sa description de la vie animale dans les régions désertiques du Sud-Ouest américain, et le film français Le Monde du silence (1956), réalisé par le célèbre océanographe Jacques-Yves Cousteau, qui remporta un Oscar pour sa description de la diversité de la vie sous la mer. Les documentaires du cinéaste autrichien Hans Hass, Adventures in the Red Sea (1951) et L'Aventure est au fond de la mer (1954), tentèrent également de cartographier le monde sous-marin. Le documentaire sportif L'Été sans fin (1966) devint, lui, un phénomène. Il suivait les aventures de deux surfeurs et contribua à changer le regard de la société sur la communauté des surfeurs, auparavant incomprise.

En Italie, le terme "mondo film" naquit dans les années 1960 pour désigner les documentaires d'exploitation au contenu choquant, tabou et généralement controversé. Le premier documentaire réalisé dans l'intention de choquer, et qui donna son nom au sous-genre, fut Cette chienne de vie (1962), suivi, entre autres, par La Femme à travers le monde (1963), Taboos of the World (1963), Adieu Afrique (1966), l'américain Mondo Topless (1966) et l'allemand Shocking Asia - L'Asie interdite (1976). Le cinéaste Pier Paolo Pasolini choisit également un sujet sensible pour son documentaire Enquête sur la sexualité (1964), qui explorait la création d'une enquête sur les questions d'intimité humaine et de sexualité au cours d'un voyage à travers l'Italie.

 

Documentaires musicaux et politiques au tournant des années 1960 et 1970

Après le film Don't Look Back de D.A. Pennebaker, les documentaires musicaux devinrent un phénomène, que Pennebaker lui-même approfondit avec son film Monterey Pop (1968), qui retracait les trois jours d'un festival international de musique organisé en Californie en 1967. 1970 fut une année exceptionnelle en termes de documentaires musicaux, avec Gimme Shelter, filmé pendant un concert tragique des Rolling Stones où l'un de leurs fans fut poignardé à mort ; Let It Be, sur les Beatles à la fin de leur existence ; Elvis, sur le séjour de quatre semaines d'Elvis Presley dans un hôtel de Las Vegas, et Woodstock, d'une durée de trois heures, qui a reçu un Oscar pour avoir documenté l'un des plus grands événements rock de l'histoire. Le film musical de Jean-Luc Godard, One plus one / Sympathy for the Devil (1968), fut à cheval entre le documentaire et la fiction, Elvis Presley : On Tour (1972) suivit le roi du rock'n'roll, alors qu’Imagine (1972) fut réalisé par John Lennon et Yoko Ono sur eux-mêmes et leurs chansons. Le docu-fiction musical Jimi Hendrix - Rainbow Bridge (1972) analysait le mode de vie des hippies avec pour toile de fond un concert d'Hendrix à Hawaï, Janis Joplin (1974) combinait diverses performances musicales de Janis Joplin avec des récits authentiques de sa vie, et La Dernière Valse (1978), réalisé par Martin Scorsese, devint non seulement un enregistrement du tout dernier concert du groupe, mais aussi un portrait de la scène rock des années 1970.

Parallèlement, à partir de la seconde moitié des années 1960, de nombreux documentaires abordèrent des questions politiques controversées et explorèrent des phénomènes sociaux fondamentaux, devenant ainsi des outils critiques pour défendre certains points de vue et opinions. Plusieurs réalisateurs célèbres contribuèrent au documentaire Loin du Vietnam (1967), réalisé en signe de protestation contre l'intervention américaine dans la guerre du Viêt Nam ; Vietnam, année du cochon (1969) et Hearts and Minds (1974) abordèrent également le même thème. De nombreux documentaristes furent influencés par L’Heure des brasiers (1968), un film argentin en trois parties de plus de quatre heures qui critiquait le capitalisme, le néocolonialisme et le régime militaire argentin, et appelait à la liberté et à la révolution. Le documentaire japonais Minamata, les victimes et leur monde (1972) traitait de l'affaire d'une usine qui provoqua une catastrophe écologique, de nombreuses maladies et la mort de dizaines de personnes en rejetant des déchets dans les eaux environnantes.

