Animation - Genres

L'origine de l'animation et du cinéma

Le terme "animation" désigne le processus consistant à donner l'impression que les choses bougent. Il s'agit d'un procédé mécanique dans lequel nous regardons une séquence d'images statiques mais légèrement différentes les unes des autres, projetées en succession rapide, et l'inertie de l'œil humain produit l'impression d'un mouvement fluide. L'animation est également à la base du film en tant que tel, qui utilise le même effet : les images individuelles sont projetées à une vitesse (cadence standard : 24 images/second) que l'œil humain ne peut plus percevoir et, par conséquent, nous voyons la séquence comme une image continue en mouvement.

Un film d'animation est un type de film réalisé à partir d'images individuelles, qui sont souvent mises bout à bout pour créer un effet d'animation. À l'origine, les films d'animation étaient réalisés à l'aide de dessins à la main ou de marionnettes, mais de nos jours, le genre est dominé par les ordinateurs. L'animation en tant que genre cinématographique décrit principalement une méthode de création différente de celle des films en prises de vues réelles. Les films d'animation peuvent donc appartenir à n'importe quel autre genre cinématographique : souvent des contes de fées et des fables ou films d'aventure et de fantaisie, mais ils peuvent aussi être des drames, de la science-fiction, des comédies et des comédies musicales.

L'invention du stroboscope en 1832 constitua une percée dans le monde de l'animation. Il créait l'illusion du mouvement en permettant de voir une série d'images en rotation à travers une fente étroite. Le praxinoscope, introduit en 1882, était tout aussi révolutionnaire puisqu'il permettait pour la première fois de projeter des images en mouvement sur un écran. Il fut le précurseur du kinétoscope, un appareil permettant de visionner des images en mouvement, breveté par Thomas Edison, et du cinématographe, inventé par les frères Lumière en 1895, qui donna naissance à la cinématographie proprement dite. Jusque là, l'animation était utilisée comme une sorte d'attraction, à des fins publicitaires et pour la production de jouets optiques. Après l'invention du long métrage, elle fut délaissée jusqu'en 1908, lorsque J. Stuart Blackton inventa la technique de l'animation image par image, c'est-à-dire l'animation créée par la prise d'une série d'images photographiques.

Les débuts du film d'animation aux Etats-Unis d’Amérique

Avant même la Première Guerre mondiale, plusieurs technologies avancées avaient déjà été développées aux États-Unis, par exemple l'impression mécanique des dessins d'arrière-plan, grâce à laquelle il n'était pas nécessaire de redessiner l’arrière-plan à chaque fois, ou l'idée de dessiner des figures en mouvement sur du celluloïd transparent (appelé ultrafane), ce qui facilitait aussi grandement le travail avec un arrière-plan fixe. L'apogée de l'animation se situa toutefois dans l'après-guerre, lorsque le cinéma commenca à devenir une industrie, que les disciplines individuelles se spécialisèrent et que la division du travail permit de produire des films plus rapidement et plus économiquement. C'est également à cette époque que les premiers studios produisant des dessins animés virent vu le jour. À l'époque, les réalisateurs étaient des producteurs indépendants qui vendaient les droits de leurs films à des distributeurs, qui les intégraient ensuite dans une série de courts métrages diffusés dans les salles de cinéma avant le long métrage principal. The Sinking of the Lusitania (1918) de Winsor McCay (créateur du dinosaure Gertie) fut considéré comme le premier film d'animation à dépasser la longueur de tous les courts métrages d'animation réalisés jusqu'à cette époque.

Les films d'animation ont été créés à l'aide de diverses techniques, mais l'introduction de la technologie de rotoscopie, qui permet de redessiner le contour du personnage, champ par champ, a été essentielle car elle a permis de capturer les personnages du film dans des mouvements beaucoup plus naturels qu'auparavant. Le créateur de cette méthode, Max Fleischer, l'a appliquée dans sa série de courts métrages d'animation Out of the Inkwell, avec Koko le clown, qui connut un grand succès tout au long des années 1920, et dans les années 1930, il a créé, avec son frère Dave, les personnages de Popeye le marin et de Betty Boop.

