Horreur - Genres

L'horreur avant l'invention du cinéma

L'horreur est un genre fictionnel classique qui vise à évoquer des sentiments de terreur et de crainte, voire à effrayer ou choquer les gens. Répondre aux spécificités du genre ne dépend pas tant du contenu de l'œuvre que de sa forme - n'importe quelle histoire peut être dépeinte comme de l'horreur si le narrateur le souhaite. En outre, l'horreur peut être combinée avec d'autres genres, comme le fantastique, le policier, la comédie, le thriller ou la science-fiction. En raison de leur nature, qui est d'évoquer des émotions négatives, les films d'horreur sont souvent considérés comme un genre inférieur, mais ils peuvent devenir des œuvres d'art à part entière s'ils répondent aux normes esthétiques élevées habituellement imposées aux autres genres.

Les thèmes de l'horreur perturbent souvent la réalité quotidienne par la présence de quelque chose de surnaturel qui hante et réveille la peur de l'inconnu. Les personnages typiques des films d'horreur sont donc les fantômes, les goules, les forces obscures mystérieuses, les démons, les êtres infernaux ou extraterrestres, les sorcières, les vampires, les loups-garous, divers monstres et les zombies. Parmi les éléments plus réalistes, on peut citer, par exemple, les animaux sauvages, les psychopathes et les tueurs en série, les catastrophes de toutes sortes, ainsi que le sang, la torture ou diverses formes de terreur.

Les légendes et les mythes anciens comportaient déjà des éléments effrayants et des situations angoissantes, par exemple dans le folklore chinois et japonais ancien, on trouve des histoires de démons et de vampires, qui sont devenues dans bien des cas le modèle archétypal de nombreux films d'horreur ultérieurs. L'horreur moderne a évolué à partir des romans gothiques anglais écrits à la fin du 18e siècle, et a été suivie plus tard par des auteurs tels que Bram Stoker (Dracula), Mary Shelley (Frankenstein), Robert Louis Stevenson (L'Étrange cas du Dr Jekyll et de M. Hyde) et Edgar Allan Poe (Le Puits et le pendule, Le Chat noir). Certains des plus sombres contes de fées des frères Grimm ou de Hans Christian Andersen peuvent également être effrayants. C'est pourquoi les films d'horreur se sont inspirés de la littérature à leurs débuts, et le font encore aujourd'hui dans certains cas.

Les premiers films d'horreur

On considère Le Manoir du Diable, réalisé en 1896 par le réalisateur français et pionnier des effets visuels Georges Méliès, comme étant le tout premier film d'horreur. L'antagoniste de ce film de trois minutes était le maître de l'enfer lui-même, qui apparaît au début sous la forme d'une chauve-souris, puis prend forme humaine et commence à hanter un couple de voyageurs avec sa magie jusqu'à ce qu'il soit chassé par un crucifix à la fin. Par la suite, les films de Méliès comportèrent également des accessoires tels que des squelettes, de mystérieuses forces surnaturelles et un homme luttant avec une araignée géante, autant d'éléments qui peuvent être considérés comme les premiers motifs d'horreur. Au début du XXe siècle, Georges Méliès a également réalisé plusieurs versions différentes de Faust, dont les plus célèbres sont Faust aux Enfers (1903) et sa suite Faust et Marguerite (1904), toutes deux inspirées d'opéras célèbres.

Le réalisateur américain George Albert Smith réalisa sa propre version du premier film d'horreur de Méliès en 1897, ainsi que plusieurs autres courts métrages utilisant des squelettes et des fantômes. À l'instar des deux cinéastes susmentionnés, le réalisateur hispano-français Segundo de Chomón, réputé pour ses illusions d'optique cinématographiques et ses tours de caméra, fut également célèbre pour ses courts métrages Satan s’amuse (1907), dans lequel on suit une série d'activités favorites du Diable, et La Maison ensorcelée (1908), l'un des premiers films à utiliser le motif de la maison hantée. Tous ces films représentent également l'avènement des films à effets, dans lesquels les phénomènes surnaturels et la magie sont créés par le maquillage, les costumes et, surtout, le montage. Ils étaient particulièrement populaires au début du siècle, et les techniques utilisées pour les réaliser devinrent les précurseurs des effets spéciaux.