 

Autres documentaires importants des années 1970

Dans la lignée du mouvement du Cinéma direct, les frères Albert et David Maysles, en collaboration avec d'autres cinéastes, réalisèrent Grey Gardens (1975), un documentaire basé sur la relation forte entre deux femmes, mère et fille, de la famille de Jackie Kennedy. La même méthode d'observation fut utilisée par Barbara Kopple dans son film Harlan County, U.S.A. (1976), récompensé par un Oscar, sur la grève des mineurs dans le Kentucky, qui dura plus d'un an. Le réalisateur allemand Werner Herzog s'intéressa à la vie des sourds-aveugles dans son documentaire Le Pays du silence et de l'obscurité (1971) ; Martin Scorsese raconta l'histoire de sa famille et de la communauté italienne de New York dans Italianamerican (1974), pendant qu’Orson Welles s'intéressait à la fraude et aux canulars dans l'art dans Vérités et mensonges (1974). The California Reich (1975) se concentrait sur les groupes néo-nazis opérant dans diverses villes de Californie, tandis que L'Allemagne en automne (1978) dépeignait l'atmosphère en Allemagne de l'Ouest après les attaques de la Royal Air Force britannique. On trouvera également des documentaires biographiques sur des personnages controversés tels que le président ougandais (Général Idi Amin Dada : Autoportrait, 1974) et Adolf Hitler (Hitler, une carrière, 1977).

Les documentaires sportifs trouvèrent des sujets appropriés, par exemple, avec les Jeux olympiques de Munich de 1972 (Visions of Eight, 1973), avec le bodybuilding, mené par le multiple champion et aspirant acteur Arnold Schwarzenegger, dans Arnold le magnifique (1977), ou dans les courses de formule et leurs risques pour les pilotes (Speed Fever, 1978). La compilation documentaire britannique T'as pas 100 balles ? (1975) consista en images d'époque illustrant la Grande Dépression des années 1930, tandis que Il était une fois à Hollywood (1974) et sa suite Hollywood, Hollywood ! (1976) servirent de guides dans le monde des comédies musicales hollywoodiennes. Le documentaire animalier sud-africain humoristique Animals Are Beautiful People (1974) se distingua par le fait qu'il montrait des animaux se livrant à des activités non conventionnelles et comparait leur comportement à celui des humains.

 

Errol Morris, Godfrey Reggio et le documentaire dans les années 1980

Errol Morris, qui fit ses débuts de réalisateur avec Gates of Heaven (1978), un documentaire sur le déménagement d'un cimetière d'animaux, devint une figure marquante de la scène des années 1980. Son film suivant, Vernon, Florida (1981), fut un portrait des habitants excentriques d'une petite ville de Floride. Son œuvre la plus célèbre, cependant, fut le film d'investigation Le Dossier Adams (1988), qui démontrait en pratique le pouvoir et l'impact des documentaires sur des vies humaines réelles. Il s'agissait d'une enquête sur le meurtre d'un policier en 1976, et Morris utilisa une combinaison d'interviews et de reconstitutions fictives pour mettre en lumière un certain nombre d'ambiguïtés dans l'affaire, contribuant finalement à sauver de la peine de mort un homme condamné à tort et à le faire libérer de prison. Le colosse documentaire de plus de neuf heures Shoah (1985), réalisé par Claude Lanzmann, constitua également un phénomène socioculturel majeur. Il s'agissait d'un aperçu unique et complet de l'Holocauste, composé exclusivement de témoignages de témoins oculaires et de survivants des camps de concentration. Un autre documentaire important fut Atomic Café (1982), qui examinait l'impact de la bombe atomique sur la société humaine, à partir du premier essai nucléaire en 1945.

Le documentariste Godfrey Reggio établit également son style unique, d'abord dans son collage visuel méditatif Koyaanisqatsi, la prophétie (1982), où il commentait, sans mot dire, l'existence humaine dans une société technocratique, avant d’utiliser la même méthode dans Powaqqatsi (1988), qui se concentraitsur la vie dans les pays en développement et les vestiges des cultures indigènes. Il compléta ensuite sa trilogie sur la civilisation avec Naqoyqatsi (2002), qui mettait en lumière les problèmes fondamentaux du monde moderne dans lequel l'homme se dirige de plus en plus vers sa propre extinction. On mentionnera également son court documentaire Anima Mundi (1992), qui explorait la beauté de la nature menacée par l'activité humaine.

Le documentaire musical The Decline of Western Civilization (1981) se concentrait sur la scène punk de Los Angeles, Stop Making Sense (1984) était un film sur la performance des Talking Heads lors d’un concert, alors que Depeche Mode : 101 (1989) montrait ce groupe au sommet de sa carrière. Le documentaire Burden of Dreams (1982) évoquait le tournage du film Fitzcarraldo de Werner Herzog. Le documentaire biographique The Times of Harvey Milk (1984), récompensé par un Oscar, était consacré au premier homme politique ouvertement gay de l'histoire de la Californie ; Hôtel Terminus (1988) était un portrait du criminel de guerre nazi homonyme, connu sous le nom de « Boucher de Lyon », alors que Let's Get Lost (1988) portait sur le trompettiste de jazz Chet Baker. Il y eut de nombreux autres documentaires biographiques, notamment Bruce Lee, the Legend (1984), Antonio Gaudí (1984), Marilyn Monroe : Beyond the Legend (1987), Imagine John Lennon (1988), et Directed by Andrei Tarkovsky (1988). Il conviendrait également de mentionner deux remarquables mockumentaries : une biographie fictive d'un homme appelé Zelig (1983) et un documentaire musical sur un groupe de hard-rock fictif Spinal Tap (1984). Le film d'horreur italien controversé Cannibal Holocaust (1980), au cours duquel un groupe de cinéastes se rendait en Amazonie pour filmer une tribu d'indigènes cannibales et était supposé être tué et mangé par eux à la fin du film, passa également pour un documentaire.