 

Les premiers succès de Walt Disney et de Warner Bros.

Le jeune Walt Disney tenta de percer aux États-Unis depuis 1919, mais son parcours dans plusieurs agences de production de courts métrages d'animation, resté infructueux, ne porta ses fruits que lorsqu'il fonda avec son frère Roy le studio des frères Disney, où ils produisirent des séries animées pour les distributeurs Warner Bros. et MGM. Cependant, comme ils n'avaient pas les droits sur les personnages animés (dont Oswald le lapin), Walt Disney inventa le sien : Mickey Mouse. Les deux premiers films mettant en scène Mickey Mouse n'ont pas eu de succès, mais l'invention du son est arrivée et le troisième film put déjà être un film sonore. Intitulé Le Bateau à vapeur de Willie (1928), il constitua une percée pour Disney, le propulsant au premier rang du monde de l'animation cinématographique. Un autre succès des années 1920 fut la série visuellement imaginative et fantaisiste Felix le Chat, mais elle ne survit pas à l'arrivée du son, pas plus que la plupart des autres personnages animés de l'ère du muet.

Dans les années 1930, les courtes séries animées devinrent un élément courant de la plupart des programmes cinématographiques. Le studio d'animation Terrytoons était populaire et son personnage le plus célèbre était Woody Woodpecker. Warner Bros. créa son propre studio d'animation et produisit la série Looney Toons, avec des personnages de plus en plus populaires comme Bugs Bunny, Daffy Duck et Porky Pig, tout en essayant d'orienter une partie de sa production vers un public adulte. Disney, qui jouissait d'une grande popularité pour ses courts métrages mettant en scène Mickey Mouse, Donald Duck et Goofy, sortit le premier long métrage d'animation de l'histoire : Blanche-Neige et les sept nains, en 1937. Ils poursuivirent leur énorme succès dans les années 1940, atteignant le sommet des possibilités technologiques avec Pinocchio (1940), Fantasia (1940), Dumbo (1941) et Bambi (1942). En réponse à Disney, les frères Fleischer proposèrent une adaptation animée des Voyages de Gulliver (1939), qui ne rencontra pas le même succès que Blanche-Neige et les sept nains.

 

L'essor de la télévision après-guerre

Dans les années 1940, les personnages de Tom le chat et Jerry la souris devinrent populaires grâce à une série de courts dessins animés burlesques où ils s'affrontaient sans dialogue, mais avec des effets sonores et des gags comiquement violents. La période associée au déroulement et à l'après-guerre de la Seconde Guerre mondiale entraîna une transformation de l'ensemble de l'industrie cinématographique (l'animation étant utilisée pour la propagande de guerre). Après la guerre, Hollywood dut s'adapter à l'avènement de la télévision, de nombreux studios passant à la production d'émissions animées pour la télévision. Seul Disney resta inflexible et, dans les années 1950, sortit Cendrillon (1950), Alice au pays des merveilles (1951), Peter Pan (1953), La Belle et le Clochard (1955) et La Belle au bois dormant (1959).

Au milieu des années 1960, cependant, les grands studios avaient cessé de produire de nouveaux courts métrages d'animation et transférèrent totalement les anciens courts métrages sur le petit écran. Ils commencèrent également à produire des séries animées spécialement pour la télévision, comme La Famille Pierrafeu, Yogi l'Ours et Scooby-Doo, où es-tu ?. À cette époque, Disney sortit dans les salles de cinéma Les 101 Dalmatiens (1961), Merlin l'enchanteur (1963) et Le Livre de la jungle (1967), en plus de l'énorme succès de sa comédie musicale Mary Poppins (1964), nominée à treize Oscars, qui combinait animation et acteurs vivants. Cette méthode apparut sporadiquement aux débuts de l'animation cinématographique (L'Ouest Moutonneux, 1926), et fut également été utilisée beaucoup plus tard (Qui veut la peau de Roger Rabbit, 1988).