Frankenstein reçut sa première adaptation cinématographique en 1910, suivie de deux versions de Dr. Jekyll and Mr. Hyde, l'une en 1912 et l'autre un an plus tard (la toute première adaptation de 1908 n’ayant pas été sauvegardée). En 1911, le film muet italien de plus d'une heure L'Enfer, une adaptation de la première partie de "La Divine Comédie" de Dante Alighieri, fit sensation au niveau international grâce à sa représentation fidèle, non seulement du personnage de Lucifer, mais aussi des neuf cercles de l'enfer. Entre 1915 et 1916, la France produisit une épopée en dix épisodes intitulée Les Vampires, qui racontait l'histoire d'une bande de criminels se faisant passer pour des vampires qui semaient la peur parmi la population et les policiers lancés à leurs trousses.

 

L'expressionnisme allemand

Après la fin de la Première Guerre mondiale, l'Allemagne connut un boom des films d'horreur qui utilisaient un type d'éclairage spécifique (principalement de face et de côté), travaillaient de manière imaginative avec les ombres et la caméra, et présentaient des décors déformés impressionnants, des effets de maquillage saisissants et des acteurs excessivement dramatiques. Cette vague, connue sous le nom d’« Expressionnisme », devint une source d'inspiration par la suite pour de nombreux cinéastes du monde entier et, surtout, son style unifié et unique enseigna la façon de créer efficacement une atmosphère d'horreur et de l'utiliser pour raconter une histoire.

Le Cabinet du Docteur Caligari (1920), réalisé par Robert Wiene, est considéré comme l'œuvre qui marque le début de l'Expressionnisme cinématographique, et après son énorme succès, le nombre de films expressionnistes augmenta considérablement. De par son thème d'horreur sur un étudiant hanté par son image miroir, le film allemand d'avant-guerre L'Étudiant de Prague (1913) fut à tort désigné comme un film expressionniste, son exécution visuelle ne correspondant pas aux concepts ultérieurs de l'expressionnisme. Pour cette raison il fut l’objet d’une nouvelle version en 1926.

L'apogée de ce mouvement fut toutefois Nosferatu le vampire (1922), une adaptation méconnue de Dracula, dont le réalisateur Friedrich Wilhelm Murnau n'ayant pas réussi à en obtenir les droits, situa l'histoire dans d’autres lieux et en renomma les personnages. Ce film sur Hutter, un employé de bureau se rendant dans les Carpates à la recherche du comte Orlok, qui s'avère être un vampire, est souvent classé parmi les films les plus importants de tous les temps sur le plan artistique. Parmi les autres grandes histoires d'horreur de l'expressionnisme allemand, citons Le Montreur d'ombres (1923) et l'anthologie Le Cabinet des figures de cire (1924), qui combinait d'autres genres que l'horreur.

 

Monstres classiques des Studios Universal

Certains des premiers films américains utilisaient également des thèmes d'horreur, mais le terme "horreur" ne s'est pas imposé comme description du genre avant les années 1930, lorsque Universal a rendu ce type de film célèbre. Cela commença dans les années 1920 avec des films inspirés de romans gothiques, dont le premier est Notre-Dame de Paris (1923) avec le bossu Quasimodo, suivi par Le Fantôme de l'Opéra (1925) avec le personnage d'Erik défiguré, et La Volonté du mort (1927), qui enrichit le thème du mystère avec des éléments grotesques. Ces films étaient déjà clairement influencés par l'expressionnisme allemand (certains cinéastes allemands ayant émigré aux États-Unis à cette époque) et leur succès fut également dû à l'émergence du son.

Toutefois, ce sont les films d'horreur réalisés dans les années 1930 par Universal qui devinrent des classiques bien connus ; succès commerciaux en leur temps (c'est pourquoi cette période est appelée l'âge d'or des films de monstres), ils sont toujours considérés comme des œuvres canoniques de l'horreur mondiale. Cette série légendaire débuta en 1931 avec les films Dracula et Frankenstein, le premier avec Bela Lugosi dans le rôle du vampire éponyme et le second avec Boris Karloff dans le rôle du monstre de Frankenstein. Les deux acteurs tinrent par la suite des rôles principaux dans d'autres films d'horreur du même studio.

La Momie, qui met en scène le corps momifié d'un pharaon égyptien qui se réveille, sortit en 1932, suivi un an plus tard par L'Homme invisible, au sujet d’un scientifique qui, ayant découvert un sérum d'invisibilité, se lance dans une carrière de criminel, et La Fiancée de Frankenstein en 1935, une suite de Frankenstein, dans laquelle le monstre solitaire se voit attribuer une compagne. Un mois seulement après la première de La Fiancée de Frankenstein, sortit sur les écrans Le Monstre de Londres, le premier grand film hollywoodien sur un loup-garou, dont le thème sera repris plus tard dans Le Loup-Garou, avec Lon Chaney Jr. en 1941. En 1936, Universal sortit une suite de Dracula, intitulée La Fille de Dracula, racontant l'histoire d'un vampire désireux de mener une vie normale. Sept ans plus tard, en 1943, la trilogie s'achèvait avec Le Fils de Dracula.