 

Werner Herzog, Ulrich Seidl et le documentaire dans les années 1990

Barbara Kopple revint aux documentaires et au sujet des grévistes dans le film American Dream (1990), qui, comme son premier film, fut également récompensé par un Oscar. Parmi ses autres films, citons Wild Man Blues (1997), sur la tournée européenne du groupe de jazz de Woody Allen, qui avait traversé quelques années auparavant une période difficile de sa vie. Un autre documentaire musical fut Buena Vista Social Club (1999) de Wim Wenders, dont les protagonistes sont des musiciens cubains. Le documentaire Paris Is Burning (1990) de Jennie Livingston, était une enquête sur les fêtes de la communauté LGBTQ, tandis que The Celluloid Closet (1995) racontait l'histoire de la façon dont l'homosexualité est représentée à Hollywood. Le film Waco : The Rules of Engagement (1997) révéla une enquête sur l'affaire entourant la répression, par les forces de l'ordre américaines, contre les membres d'une secte religieuse, qui fit des dizaines de morts après le siège de leur quartier général pendant près de deux mois. Le documentaire The War Room (1993) portait sur la campagne présidentielle de Bill Clinton, 4 Little Girls (1997) de Spike Lee faisait référence à l'attentat à la bombe perpétré en 1963 contre une église afro-américaine de l'Alabama, qui tua quatre jeunes filles, et Un jour en septembre (1999), récompensé par un Oscar, s'intéressait aux actions d'un groupe terroriste palestinien lors des Jeux olympiques de Munich.

Le cinéaste allemand Werner Herzog poursuivit son travail documentaire avec, entre autres, Leçons de ténèbres (1992), un essai cinématographique sur le thème de la destruction chez l'homme et dans le monde, Petit Dieter doit voler (1997), l'histoire d'un pilote allemand de l'armée américaine qui réussit à échapper à la captivité ennemie pendant la guerre du Vietnam, et Ennemis intimes (1999), une réflexion sur sa propre relation de travail compliquée avec son acteur fétiche Klaus Kinski. Le documentariste autrichien Ulrich Seidl réalisa Loss Is to Be Expected (1992), un docudrame sur l'amour entre deux personnes séparées par une frontière, avant de trouver sa voie dans la méthode consistant à filmer des personnes étranges ayant des prédilections étranges dans Animal Love (1996), un documentaire dont les protagonistes étaient de véritables amoureux des animaux de compagnie. Le documentaire Têtes de papier (1995) de Dušan Hanák couvrait la situation politique en Tchécoslovaquie entre 1945 et 1989, tandis que l'atmosphère qui suivit la révolution de velours et l'éclatement de la Tchécoslovaquie fut saisie par le documentariste Karel Vachek dans ses essais philosophico-sociologiques New Hyperion or Liberty, Equality, Brotherhood (1992) et What Is to Be Done (1996). En France, les documentaires sur la nature étaient en plein essor. Le réalisateur Luc Besson enchanta avec sa plongée dans le monde sous-marin dans Atlantis (1991), suivi de Microcosmos : Le peuple de l'herbe (1996), dont les auteurs Marie Pérennou et Claude Nuridsany, mirent au point une caméra spéciale pour capturer des gros plans d'insectes et de petits animaux.

Les documentaires biographiques portaient sur des personnalités telles que la chanteuse Madonna (In Bed with Madonna, 1991), le scientifique Stephen Hawking (Une brève histoire du temps, 1991), l'acteur Bruce Lee (Curse of the Dragon, 1993), le dessinateur Robert Crumb (Crumb, 1994) et le boxeur Muhammad Ali (When We Were Kings, 1996), récompensé par un oscar. Le documentaire visuel saisissant Baraka (1992) était un pèlerinage sans paroles à travers diverses cultures et civilisations, le documentaire sportif Hoop Dreams (1994) suivait deux lycéens afro-américains pendant six ans jusqu'à leur brillante carrière dans la NBA, et le film canadien Grass (1999) explorait l'histoire de la consommation de marijuana aux États-Unis et les efforts du gouvernement pour la réglementer. Le documentaire Aux coeurs des ténèbres - l'apocalypse d'un metteur en scène (1991) retracait les problèmes liés à la réalisation du film de guerre Apocalypse Now de Francis Ford Coppola, tandis que Beyond JFK : The Question of Conspiracy (1992) se penchait sur la réalisation du drame JFK d'Oliver Stone.