 

Les productions pour adultes et le déclin de Disney

En raison de diverses circonstances, la production de films d'animation pour adultes augmenta avec des films tels que Yellow Submarine (1968), qui illustrait de manière psychédélique les chansons des Beatles, ou l'underground Fritz le Chat (1972), qui, en raison de sa description de l'atmosphère d'une moralité déclinante faite de drogues et de sexe occasionnel, fut le premier film d'animation de l'histoire à recevoir la catégorie "classé X", qui était jusqu'alors presque exclusivement accordée à la pornographie. Le créateur de Fritz le Chat, Ralph Bakshi, fut ensuite à l'origine de Les Sorciers de la guerre (1977), Tygra : la glace et le feu (1983) et de l'adaptation animée du Seigneur des anneaux (1978).

Dans les années 1970, marquées par la mort de Walt Disney en 1966, Disney sortit une série de films relativement peu médiatisés et sans grand succès, dont Les Aristochats (1970), Robin des Bois (1973), Les Aventures de Winnie l'ourson (1977) et Les Aventures de Bernard et Bianca (1977). La période de déclin se poursuivit dans les années 1980 avec Rox et Rouky (1981) et Taram et le chaudron magique (1985), qui, avec son énorme budget et son faible bénéfice, fut le plus grand échec de Disney. Les choses ne s'améliorèrent pas avant Basil, détective privé (1986), puis Oliver et compagnie (1988), et surtout avec La Petite Sirène (1989), qui fut en ligne avec la période d'or de Disney du début des années 1940 en termes de réponse du public et annonca le nouvel âge d'or des années 1990, au cours duquel les studios Disney créèrent certains de leurs classiques les plus célèbres.

La principale concurrence de Disney dans les années 1980 fut l'énorme succès du film Le Petit dinosaure et la vallée des merveilles (1988), produit par Steven Spielberg, et un certain nombre de séries télévisées, dont Les Simpsons, créé par Matt Groening en 1987. 1981 vit le lancement de MTV sur le câble, qui popularisa de nombreux clips musicaux animés. L'animation commenca à apparaître dans les publicités (certaines séries pour enfants de l'époque étaient en fait des publicités pour des jouets, par exemple Transformers, G.I. Joe et My Little Pony) et fut également utilisée comme support pour les longs métrages. Un clip d'animation mettant en scène Roger Rabbit, Bobo Bidon (1989), qui sortit sous forme de court-métrage avant la comédie familiale Chérie, j'ai rétréci les gosses (1989), la comédie musicale Pink Floyd The Wall (1982) comprenait environ 15 minutes de séquences animées, et l'animation en images de synthèse a commencé à être utilisée grâce au développement des ordinateurs (en grande partie pour la première fois dans le film Tron de 1982).

 

Les glorieuses années 90 de Disney et la domination de Pixar

Dans les années 1990, Disney entama sa renaissance lorsque La Belle et la Bête (1991, premier film d'animation jamais nommé aux Oscars dans la catégorie Meilleur film), Aladdin (1992) et Le Roi Lion (1994) battirent successivement les records du box-office. Ils furent suivis par Pocahontas (1995), Le Bossu de Notre-Dame (1996), Hercule (1997), Mulan (1998) et Tarzan (1999). La seule exception fut Bernard et Bianca au pays des kangourous (1990), qui fut largement oublié et poussa Disney à ne sortir désormais ses suites qu'en vidéo et en DVD (jusqu'en 2018, lorsque Ralph 2.0 sortit au cinéma). Le succès des Simpsons a amené South Park, Les Griffin et Futurama dans le monde de la télévision, et les séries animées connurent un véritable boom sur la chaîne câblée Cartoon Network.

L'animation par ordinateur commença à faire parler d'elle dans les années 1980, mais ce n'est que dans les années 1990 qu'elle prit véritablement son essor. En 1986, Steve Jobs racheta à George Lucas une société appelée Graphics Group et la rebaptisa Pixar. Au fil du temps, cette société, qui se concentrait principalement sur le matériel et les logiciels d'infographie, devint un studio d'animation qui produisait des courts métrages en trois dimensions (« 3D ») dont le but premier était de démontrer les possibilités de la technologie à des clients potentiels. Disney les remarqua et signa avec Pixar un accord portant sur trois films. Le premier d'entre eux, Toy Story (1995), connut un succès incroyable dans les salles de cinéma et révolutionna le domaine des films d'animation.