Au tournant des années 30 et 40, Universal profita principalement des innombrables suites de ses films d'horreur à succès, notamment Le Fils de Frankenstein (1939), Le Retour de l'homme invisible (1940), La Femme invisible (1940), Le Spectre de Frankenstein, ainsi que des nombreuses suites de La Momie et plusieurs croisements, comme Frankenstein rencontre le Loup-garou (1943). En outre, ce studio réalisa un certain nombre d'adaptations de films d'horreur basés sur les œuvres d'Edgar Allan Poe, ainsi que d'autres films d'horreur également populaires, notamment ceux dans lesquels Bela Lugosi et Boris Karloff jouaient ensemble. La liste des monstres classiques d'Universal fut close en 1954 avec L'Etrange créature du lac noir. Parmi les productions d'horreur d'autres studios à la même époque, il convient de citer Freaks, la monstrueuse parade (1932), dont la distribution était composée d'acteurs physiquement difformes, La Féline (1943), dans lequel le protagoniste était marqué par une malédiction héréditaire, et Le Récupérateur de cadavres (1945), dans lequel les cadavres, destinés à la dissection par des étudiants en médecine, provenaient en fait d’un cimetière.

 

Films d’horreur américains de l'après-guerre, monstres géants et troisième dimension

Au cours des années 1940, peu de films d'horreur furent réalisés en raison de la Seconde Guerre mondiale, des divertissements plus positifs et édifiants ayant pris le dessus. Mais les années 1950 virent l'émergence de nouveaux thèmes et de nouvelles sources de peur : la guerre froide et diverses autres menaces, typiquement, par exemple, les invasions extraterrestres ou les mutations chez les humains et les insectes causées par les radiations et les expériences scientifiques. L'essor de la technologie contribua à l’évolution du cinéma avec l'invention de la 3D, les cinémas fournissant aux spectateurs des lunettes spéciales jetables qui leur permettaient de voir le film projeté en trois dimensions. Un film qui en bénéficia fut L'Homme au masque de cire (1953), avec Vincent Price, qui devint une icône de l'horreur.

La troisième dimension illusoire fut également l'un des gadgets utilisés par les cinémas pour lutter contre la concurrence de la télévision. De nombreux films d'horreur proposaient également d'autres attractions notables - par exemple, Le Désosseur de cadavres (1959) de William Castle, racontait l'histoire d'un scientifique découvrant un parasite humain se nourrissant de la peur, terrifiant le public grâce à des sonneries électriques intégrées aux sièges de cinéma. William Castle était un expert en matière de gadgets et de stratégies de marketing ; par exemple, il offrait une assurance-vie aux spectateurs au cas où ils mourraient de peur pendant la projection d'un film ; ou alors, il engageait des femmes déguisées en infirmières pour promouvoir son film Macabre (1958) au cas où les spectateurs auraient besoin d'une assistance médicale ; alors que la projection de son film La Nuit de tous les mystères (1959) était accompagnée de fantômes et de squelettes suspendus à des fils et volant au-dessus des têtes des spectateurs. D'autres réalisateurs lui emboîtèrent le pas ; par exemple, Francis Ford Coppola décida de promouvoir son premier film d'horreur Dementia 13 (1963) à l'aide d'un questionnaire permettant aux spectateurs de vérifier s'ils étaient suffisamment en forme pour voir le film.

En outre, les années 1950 furent également marquées par la présence de monstres géants dans les films d'horreur, qui représentaient généralement les conséquences des activités destructrices de l'homme et de ses efforts pour jouer avec la nature, qu'il s'agisse d'extraterrestres, d'organismes anciens venus des profondeurs de la Terre ou d'animaux anormalement gros. Cette tendance débuta avec Le Monstre des temps perdus (1953), qui rendit célèbre l'animateur et artiste d'effets spéciaux, Ray Harryhausen, et ouvrit la voie à des films tels que À des millions de kilomètres de la Terre (1957), Béhémot, le monstre des mers (1959) et Gorgo (1961). Parmi les films dont les héros eurent à se défendre contre des animaux envahissants, il ne faut pas oublier Des monstres attaquent la ville (1954), un film d'horreur avec des fourmis géantes, Tarantula (1955), La Chose surgie des ténèbres (1957), un film qui mettait en scène l’invasion de mantes géantes, ou encore Le Scorpion noir (1957), un film d'horreur avec des scorpions géants. La catégorie des monstres géants comprenait déjà King Kong (1933) et ses nombreux remakes, ainsi que le Godzilla japonais (1954), thématisant la peur des radiations et des armes nucléaires, et donna lieu à la création d'un genre cinématographique propre au Japon, dit « kaiju », fait de monstres tels que Rodan, Mothra, Gamera et King Ghidorah.