Dans le documentaire de quatre heures intitulé Un Voyage de Martin Scorsese à travers le cinéma américain (1995), le célèbre réalisateur commentait un échantillon d'œuvres emblématiques du cinéma hollywoodien. Le documentaire Trekkies (1997) donnait un aperçu de la communauté des fans de Star Trek, et American Movie (1999), sur un passionné de cinéma qui tentait de terminer son film d'horreur amateur et de percer en tant que cinéaste indépendant, fut également un succès. Le documentaire belge C'est arrivé près de chez vous (1992), dans lequel une équipe de documentaristes suivait et filmait un tueur en série dans son carnage, fut également remarquable. Le long métrage d'horreur Le Projet Blair Witch (1999) fut également réalisé sous la forme d'un documentaire. À l'époque de sa sortie, il fut présenté comme des images authentiques prises par un groupe d'étudiants qui s'étaient égarés dans les bois dans des circonstances étranges.

La fin des années 90 et le début du nouveau millénaire furent accompagnés de trois aspects fondamentaux en termes de réalisation de documentaires (ou de cinéma en général) : l'utilisation généralisée d'Internet, l'adoption des technologies numériques par l'industrie cinématographique et la baisse des prix des caméras de poche. Grâce à ces trois facteurs, les possibilités de réaliser des films et surtout des documentaires furent ouvertes à un nombre beaucoup plus important de cinéastes qui pouvaient désormais tourner et monter leurs propres films avec leur propre matériel, ce qui entraîna une augmentation du nombre de documentaires présentant des histoires personnelles dans lesquelles les auteurs se mettaient en scène ou mettaient en scène leurs proches. Le tournant du millénaire fut également marqué par une augmentation du nombre de documentaires qui connurent un succès financier inhabituel dans les salles de cinéma, leurs recettes ayant souvent été dopées par leur sortie en DVD.

 

Michael Moore et autres documentaristes du nouveau millénaire

Michael Moore, cinéaste indépendant qui explora les travers de l'Amérique des entreprises, de sa politique et de ses maux sociaux, devint une figure marquante du documentaire américain au tout début du nouveau millénaire. Dans ses documentaires, il joua souvent le rôle du protagoniste principal et d'une sorte de guide, qui n'hésita pas à commettre une série de manipulations et de détournements d'informations lorsqu'il exprimait ses opinions et à faire basculer l'opinion publique de son côté, même par le biais de l'humour et de messages subliminaux. Il fit ses débuts en 1989 avec le très réussi Roger et moi (1989), dans lequel il traitait des licenciements massifs dans une usine automobile qui provoqurent l'effondrement économique de sa ville natale. Il aborda également les mauvais traitements infligés aux travailleurs des multinationales dans The Big One (1997) et dans Capitalism : A Love Story (2009).

Il connut un succès considérable lorsqu'il remporta un Oscar pour Bowling for Columbine (2002), dont le titre faisait référence au massacre du lycée Columbine, et dans lequel Moore s'attaquait au marché américain des armes à feu. Son très controversé Fahrenheit 9/11 (2004), le documentaire le plus rentable de l'histoire du cinéma à l'époque, fut réalisé pour discréditer le président américain George W. Bush à l'approche de l'élection et l'accuser d'une multitude de délits, avant et après le 11 septembre 2001. Il travailla également avec l'opinion publique en tournant le documentaire Captain Mike Across America (2007), et son film suivant, Sicko (2007), fut une enquête sur les problèmes de santé américains, tandis que dans Where to Invade Next (2015), il compara les États-Unis à divers pays européens, et dans Fahrenheit 11/9 (2018), il se concentra à nouveau sur une élection présidentielle, cette fois avec le candidat Donald Trump en première ligne.

Un autre documentariste sportif notable est Stacy Peralta, qui fit irruption sur la scène avec Dogtown and Z-Boys (2001), un documentaire sur les skateurs, suivi de Riding Giants (2004), sur les surfeurs, avant de revenir aux skateboards dans Bones Brigade : An Autobiography (2012). Dans Crips and Bloods : Made in America (2008), il se concentra toutefois sur deux gangs noirs de Los Angeles. Une autre figure populaire dans le domaine du documentaire fut Morgan Spurlock avec l'expérience Super Size Me (2004), où il s'attaqua à l'obésité aux États-Unis en mangeant exclusivement dans des fast-foods pendant un mois et qui devint un phénomène social. Spurlock joua également dans ses autres documentaires Oussama, où es-tu ? (2008), Super Ca$h Me (2011), Mansome (2012), et Super Size Me 2 : Holy Chicken ! (2017).