Au cours de la décennie suivante, Pixar produirait cinq autres longs métrages salués par le public et les critiques : 1001 Pattes (1998), Toy Story 2 (1999), Monstres & Cie (2001), Le Monde de Nemo (2003) et Les Indestructibles (2004), qui leur valurent la réputation de meilleur studio d'animation au monde. Cette réputation ne fit que se confirmer les années suivantes avec Cars (2006), Ratatouille (2007), Wall-E (2008), Là-haut (2009) et Toy Story 3 (2010). Ironiquement, la baisse de qualité de Pixar eut lieu suite à son rachat en 2006 par Disney, qui avait alors du mal à concurrencer les films d'animation en 3D que furent Chicken Little (2005) et Bienvenue chez les Robinson (2007).

 

La montée en puissance des autres studios de films d'animation

Disney n'a pas réussi à s'imposer dans le domaine de l'animation en 3D avant la sortie de Volt, star malgré lui (2008) et Raiponce (2010). Jusque-là, les films d'animation classiques tels que Kuzco, l'empereur mégalo (2000), Atlantide, l'empire perdu (2001), Lilo & Stitch (2002), La Planète au trésor : Un nouvel univers (2002) et La Princesse et la grenouille (2009) avaient eu plus de succès. Les autres grands acteurs du marché de l'animation étaient Blue Sky avec la série L'Âge de glace (depuis 2002) et Dreamworks avec Fourmiz (1998), Le Prince d'Egypte (1999) et la série Shrek (depuis 2001). En 2002, les Academy Awards introduisirent la catégorie du meilleur film d'animation, et Shrek, qui parodiait les clichés des contes de fées, en fut le premier lauréat.

La première décennie du 21e siècle a également montré que l'animation en 3D allait devenir le courant dominant des films d'animation. Après 2009, les films d'animation en 3D sont également sortis dans des versions avec lunettes 3D, offrant une expérience de visionnage spatiale (le premier étant Monstres contre Aliens). Disney essaya de réussir en 2011-2012 avec la distribution renouvelée de certains titres plus anciens, convertis en 3D, mais cela ne fut pas très fructueux financièrement. Cette stratégie fut rapidement abandonnée et seuls les nouveaux films d'animation furent dès lors convertis en 3D.

Les studios Disney sortirent également de nouveaux films : Les Mondes de Ralph (2012), La Reine des neiges (2013) et Les Nouveaux Héros (2014), et Pixar fit de même avec Rebelle (2012) et Vice Versa (2015). Dreamworks s'est fait un nom avec les séries Madagascar (depuis 2005), Kung Fu Panda (depuis 2008) et Dragons (depuis 2010). Blue Sky a connu le succès avec deux films Rio (2011 et 2014), Sony avec Hôtel Transylvanie (depuis 2012) et Illumination Entertainment avec Moi, moche et méchant (depuis 2010). Il convient également de mentionner le studio Laika et ses films tournés en utilisant l'animation de marionnettes image par image (« stop motion » en anglais), tels que Coraline (2009), Kubo et l'armure magique (2016) et Monsieur Link (2019).

 

Des productions de films animés non conventionnels

Des personnes comme Tim Burton et Wes Anderson, cinéastes bien connus pour le style visuellement distinctif de leurs films en prises de vue réelles, ont également tâté de l'animation, créant notamment les films en animation image par image L'Etrange Noël de M. Jack (1993), Les Noces funèbres (2005), Fantastic Mr. Fox (2009) et L'Île aux chiens (2018). Robert Zemeckis a également commencé à expérimenter la technologie dite de capture du mouvement (« motion capture » en anglais) qui permet d'enregistrer les mouvements des acteurs sur un ordinateur, puis de les imprimer sur des modèles animés. C'est ainsi qu'il a réalisé Le Pôle Express (2004) et Le Drôle de Noël de Scrooge (2009). Le genre du film d'animation pour adultes s'est poursuivi avec des films tels que South Park, le film - Plus long, plus grand et pas coupé (1999) et Sausage Party (2016), la satire de marionnettes Team America police du monde (2004), et les séries Ugly Americans (depuis 2010), Rick et Morty (depuis 2013) et BoJack Horseman (depuis 2014).