 

Films d'horreur britanniques et les studios Hammer

Les monstres classiques des films des années 1930 ont survécu jusque dans les années 1950 grâce à Hammer, un studio britannique qui a créé ses propres versions des histoires de Frankenstein et de Dracula. Moins de films d'horreur ont été réalisés au Royaume-Uni qu'aux États-Unis, pourtant certains d'entre eux étaient tout à fait comparables aux films américains, comme Au coeur de la nuit (1945) et Rendez-vous avec la peur (1957). Cependant, ce n'est qu'avec Frankenstein s'est échappé (1957) et Le Cauchemar de Dracula (1958) produits par les studios Hammer, avec Christopher Lee et Peter Cushing, que l'horreur britannique connut un succès sans précédent avec des films qui se distinguaient de l'horreur américaine par leur plus grande quantité de violence sanguinolente. Christopher Lee devint ainsi une star acclamée, jouant dans de nombreux films de la Hammer.

Le Royaume-Uni produisit des films d'horreur tout au long des années 1960 (voir, par exemple, Le Village des damnés en 1960 et L'Invasion des morts-vivants en 1966). Au tournant des années 1960 et 1970, on assista à un boom des films d'horreur ayant pour thèmes le folklore, la sorcellerie et le surnaturel. Cette tendance, représentée par Le Grand Inquisiteur (1968) et La Nuit des maléfices (1971), culmina avec le succès de Le Dieu d'osier (1973), dans lequel un policier chrétien était victime d'un culte païen sur une île.

 

Le cinéma d'horreur psychologique américain des années 1960

Dans la première moitié des années 1960, les adaptations de La Chute de la maison Usher (1960), L'Empire de la terreur (1962) et Le Masque de la mort rouge (1964) d'Edgar Allan Poe furent populaires aux États-Unis, toutes avec l’acteur Vincent Price qui apparaissait également dans La Malédiction d'Arkham (1963) et Le Croque-mort s'en mêle (1964). William Castle poursuivit sa carrière dans l'horreur avec Mr. Sardonicus (1961) et Homicide (1961). Mais en 1960, Alfred Hitchcock révolutionna le cinéma avec Psychose en mettant l'accent, contrairement aux autres cinéastes d'horreur, sur la construction d'une tension psychologique épaisse affectant le subconscient et les peurs profondes des gens. La même année, le thriller d'horreur britannique Le Voyeur fut réalisé avec des intentions similaires, annonçant l'ère des films d’horreur sanglants avec son personnage-titre, un tueur voyeur obsédé par le fait de capturer la mort sur pellicule. Trois ans plus tard, Hitchcock répéta sa recette de l'horreur psychologique dans Les Oiseaux, en enrichissant le genre de l'horreur animale.

Roman Polanski entra dans le monde de l'horreur psychologique en 1965 avec son film Répulsion, conçu comme une étude de la désintégration mentale d'une jeune fille paranoïaque en proie à des hallucinations et des cauchemars. Mais l'apogée de sa période d'horreur fut Rosemary's Baby (1968), mettant en scène une femme enceinte qui soupçonne ses voisins d'être membres d'une secte satanique désireuse de donner naissance à l'Antéchrist. C'est ainsi qu'apparut une tendance de films ne fonctionnant pas avec une horreur visible, mais plutôt avec quelque chose de seulement perçu et insinué, qui était souvent encore plus efficace pour induire la peur que des monstres terrifiants ou une brutalité choquante. Dans le même temps, les réalisateurs de films d'horreur commencèrent à se concentrer davantage sur les qualités artistiques et esthétiques de leurs œuvres, ce qui donna essentiellement naissance à l'horreur moderne au début des années 1970.

 

Zombies et George A. Romero

Une autre étape importante dans l'histoire de l'horreur fut franchie par le réalisateur George A. Romero avec son premier film, La Nuit des morts-vivants (1968), dans lequel il présente pour la première fois les zombies comme des morts-vivants, ramenés à la vie par une sorte de contagion virale, qui attaquent les gens pour tenter de consommer leur cerveau et leur chair. Le terme de zombie, lié au culte du vaudou, ne représentait jusqu'alors qu'une personne asservie sous l'influence de stupéfiants, mais Romero popularisa les zombies en les présentant comme des cadavres pâles, déambulants et sifflants, qui symbolisaient les masses humaines, généralement sans esprit et sans réflexion, succombant, entre autres, au consumérisme. Romero développa ensuite cette thèse dans La Nuit des morts-vivants, Zombie (1978), qu'il poursuivit avec quatre autres films au cours des décennies suivantes.