Le célèbre documentariste, Errol Morris, connut un regain de carrière avec son film oscarisé Brume de guerre (2003), conçu comme une confession du secrétaire américain à la Défense qui occupa ce poste pendant la guerre du Vietnam. Morris reprit ensuite ce modèle dans The Unknown Known(2013), dont le protagoniste fut le Secrétaire à la Défense au moment du lancement des opérations militaires américaines en Afghanistan et en Irak. Mais avant cela, il réalisa un documentaire sur les pratiques inhumaines dans la prison pour prisonniers politiques de Bagdad, Standard Operating Procedure (2008), puis Tabloïd (2010), où il analysait le curieux cas d'une ancienne reine de beauté devenue kidnappeuse dans les années 1970. Le réalisateur Werner Herzog élargira son portefeuille de documentaires avec Grizzly Man (2005), l'histoire d'un écologiste qui a passé de nombreuses années parmi les ours, et Rencontres au bout du monde (2007), qui se concentrait sur la vie des chercheurs dans l'environnement hostile de l'Antarctique.

La réalisatrice tchèque, Helena Třeštíková, devint une promotrice du documentaire en temps réel en utilisant sa méthode pour filmer les destins de diverses personnes sur plusieurs années, donnant lieu aux documentaires Marcela (2006), René (2008), Katka (2009), Mallory (2015) et The Strnads (2017). Dans sa série documentaire en quatre parties intitulée Forgotten Transports to... (2007-2010), l'historien Lukáš Přibyl explora les transferts moins connus de Juifs déportés vers des camps de concentration et des ghettos en Lettonie, en Estonie, au Belarus et en Pologne. Le documentariste slovaque Pavol Barabáš quant à lui, devint une personnalité importante dans le domaine des carnets de voyage grâce à ses films Mysterious Mamberano (2000), OMO - A Journey to the Primaeval Age (2002), Amazonia Vertical (2004) et des dizaines d'autres.

 

Autres documentaires importants après 2000

Les sujets des documentaires furent variés, allant du génocide rwandais (The Last Just Man, 2002), à la critique des multinationales (The Corporation, 2003), aux abus sexuels sur mineurs (Capturing the Friedmans, 2003), à la maltraitance et de la mise à mort d'animaux à des fins humaines (Terriens, 2005), à la montée de la mafia de la cocaïne à Miami (Cocaine Cowboys, 2006), à l'invasion américaine de l'Irak (No End in Sight, 2007) et enfin aux manifestations antigouvernementales en Birmanie (Burma VJ, des nouvelles d'un pays clos, 2008). Le documentaire Le Cauchemar de Darwin (2004) décrivait divers problèmes mondiaux, du commerce du poisson au commerce des armes ; La Mort du travailleur (2005) traitait de diverses formes de travail forcé ; Un taxi pour l´enfer (2007), récompensé par un Oscar, critiquait les pratiques d'interrogatoire de l'armée américaine dans le cas d'un chauffeur de taxi afghan ; Food, Inc. (2008) jetait un regard sur les grandes entreprises de production alimentaire, pendant que Bigger Stronger Faster* (2008) s'intéressait au culturisme et à l'aspect moral de l'utilisation des stéroïdes. Le film d'animation oscarisé Valse avec Bachir (2008), qui revenait sur les massacres perpétrés dans les camps de réfugiés palestiniens dans les années 1980, se distingua par sa forme documentaire remarquable.

À l'opposé de ces films sérieux, on trouvait des documentaires plus légers sur, par exemple, les collectionneurs (Les Glaneurs et la glaneuse, 2000), les concours d'orthographe pour enfants (Spellbound, 2002), les classifications d'accessibilité des films américains (This Film Is Not Yet Rated, 2006), l'histoire des jeux vidéo d'arcade compétitifs (The King of Kong, 2007) et les coulisses de l'animation du studio Pixar (L'Histoire de Pixar, 2007) et des studios de Walt Disney (Waking Sleeping Beauty, 2009). Le documentaire comique Religolo (2008) fut un aperçu satirique du fanatisme religieux, et la comédie documentaire Borat, leçons culturelles sur l'Amérique au profit glorieuse nation Kazakhstan (2006), dont l'histoire fictive était complétée par des confrontations authentiques entre divers Américains et le personnage fictif d'un étrange reporter kazakh, fit également une large place à la satire.

Le documentaire musical Michael Jackson's This Is It (2009), sur les préparatifs d'un concert qui n'eut jamais lieu, sortit peu après la mort du chanteur et devint le documentaire le plus rentable de l'histoire du cinéma. Parmi les autres documentaires musicaux, citons celui consacré aux membres de Metallica (Metallica : Some Kind of Monster, 2003), au groupe post-punk Joy Division (Joy Division, 2007), à une série de petits concerts de Sigur Rós (Sigur Rós - Heima, 2007) et au métal en tant que genre musical en général (Metal : voyage au coeur de la bête, 2005). De nombreux documentaires sur la nature furent également diffusés, tels que Le Peuple migrateur (2001), La Planète bleue (2003), Genesis (2004), La Marche de l'empereur (2005), Les Seigneurs de la mer (2006), Les Animaux amoureux (2007), Arctic Tale (2007), La Famille Suricate (2008) et Océans (2009), tandis que les films thématiques Une vérité qui dérange (2006), Un jour sur Terre (2007) et Home (2009) attirèrent l'attention sur les problèmes environnementaux.