En outre, la période 2010-2020 a été marquée par une vague de films d'animation en 3D en provenance d'Europe, d'Asie, d'Afrique et d'Amérique du Sud, qui tentèrent, avec plus ou moins de succès, de percer le marché et d'égaler les grands succès des studios établis, notamment Les Aventures de Tintin : Le Secret de la Licorne (Paramount Pictures, 2011), La Grande Aventure Lego (Warner Bros, 2014), Zootopie (Disney, 2016), Coco (Pixar, 2017) et Spider-Man : New Generation (Sony, 2018). Participant de ce même mouvement, des films d'animation de Russie (The Snow Queen - La Reine des Neiges, 2012), d'Espagne (Tad l'explorateur : A la recherche de la Cité perdue, 2012), d'Afrique du Sud (Khumba, 2013), de Malaisie (Ribbit, Prince malgré lui, 2014), du Luxembourg (Le Voyage de Ricky, 2017) et de Belgique (Royal Corgi, 2019) furent également largement distribués à l'étranger.

 

Le film d’animation européen

Les films d'animation sont apparus beaucoup plus tôt en Europe et dans d'autres parties du monde. En Europe, l'animation fut utilisée depuis les années 30, notamment dans des œuvres expérimentales qui profitaient du fait qu'elle était moins chère à produire. La plupart des animateurs européens méprisaient les dessins animés classiques, les associant à l'orientation commerciale d'Hollywood, et utilisaient plutôt la méthode d'animation image par image, créant l'illusion du mouvement par la capture successive d'images individuelles. L'animation était utilisée dans les publicités et les courts métrages abstraits. Au Royaume-Uni, le réalisateur Len Lye, par exemple, expérimenta l'animation en peignant à la main directement sur le matériel cinématographique.

La Seconde Guerre mondiale eut pour effet de ralentir le développement de l'animation en Europe, mais plusieurs pays d'Europe de l'Est, comme la Hongrie, la Bulgarie et surtout la Pologne,  devinrent des locomotives dans les années 1950 et 1960. Le premier film d'animation polonais fut Janosik (1954), dont les auteurs Wlodimierz Haupe et Halina Bielinska allaient remporter le prix du meilleur court métrage au Festival de Cannes pour The Changing of the Guard (1959). Les animateurs polonais Jan Lenica et Walerian Borowczyk créèrent des courts métrages caractérisés par leur atmosphère pessimiste et surréaliste, comme House (1958). Dans la seconde moitié du XXe siècle, les plus grandes figures du cinéma d'animation polonais furent Miroslaw Kijowicz, Daniel Szczechura et Stefan Schabenbeck. Zbigniew Rybczynski remporta un oscar pour son court métrage Tango (1981), et le travail du réalisateur et animateur Piotr Dumała dans Freedom of the Leg (1989) et Crime et châtiment (2000) fut également important.

István Kiszly Kató est considéré comme le fondateur du film d'animation hongroise ; grâce à lui, des courts métrages d'animation furent produits en Hongrie depuis 1914. Le studio d'animation Pannonia fut fondé en Hongrie dans les années 1950 et acquit une reconnaissance internationale au cours de la décennie suivante. La série télévisée hongroise Gustavus fut vendue dans plus de soixante-dix pays dans la seconde moitié des années 1960. Un autre animateur hongrois important est Marcell Jankovics, qui eut du succès à Cannes avec son court métrage Fight (1977) et travailla sur The Tragedy of Man (2011) pendant plus de vingt ans. En Bulgarie, l'animation connut un essor depuis les années 1960 grâce au studio de Sofia, et dans les années qui suivirent, le pays produisit de nombreux films d'animation artistiques. Toutefois, le passage de projets d'auteur très marqués à des animations destinées à un public plus large n'eut pas lieu dans une plus large mesure en Hongrie et en Bulgarie avant le début du millénaire.