Après le tournant du millénaire, les zombies furent représentés comme une menace beaucoup plus prédatrice, une armée rapide et grouillante de corps affamés dotés d'une intelligence résiduelle. 28 jours plus tard (2002) de Danny Boyle et L'Armée des morts (2004) de Zack Snyder furent révolutionnaires à cet égard. World War Z (2013) et Army of the Dead (2021), ainsi que la franchise Resident Evil (2002-2016), furent également de grands succès américains. Parmi les représentants non américains du genre zombie-horreur qui connurent un succès mondial, on peut citer l'espagnol REC (2007) ou le sud-coréen Dernier train pour Busan (2016). Les zombies deviendraient également les antagonistes de nombreuses comédies d'horreur, comme le britannique Shaun of the Dead (2004), l'américain Bienvenue à Zombieland (2009) ou le norvégien Dead Snow (2009).

 

Films d'horreur italiens et autres films européens

Jusque dans les années 1960, outre les films allemands et britanniques, certains films français (La Chute de la maison Usher de 1928, Les Yeux sans visage de 1960), finlandais (Le Renne blanc, 1952) et suédois (Häxan, la sorcellerie à travers les âges, 1922) jouèrent un rôle important dans l'histoire des films d'horreur européens. À partir des années 1960, cependant, l'Italie devint le pays le plus influent en Europe dans le domaine du film d'horreur. Ce fut notamment le cas grâce au réalisateur Mario Bava, qui se fit connaître à l'étranger avec son film Le Masque du démon (1960) et continua à construire sa carrière principalement avec des films d'horreur qui eurent souvent une influence majeure sur le développement futur du genre. Par exemple, La Fille qui en savait trop (1963) jeta les bases du genre cinématographique italien appelé « giallo » et La Baie sanglante (1971) influença de nombreux films d'horreur ultérieurs, inspirant par exemple le créateur de Vendredi 13 (1980).

Les films « giallo » se caractérisèrent par des meurtres sanglants explicites, des thèmes psychologiques tels que la folie et la paranoïa, le voyeurisme, des thèmes sexuels, une bande-son musicale forte, une composante visuelle très stylisée, une atmosphère surréaliste et des compositions picturales non conventionnelles, souvent axées sur des objets ou des parties du corps humain. Ces films avaient généralement des intrigues policières ou criminelles, mais nombre d'entre eux appartenaient également au genre du film d'horreur et firent connaître un certain nombre de cinéastes italiens, tels que Antonio Margheriti (Danse macabre, 1964), Riccardo Freda (Le Spectre du Dr. Hichcock, 1963) et surtout Dario Argento. Ce dernier débuta en 1970 avec L'Oiseau au plumage de cristal et poursuit sa carrière avec Les Frissons de l'angoisse (1975), Suspiria (1977), Inferno (1980), Ténèbres (1982) et Phenomena (1985), qui devinrent des films cultes et lui valurent d'être considéré comme l'une des figures les plus marquantes et influentes du cinéma d'horreur.

Après le succès du film d'horreur bon marché de Lucio Fulci, L'Enfer des zombies (1979), les producteurs italiens se sont concentrés sur les zombies et sur les films d'horreur trash pleins de perversion et de méchanceté, dont certains furent réalisés avec une fréquence très soutenue par Fulci lui-même (par exemple, La Maison près du cimetière, Le Chat Noir et L'Au-delà furent par exemple tous réalisés au cours de l’année 1981). Parmi les autres cinéastes ayant réalisé des films d'horreur en Italie, citons Lamberto Bava, fils de Mario Bava (Demons, 1985), Umberto Lenzi (La Maison du cauchemar, 1988) et Joe D'Amato (Anthropophagous, 1980 et Horrible, 1981). Des films d'horreur importants furent également réalisés à l'époque en Espagne (Le Bossu de la morgue, 1973, Angoisse, 1987), en France (Possession, 1981), en Suède (The Visitors, 1988) et en Pologne (Alchemik, 1988).