Au tournant du millénaire, un certain nombre de documentaires sur des cinéastes célèbres, des films et l'histoire d'Hollywood furent réalisés, notamment Stanley Kubrick : Une vie en images (2001), Woody Allen : A Life in Film (2002), Charlot, la vie et l'oeuvre de Charles Chaplin (2003), Easy Riders, Raging Bulls (2003), Une décennie sous influence (2003), Final Cut : The Making and Unmaking of Heaven's Gate (2004), Midnight Movies : From the Margin to the Mainstream (2005), Inside Deep Throat (2005) ou Le Guide pervers du cinéma (2006). Des documentaires complets sur le cinéma, tels que King Kong Peter Jackson's Production Diaries (2005) ou Dangerous Days : Making Blade Runner (2007), retracèrent la réalisation de grands succès hollywoodiens, tandis que Lost in La Mancha (2002), en revanche, explora comment la réalisation d'un seul film fut empêchée par une série de circonstances malheureuses.

Le documentaire biographique Nicholas Winton, la force d'un juste (2002) explorait l'acte héroïque d'un homme qui transporta secrètement plusieurs centaines d'enfants, juifs pour la plupart, vers la Grande-Bretagne pendant l'occupation nazie de la Tchécoslovaquie, tandis que Le Funambule (2008) racontait l'histoire d'un artiste de rue qui décida de marcher sur une corde raide entre les bâtiments du World Trade Center dans les années 1970. Parmi les autres personnalités qui firent l'objet de documentaires figurent le photographe James Nachtwey (War Photographer, 2001), le producteur hollywoodien Robert Evans (The Kid Stays in the Picture, 2002), le rappeur Tupac Shakur (Tupac : Resurrection, 2003), l'écrivain Charles Bukowski (Bukowski, 2003), le musicien Bob Dylan (No Direction Home : Bob Dylan, 2005), le président tchèque Václav Havel (Citizen Havel, 2007), le scientifique Albert Einstein (Einstein, 2008) et le pianiste Glenn Gould (Genius Within : The Inner Life of Glenn Gould, 2009).

 

Le grand boom du documentaire après 2010

L'augmentation du volume de la production cinématographique au XXIe siècle ne fut pas sans incidence sur les documentaires, qui commencèrent à apparaître en abondance, couvrant une grande variété de sujets comprenant, entre autres, la crise économique de 2008 (Inside Job, 2010, récompensé par un Oscar), la propagande de guerre dans les médias modernes (The War You Don't See, 2010), les massacres de masse en Indonésie dans les années 1960 (The Act of Killing - L'acte de tuer, 2012) et le dopage dans le cyclisme de compétition (Icare, 2017, récompensé par un Oscar). Les documentaires abordèrent également les problèmes de l'ère numérique, allant de la collecte de données issues de conversations électroniques privées (Citizenfour, 2014, récompensé par un Oscar), aux effets négatifs des réseaux sociaux (Derrière nos écrans de fumée, 2020). Le documentaire I Am Not Your Negro (2016) raconta l'histoire des luttes des Afro-Américains contre la suprématie blanche, tandis que 13th (2016) explora le thème de l'esclavage moderne dans le système carcéral américain. Le documentaire de compilation Pour les soldats tombés (2018) était composé d'images d'archives de la Première Guerre mondiale, restaurées numériquement et converties en couleurs. Le documentaire d'investigation L'Affaire Collective (2019) offrit un portrait désabusé du système de santé roumain, tandis que l'authentique confession Pour Sama, Journal d’une mère syrienne (2019) fut tournée dans les rues de Syrie pendant la guerre civile.

Parmi les œuvres traitant de sujets moins sérieux, on trouvait des documentaires sur la préparation des sushis (Jiro Dreams of Sushi, 2011), le programme spatial américain (Apollo 11, 2019) et la vie d'une apicultrice macédonienne (Honeyland, 2019). Le documentaire Bébés (2010) retraçait la vie de quatre bambins de différentes régions du monde, tandis que The Other F Word (2011) s'intéressa aux punk rockers devenus pères. Le film Sugar Man (2012) remporta un Oscar pour son portrait de Rodriguez, un musicien devenu une légende du rock dans les années 1970 sans le savoir. Il y eut également plusieurs mockumentaries et films d’« enregistrements  trouvés » dont le contenu variait thématiquement de la recherche de trolls norvégiens (The Troll Hunter, 2010) à la vie des vampires en Nouvelle-Zélande (Vampires en toute intimité, 2014).