 

Le film d'animation en France

La France a toujours eu une position privilégiée au sein de l'animation européenne, dont l’histoire, l'une des plus longues, remonte à la fin du XIXe siècle - l'inventeur du praxinoscope, mentionné dans l'introduction, était le Français Charles-Émile Reynaud. Le premier long métrage d'animation français fut Le Roman de Renard en 1930, qui reçut une bande sonore allemande sept ans plus tard et une bande sonore française en 1941. Bien des années plus tard, en 1965, le réalisateur primé Jean-François Laguionie, créateur de Le Tableau (2011) et Le Voyage du prince (2019), réalisa son premier court métrage d'animation. En 1967, une série de films basée sur les célèbres bandes dessinées Astérix commença à être réalisée en France. Le premier volet, Astérix le Gaulois, fut réalisé à l'insu des auteurs de la bande dessinée, René Goscinny et Albert Uderzo, qui travaillèrent ensuite comme réalisateurs sur le film suivant de la série, Astérix et Cléopâtre (1968).

On peut également citer le film d'animation français de science-fiction La Planète Sauvage (1973), qui a été animé en Tchécoslovaquie et dont le créateur René Laloux a ensuite réalisé Les Maîtres du Temps (1982) et Gandahar, Les Années Lumières (1988). À la télévision, la série animée L'Inspecteur Gadget (depuis 1983) et la bande dessinée belge Les Aventures de Tintin (depuis 1990) furent populaires en France. Une percée majeure dans le domaine de l'animation cinématographique française fut Les Triplettes de Belleville (2003), nommé pour deux Oscars - meilleur film d'animation et meilleure chanson - et dont le réalisateur Sylvain Chomet a ensuite réalisé avec succès avec L'Illusionniste (2010). Parmi les autres films nommés aux Oscars, citons Persepolis (2007), Une vie de chat (2010) et J'ai perdu mon corps (2019), mais il convient également de mentionner l'immense succès du Petit Prince (2015), le film d'aventure Tout en haut du monde (2015) et la trilogie Arthur et les Minimoys de Luc Besson (depuis 2006).

 

Film d’animation britannique et succès de la pâte à modeler

Le premier long métrage d'animation britannique fut la satire La Ferme des animaux (1954), une fable critiquant le communisme et la dictature, qui entraîna l'introduction dans le pays d'un certain nombre de professions liées à l'animation cinématographique. La Folle escapade (1978) connut également un grand succès international. Cependant, ce n'est qu'avec Aardman Animations, qui utilisa l’animation image par image et eut recours à des figurines en pâte à modeler malléable, que la Grande-Bretagne marqua l'histoire du genre.

Le réalisateur Nick Park présenta la poupée modèle Wallace et son chien Gromit dans le court métrage Wallace & Gromit : Une grande excursion (1989), suivi de Wallace & Gromit : Un mauvais pantalon (1993), qui lui valut un oscar, permettant au studio de réunir suffisamment de fonds pour un long métrage. Ce dernier fut Chicken Run (2000), suivi de Wallace et Gromit : le Mystère du lapin-garou (2005), puis d'une paire de films Shaun the Sheep (2015's Shaun le mouton et 2019's Shaun le Mouton Le Film : La Ferme Contre-Attaque), et enfin de Mission : Noël (Les Aventures de la famille Noël) (2011), qui fut créé à l'aide d'une animation informatique tridimensionnelle standard.