 

Films d'horreur modernes, terreurs et Stephen King

Le thème infernal utilisé en conjonction avec la maternité dans Rosemary's Baby fut repris par le réalisateur William Friedkin dans L'Exorciste (1973), film qui narrait l’histoire d’une mère, désespérée, obligée d'appeler un exorciste pour aider sa fille possédée par un démon, puis par Richard Donner avec La Malédiction (1976), l’histoire d’un couple marié découvrant que leur fils adoptif est l'Antéchrist. La montée en puissance de plusieurs tueurs en série dans la première moitié des années 1970 incita des cinéastes à réaliser des films violents et sanglants traitant de tueurs. Le réalisateur Wes Craven se lança dans cette voie en 1972 avec le thriller d'horreur La Dernière Maison sur la gauche, avant de réaliser, cinq ans plus tard, La Colline a des yeux (1977), devenant par la suite un réalisateur de films d'horreur acclamé. En 1974, sortit Black Christmas, un film d'horreur dans lequel un groupe d'étudiants est harcelé pendant les vacances de Noël par un psychopathe inconnu.

La prolifération de films mettant en scène divers tueurs conduisit à la création d'un sous-genre distinct de l'horreur, le « slasher » (que l’on peut traduire en français comme « film de terreur »), qui connut son apogée entre 1974 et 1988. Durant cette période, Tobe Hooper réalisa le brutal Massacre à la tronçonneuse (1974), qui traitait du sort des victimes d'une famille de tueurs et de cannibales dirigée par le terrifiant Leatherface ; le réalisateur John Carpenter dirigea Halloween : La Nuit des masques (1978), qui mettait en scène le tueur masqué Michael Maers, la franchise Vendredi 13 (à partir de 1980) donna au monde du cinéma : Jason Voorhees, masqué de hockey et maniant la machette ; Freddy - Chapitre 1: Les griffes de la nuit (1984) de Wes Craven captiva avec un Freddy Krueger défiguré qui assassinait ses victimes adolescentes dans leurs rêves, et Jeu d'enfant (1988) transforma l'âme d'un tueur mourant en poupée d'enfant. Tous ces films devinrent des classiques immortels et des représentants clés du panthéon de l'horreur, et firent l’objet de nombreuses suites et remakes.

En outre, les années 1970 virent les premières adaptations des romans de Stephen King, un écrivain devenu le roi de l'horreur littéraire, qui fut à l'origine de dizaines de films notables et à succès, dont beaucoup furent des films d'horreur. Le premier fut Carrie au bal du diable (1976) de Brian De Palma, suivi de Shining (1980) de Stanley Kubrick, dont les thèmes étaient l'isolement dans un hôtel de montagne enneigé, l'alcoolisme, la télépathie et la descente dans la folie la plus totale. En 1979, Stuart Rosenberg réalisa Amityville, la maison du diable, un film sur une maison maudite, qui fut suivi par Poltergeist de Tobe Hooper (1982), sur un thème similaire. Le thème des animaux tueurs fut relancé par Steven Spielberg avec Les Dents de la mer (1975), dont le succès devait donner naissance à un grand nombre d'autres films d'horreur sur les requins (mais aussi les crocodiles, les araignées, les rats et les serpents).

 

Éclaboussures et horreur corporelle

La popularité des « slasher » aux États-Unis dans les années 1980 fut alimentée par les interminables suites de Vendredi 13, Halloween - La Nuit des masques et Freddy - Chapitre 1: Les griffes de la nuit, ainsi que Meurtres à la St-Valentin (1981) et Massacre au camp d'été (1983) qui entrèrent dans la même catégorie. Il y avait aussi beaucoup de films d'horreur de série B et, grâce à l'essor des cassettes vidéo, de nombreux vieux classiques, des perles à moitié oubliées et des films d'horreur européens peu connus, notamment italiens, furent dépoussiérés. D'autres sous-genres spécifiques commencèrent à apparaître, comme le « splatter » (que l’on peut traduire en français par « éclaboussure »), qui désignait les films contenant des scènes sanguinolentes (dites « gore » en américain) et brutales, d’une violence explicite. Des films sanglants avaient déjà été réalisés dans les années 1950, mais ce n'est qu'avec Orgie sanglante (1963), qui racontait l'histoire d'un charcutier tuant des femmes et les découpant dans ses plats pour honorer des divinités égyptiennes, que le premier film « splatter » fut officiellement considéré comme tel.