Le nombre déjà considérable de documentaires sur la nature continua d’augmenter avec Félins (2011), One Life (2011), Planète océan (2012), Polar Bears : A Summer Odyssey (2012), Chimpanzés (2012), Grizzly (2014), Les Saisons (2015), Tale of a Lake (2016), La Marche de l'Empereur : L'Appel de l'Antarctique (2017), Un nouveau jour sur terre (2017), Planeta Czechia (2017), Untamed Romania (2018), et The Elephant Queen (2018). Les documentaires Blackfish (2013) et Keiko the Untold Story of the Star of Free Willy (2013) traitaient des destins de deux orques particuliers, tandis que le film oscarisé La Sagesse de la pieuvre (2020) racontait l'histoire de l'amitié particulière d'un cinéaste avec un curieux céphalopode. The Cove - La Baie de la honte (2009), The Ivory Game (2016) et Sharkwater Extinction (2018) tentèrent de plaider la cause de la fin du massacre des animaux sauvages, tandis que Plastic Planet (2009) et A Plastic Ocean (2016) abordèrent la question de la pollution plastique marine. Racing Extinction (2015) contribua également à la question de la mise en danger des espèces animales, tandis que Lucent (2014), Cowspiracy : The Sustainability Secret (2014) et Dominion (2018) critiquèrent la production animale, et Taste the Waste (2010) critiqua le gaspillage alimentaire excessif. Le film David Attenborough : une vie sur notre planète (2020) servit non seulement à récapituler la carrière du célèbre documentariste, mais aussi à envoyer un message fort sur l'état de l'environnement.

Le documentariste italien Gianfranco Rosi eut du succès avec son travail de réflexion sur la vie autour de l'autoroute romaine (Sacro GRA, 2013), la crise des réfugiés (Fuocoammare, par-delà Lampedusa, 2016) et la situation au Moyen-Orient (Notturno, 2020). Ulrich Seidl, quant à lui, contribua au thème des gens curieux aux intérêts étranges, d'abord avec Sous-Sols (2014), un panoptique bizarre de plusieurs caves autrichiennes et de leurs propriétaires, puis avec Safari (2016), dans lequel il visitait le monde des chasseurs de trophées. Le documentariste Dan Přibáň donna naissance à une série de carnets de voyage non conventionnels composée, entre autres, de Trabant Goes to Africa (2011) et Trabant at the End of the World (2014). Le documentaire sportif Red Army (2014) couvrit l'histoire de l'équipe de hockey soviétique, tandis que The Nagano Tapes (2018) s'intéressa aux matchs de hockey des Jeux olympiques de Nagano et à la rivalité entre les Soviétiques et les Tchécoslovaques. Parmi les autres documentaires sportifs, citons Derrière le mur, la Californie (2012) et King Skate (2018), qui racontaient tous deux l'histoire du skateboard dans les pays du bloc socialiste, tandis que The Crash Reel (2013) s'intéressa au snowboard ; Fastest (Côté Diffusion) (2011) et Hitting the Apex (2015) donnèrent un aperçu du monde des courses de moto, et 1 (2013) se pencha sur l'histoire des courses de monoplaces en sport automobile. Le documentaire oscarisé Free Solo (2018) s'intéressa à la personnalité de l'alpiniste Alex Honnold et à son ascension périlleuse de la paroi rocheuse d'El Capitan, tandis que The Dawn Wall (2017) traita également de l'escalade d'un massif presque perpendiculaire sans assurage.

Le réalisateur Asif Kapadia devint une force majeure du documentaire après avoir connu le succès avec son film sur le coureur de F1 Ayrton Senna (Senna, 2010), avant de remporter un Oscar pour son documentaire sur la chanteuse Amy Winehouse (Amy, 2015), et qui fut suivi du film sur le footballeur Diego Maradona (Diego Maradona, 2019). D'autres documentaires biographiques tournèrent autour de personnalités telles que l'artiste d’art urbain Banksy (Faites le mur !, 2010), et les chanteurs Lemmy Kilmister (Lemmy, 2010), Ozzy Osbourne (God Bless Ozzy Osbourne, 2011), Freddie Mercury (Freddie Mercury : The Great Pretender, 2012) et Roger Waters (Roger Waters :  The Wall, 2014) ; et encore, le critique de cinéma Roger Ebert (Life Itself, 2014), le guitariste Keith Richards (Keith Richards : Under the Influence, 2015), le chanteur Kurt Cobain (Kurt Cobain : Montage of Heck, 2015), le danseur de ballet Sergei Polunin (Dancer, 2016) et l'acteur pornographique Rocco Siffredi (Rocco, 2016). On peut également citer l'acteur Robin Williams (Robin Williams : Come Inside My Mind, 2018), la juge Ruth Bader Ginsburg (RBG, 2018), la chanteuse Whitney Houston (Whitney, 2018), l'animateur d'émissions pour enfants Fred Rogers (Won't You Be My Neighbor ? 2018), le chanteur d'opéra Luciano Pavarotti (Pavarotti, 2019), la chanteuse Taylor Swift (Miss Americana, 2020), la militante Greta Thunberg (I Am Greta, 2020) et la chanteuse Billie Eilish (Billie Eilish : The World's a Little Blurry, 2021). Il y eut également plusieurs documentaires sur les Beatles et ses membres, comme George Harrison : Living in the Material World (2011), The Beatles : Eight Days a Week (2016), How the Beatles Changed the World (2017), et Made on Merseyside - The Beatles (2018).