 

La tradition du film d'animation de marionnettes en Tchécoslovaquie

Par rapport à la France ou à la Grande-Bretagne, le film d'animation tchécoslovaque a une longue histoire de travail principalement avec des marionnettes. Les premiers studios dédiés à la production de films d'animation furentd créés en Tchécoslovaquie en 1939, à Zlín, sous le nom de FAB - Filmové Ateliéry Baťa, et furent initialement construits pour tourner des publicités. Le premier court métrage d'animation tchécoslovaque Ferda the Ant (1944) était également un film de marionnettes réalisé par Hermína Týrlová, une employée des studios de Zlín. Sa deuxième expérience du cinéma est l'animation de Un Rêve de Noël (1945) de Bořivoj Zeman, film sur lequel elle collabora avec Karel Zeman, qui la rejoint en 1942 comme assistant, et qui deviendrait l'une des figures de proue de l'animation tchèque avec ses longs métrages Voyage dans la préhistoire (1955), Les Aventures fantastiques (1958), Le Baron de Crac (1961) et Le Dirigeable volé (1966), dans lesquels il associa des acteurs vivants à des éléments animés et à des marionnettes, ainsi que ses films purement animés comme L'Apprenti sorcier (1977) et Le Sortilège des trois lutins (1980).

En Tchécoslovaquie, l'animation était principalement utilisée dans les séries télévisées pour enfants. À partir des années 1950, un certain nombre de courtes séries animées ont été produites, regroupées à partir de 1965 dans le programme pour enfants Večerníček. La plus célèbre d'entre elles est probablement La Petite Taupe (de 1957), dans laquelle l'animateur Zdeněk Miler créa un personnage de taupe qui devint par la suite un symbole de l'animation tchèque. Parmi les autres histoires animées populaires, citons Fairy Tales from Moss and Fern (1968), Pat et Mat (1976) et Bob and Bobby - Top Hat Rabbits (1979).

Une autre personnalité importante du cinéma d'animation tchécoslovaque fut Jiří Trnka, un artiste polyvalent qui travaillait au Théâtre national en tant que décorateur et costumier, avant de commencer à concevoir des costumes pour les cinéastes. En 1945, il fonda le studio d'animation Bratři v triku et en 1947, il créa également un studio de films de marionnettes. Il était notamment célèbre pour ses films de marionnettes Prince Bayaya (1950), Les Vieilles légendes tchèques (1952) et Le Songe d'une nuit d'été (1959). Jan Švankmajer, qui utilisait des marionnettes, du maquillage et des éléments animés dans ses longs métrages au style surréaliste comme Alice (1988), Faust (1994), Les Conspirateurs du plaisir (1996) et Little Otik (2000), devint célèbre pour son animation image par image imaginative.

 

Développement du film d'animation dans d'autres pays européens

Dans d'autres pays européens, seuls quelques studios de films d'animation furent actifs depuis les années 1970 environ. Ils produisirent alors des séries animées pour la télévision et coopérèrent souvent avec des animateurs japonais - c'est ainsi que fut créée, par exemple, Maya l'abeille (1975). Des festivals de cinéma présentaient des courts métrages d'animation réalisés par des cinéastes indépendants, par exemple ceux de l'Union soviétique. Au fil du temps, de nombreux pays réussirent à s'imposer sur le marché de l'animation, même face à la concurrence internationale, grâce à des titres distinctifs et individuels tels que Valse avec Bachir (Israël et France, 2008), La Passion Van Gogh (Pologne, 2017) et Klaus (Espagne, 2019). Les films d'animation irlandais fantastiques Brendan et le secret de Kells (2009), Le Chant de la Mer (2014) et Le Peuple Loup (2020), inspirés de la mythologie irlandaise et celtique, connurent également un succès international.

La tradition du film d'animation de marionnettes tchécoslovaque fut perpétuée en République tchèque après le tournant du millénaire par, entre autres, un trio de courts métrages d'histoires basés sur le recueil de contes de fées Fimfarum de Jan Werich (depuis 2002) et le travail de l'animateur Jan Balej, auteur de One Night in the City (2007) et de Little from the Fish Shop (2015). Depuis lors, l'animation tchèque a tenté également de rivaliser avec l'animation 3D étrangère, notamment dans Histoire de chèvre : Légende du vieux Prague (2008), The Oddsockeaters (2016) et Harvie et le musée magique (2017). L'adaptation de la bande dessinée Alois Nebel (2011) occupa une position exceptionnelle au sein des films tchèques. Elle futéalisée à l'aide de la méthode de rotoscopie mentionnée précédemment, où l'ensemble du film fut d'abord tourné avec des acteurs en chair et en os, avant d’être redessiné manuellement image par image et finalement monté sur ordinateur. Il s'agit d'une méthode similaire à celle utilisée par Richard Linklater dans les films américains Waking Life : Prisonnier du rêve (2001) et A Scanner Darkly (2006).