Les films « splatters » furent très populaires dans les années 1970 (Œil pour œil, 1978), le film d'horreur sur le thème du cannibalisme rejoignant les rangs dans la décennie suivante grâce au succès du controversé Cannibal Holocaust (1980), qui passa pour un documentaire authentique, dont les réalisateurs auraient été dévorés par une tribu d'indigènes cannibales qu'ils étaient venus filmer en Amazonie. Avec le temps, la violence au cinéma atteignit un stade où elle pouvait être perçue comme un élément comique en raison de sa brutalité excessive, surtout lorsqu'elle était associée à des gags imaginatifs et inventifs. C'est ainsi que le réalisateur Peter Jackson conçut ses premiers films : Bad Taste (1987) et Braindead (1992), et que Sam Raimi, créateur de la trilogie Evil Dead de 1981, Evil Dead 2 de 1987 et Evil Dead 3 : L'armée des ténèbres de 1992, commença sa carrière à Hollywood. La voie de la brutalité comique fut également empruntée par les films ringards et obscurs du studio américain Troma, célèbre pour Atomic College (1986), Terror Firmer (1999) et Poultrygeist : Night of the Chicken Dead (2006), ainsi que pour la série de films en quatre parties The Toxic Avenger, avec des épisodes de 1984, 1989, 1989 et 2000.

Dans sa série de films originaux Frissons (1975), Rage (1977), Chromosome 3 (1979), Vidéodrome (1983) et La Mouche (1986), David Cronenberg s'attacha à développer le genre « horreur corporelle », dont la principale caractéristique était l'accent mis sur les mutations, les déformations et les maladies. Les années 1980 virent également le retour de l'horreur vampirique, alimentée par des titres tels que Vampire, vous avez dit vampire ? (1985), Génération perdue (1987) et Aux frontières de l'aube (1987). La popularité de Stephen King s'accrut avec d'autres adaptations de ses œuvres, notamment Cujo (1983), le film d'horreur folklorique Les Démons du maïs (1984) et Simetierre (1989), suivis dans les années 1990 par La Part des ténèbres (1993), La Presseuse diabolique (1995) et La Peau sur les os (1996). Le réalisateur Clive Barker, quant à lui, basa son film à succès Hellraiser : Le pacte (1987) sur le thème des démons infernaux, qui fit l’objet de nombreuses suites.

 

Films d’horreur et science-fiction et comédies d'horreur

L'extraordinaire succès du film d'horreur, novateur, Alien, le huitième passager (1979) de Ridley Scott marqua non seulement la naissance d'un nouveau monstre cinématographique emblématique, mais aussi une nouvelle vague de popularité pour le film d’horreur et science-fiction, qui fut suivi par La Chose (1982) de John Carpenter. Les films d'horreur et science-fiction étaient déjà réalisés en grand nombre dans les années 1950 (voir, par exemple, L'Homme qui rétrécit de 1957, L'Attaque de la femme de 50 pieds de 1958 et La Mouche noire de 1958, sujet du film de Cronenberg mentionné plus haut), mais dans les années 1980, ils connurent une nouvelle vie, avec non seulement une suite à Alien, le huitième passager, Aliens : Le Retour (1986), mais aussi Predator (1987), qui présentait un autre ennemi extraterrestre légendaire (et ces deux films furent suivis de plusieurs autres partageant ce même univers fictif).

De même, on peut dire que des films d'horreur comiques furent réalisés depuis des temps immémoriaux, mais ce n'est que dans les années 1980 que leur nombre commença à augmenter rapidement. Certains d'entre eux étaient des parodies de films d'horreur spécifiques, sinon du genre en tant que tel (par exemple Frankenstein Junior de Mel Brooks en 1974), tandis que d'autres mélangeaient simplement l'horreur à l'humour noir et aux gags loufoques. C'est ainsi que naquirent des films comme Gremlins (1984), S.O.S. Fantômes (1984), Re-Animator (1985), Critters (1986), Extra sangsues (1986), Tremors (1990) et la série Scream de Wes Craven (depuis 1996), qui se moquait des films de terreur. Au cours du nouveau millénaire, la popularité des comédies et parodies d'horreur fut suivie par une série de films intitulée Scary Movie (depuis 2000) et les subversifs Black Sheep (2006), Tucker & Dale fightent le mal (2010), La Cabane dans les bois (2012), Vampires en toute intimité (2014), Happy Birthdead (2017) et Wedding Nightmare (2019), dans lequel la protagoniste était victime des traditions familiales tordues de son fiancé.