 

Documentaires télévisés et séries documentaires

Les documentaires télévisés et les séries documentaires furent produits aux États-Unis et en Grande-Bretagne depuis la fin des années 1940, avec un fort accent sur les sujets historiques, de guerre et d'actualité, comme la série sur la guerre Crusade in Europe (1949) ou The Armed Forces Hour (1949-1951). Cette tendance se poursuivit dans les années 1950 avec des programmes documentaires américains tels que The Big Picture (1951-1964), Wide Wide World (1955-1958) et The Twentieth Century (1957-1970) sur NBC, ABC et CBS, tandis qu'en Grande-Bretagne, la BBC dominait le domaine. Les pionniers des documentaires sur la nature furent la série britannique Zoo Quest (1954-1963) et la série américaine Zoorama (1955-1970). Les années 1960, qualifiées plus tard d'âge d'or des documentaires télévisés en Amérique, furent riches en projets plus engagés et plus politiques que dans les décennies précédentes. Parmi les autres productions de cette époque aux États-Unis, citons les carnets de voyage (Expedition !, 1961-1962) et les documentaires sur les personnalités d'Hollywood (Hollywood and the Stars, 1963-1964). Parmi les productions britanniques, citons la série sur la guerre The Great War (1964) et les séries sur la nature The World About Us (1967-1987) et Survival (1961-2001). Dans les années 1970, le genre du documentaire télévisé fut enrichi d'autres productions importantes, notamment la série scientifique américaine Nova (à partir de 1974), la série scientifique britannique Life on Earth (1979), la série historique The World at War (1973-1974) et la série documentaire Everyman (1977-2000).

Au cours des décennies suivantes, l'intérêt pour les documentaires augmenta avec la programmation de la télévision par câble, et le nombre de films s’accrut également considérablement avec les productions des chaînes spécialisées telles que Discovery Channel (à partir des années 1980), The History Channel et Animal Planet (à partir des années 1990), et National Geographic (début du 21e siècle). Parmi les autres programmes qui ont commencé à être produits aux États-Unis figurent la série biographique American Masters (à partir de 1985), la série scientifique Cosmos (1980), la série historique The Civil War (1990) et les séries scientifiques Nature (à partir de 1982) et National Geographic Explorer (à partir de 1985), tandis qu'au Royaume-Uni, les programmes devenus très populaires comprenaient les séries scientifiques et d'histoire naturelle The Natural World (1983), The Living Planet (1984), The World of Strange Powers (1985), et dans les années 1990, The Trials of Life (1990), The Private Lives of Plants (1995), The Human Body (1998), The Life of Birds (1998), The Planets (1999) et Sur la terre des dinosaures (1999). Parmi les autres productions, citons la série documentaire musicale britannique The Beatles Anthology (1995) et la série documentaire allemande Hitler's Henchmen (1996-1998).

Au cours du nouveau millénaire, la BBC s'appuya sur ses succès précédents pour produire un nouvel ensemble de séries sur la nature et la science, dont les plus importantes sont les suivantes Hyperspace (2001), Blue Planet - A Natural History of the Oceans (2001), The Life of Mammals (2002-2003), Planète Terre (2006), Earth : The Power of the Planet (2007), Life (2009), Frozen Planet (2011), Planet Earth II (2016), Blue Planet II (2017), et Seven Worlds, One Planet (2019). The First World War (2003), World War II in Colour (2009), Doomsday - World War I (2012) et The Vietnam War (2017) furent toutes axées sur les conflits militaires. Plusieurs mini-séries documentaires françaises de la série Apocalypse furent également liées par le thème de la guerre, dont Apocalypse - La 2ème Guerre Mondiale (2009) et Apocalypse - La 1ère Guerre Mondiale (2014) furent particulièrement remarquables. Parmi les autres séries notables, citons Zero Hour (2004-2007), Oliver Stone - Les États-Unis, l'histoire jamais racontée (2012-2013), Making a Murderer (2015-2018) et Formula 1 : Pilotes de leur destin (2019-2021).

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