 

Les animateurs japonais

Les animateurs japonais furent également extrêmement importants, car ils réussirent à établir leur propre style distinctif d'animation manuelle, connu sous le nom d'anime, qui, en raison du manque de méthodes, était produit en mettant l'accent sur les qualités artistiques de l'image et non sur son mouvement - par exemple, il était d'usage d'accorder beaucoup d'attention aux arrière-plans, qui, grâce à leur sophistication et à leurs détails, contribuaient à façonner l'atmosphère générale. Le premier anime de long métrage fut le film de guerre Momotaro, le divin soldat de la mer de 1945, parrainé par la marine impériale japonaise. Les anime furent diffusés à la télévision à partir du début des années 1960, et à peu près à la même époque, ils furent introduits sur les marchés étrangers. Certains d'entre eux ont été produits avec l'intention directe de se retrouver sur les écrans de télévision des États-Unis, comme Astro Boy (à partir de 1963), Mahou Tsukai Sally (à partir de 1966) et Speed Racer (à partir de 1967). Au Japon, en revanche, Sazae-san était déjà très populaire à l'époque, puisqu'elle fut diffusée sans interruption depuis 1969 et qu'avec plus de 7 500 épisodes, elle figure dans le Livre Guinness des records comme la série ayant la plus longue durée de vie de l'histoire (la production de nouveaux épisodes n'a été interrompue qu'en 2020 par la pandémie de coronavirus).

Au cours des années 1970, l'augmentation de la popularité des bandes dessinées « manga » au Japon a enrichi l'anime de caractéristiques et de genres typiques et l'a fait entrer dans l'art contemporain. Le sous-genre « Mecha », qui mettait en scène des robots géants, ou le « hentai », qui tournait autour de thèmes érotiques et pornographiques, étaient par exemple inhabituels pour le public étranger. Dans les années 1980, les anime devinrent populaires et connurent un énorme boom, soutenu par la création d'un très grand nombre de titres, et dans les années 1990, ils commencèrent à se développer largement sur les marchés étrangers avec des classiques comme Akira (1988), Ghost in the Shell (1995) et Perfect Blue (1998). Cependant, ceux qui devinrent une véritable légende parmi les cinéastes fut le Studio Ghibli et son chef de file Hayao Miyazaki, qui réalisèrent, entre autres, Nausicaä de la vallée du vent (1984), Mon voisin Totoro (1988), Porco Rosso (1992) et Princesse Mononoké (1997), ainsi que Le Voyage de Chihiro (2001), qui leur valurent un Oscar.

Parmi les autres cinéastes japonais de renom, citons Mamoru Hosoda, à l'origine de Summer Wars (2009) et Les Enfants Loups, Ame & Yuki (2012) ; Rintaró, créateur de Galaxy Express 999 (1979) ; Isao Takahata, qui réalisa Le Tombeau des lucioles (1988) et Pompoko (1994) ; Yoshiaki Kawajiri, avec Wicked City (1987), Ninja Scroll (1993) et Vampire Hunter D (2001) ; et Makoto Shinkai, dont Your Name (2016) devint le film d'animation le plus rentable de tous les temps, dépassant Le Voyage de Chihiro. Les séries animées populaires sur le long terme comprennent Dragon Ball (depuis 1986), One Piece (depuis 1999), Pokémon (depuis 1997), Naruto (depuis 2002), Fullmetal Alchemist (depuis 2003), Death Note (depuis 2006) et L'Attaque des Titans (depuis 2013).

Filmmaniak