 

Lassitude du film d’horreur à l’américaine dans les années 1990

Au tournant des années 80 et 90, l'horreur commença à décliner lentement pour deux raisons. La première fut le passage problématique de l'horreur à la télévision, le public de l'époque préférant des spectacles plus apaisants et comiques, sans parler de la censure des chaînes de télévision et du caractère généralement bon marché dont souffrirent de nombreuses productions d'horreur (voir l'adaptation en deux parties de Ça - Il est revenu, œuvre de Stephen King en 1990). La deuxième raison fut une certaine lassitude du genre en tant que tel qui, après les suites incessantes de films de terreur et de films sanguinolents, perdit lentement de son intérêt, pour être remplacé par la science-fiction qui, grâce aux nouvelles technologies, fut très demandée. Les exceptions furent Dracula (1992) de Francis Ford Coppola et le très réussi thriller, avec des éléments d'horreur, Le Silence des agneaux (1991) de Jonathan Demme, qui récolta cinq de ses sept nominations aux Oscars, dont celles du meilleur film et du meilleur réalisateur.

En outre, les années 1990 furent également marquées par plusieurs films dit de « méta-horreur » (à savoir exposant les conventions du genre), tels que Candyman (1992) et L'Antre de la folie (1995), et par des films qui tentèrent d'adopter une nouvelle approche de vieux thèmes, comme Entretien avec un vampire (1994), Wolf de Mike Nichols (1994), Blade de Stephen Norrington (1998), Sleepy Hollow, la légende du cavalier sans tête de Tim Burton (1999) et La Maison de l'horreur de William Malone (1999). De nombreux autres films bénéficièrent également d'un retour à des thèmes éprouvés, qu'il s'agisse de « slashers » (Souviens-toi... l'été dernier, 1997), d'horreur animale (Peur bleue, 1999) ou de cannibalisme (Vorace, 1999). Les films d'horreur commencèrent à utiliser des effets numériques (par exemple Anaconda, 1997 et Un cri dans l'océan, 1998), également appliqués à l'horreur de science-fiction, notamment La Mutante (1995), Cube (1997) et The Faculty (1998). Les films d'horreur les plus réussis de la seconde moitié des années 1990 furent toutefois le film de fantômes Sixième sens (1999), célèbre par sa fin surprise, et Le Projet Blair Witch (1999), devenu un phénomène de promotion sur Internet et qui connut un énorme succès malgré son maigre budget.

 

Films d'horreur japonais

Contrairement aux films d'horreur américains et européens, qui reposaient sur l'éradication absolue du mal, l'horreur japonaise cinématographique tendait à suggérer que même le mal vaincu continue à survivre parce qu'il fait partie intégrante du monde dans lequel nous vivons. Bien que de nombreux films d'horreur japonais contiennent des thèmes similaires à ceux de leurs concurrents occidentaux (notamment les fantômes et les démons, les motifs folkloriques et chamaniques et les scènes d'exorcisme), ils les abordent de manière très différente. Dès le départ, ils s’appuyèrent sur une lente montée de la tension et sur une base d'horreur psychologique et surnaturelle ; les films plus anciens traitant souvent des conséquences de la Seconde Guerre mondiale et de la violence sexuelle, et les films plus modernes traitant généralement d'objets maudits, de maisons hantées ou de liens familiaux dysfonctionnels. Les figures emblématiques du cinéma d'horreur japonais sont des personnages féminins aux longs cheveux noirs couvrant leur visage, des femmes tuant des hommes et maltraitant des enfants, et des fantômes vengeurs.

La guerre et les bombardements atomiques de 1945 laissèrent une empreinte importante dans le cinéma japonais avec la naissance de monstres géants et destructeurs, les « kaiju » (Godzilla en 1954), et de fantômes représentant de graves traumatismes historiques, comme dans Les Contes de la lune vague après la pluie en 1953, où des soldats tuaient et violaient des femmes qui devenaient ensuite des fantômes. Les personnages de femmes fantômes cherchant à se venger apparaîtraient plus tard dans des films similaires tels que Onibaba, les tueuses (1964) et Kuroneko (1968), alors que le film d'anthologie Kwaidan (1964) traitait également abondamment des fantômes. Du milieu des années 1960 à la fin des années 1980, les films dits « pinku », réalisés avec de petits budgets par de petits studios indépendants, furent populaires grâce à leurs thèmes érotiques et sexuels, souvent associés à l'horreur et à l'exploitation (Assault ! Jack the Ripper, 1976). En 1989, le thème de la maison hantée fut exploré dans Sweet Home, et le cyberpunk surréaliste Tetsuo fut un autre succès notable cette année-là, devenant finalement un succès culte.

Dans la seconde moitié des années 1990 et au tournant du millénaire, l'horreur japonaise moderne au cinéma eut du succès grâce à un retour au thème des fantômes, avec des films comme Ring (1998), Dark Water (2002) et The Grudge (2002), qui dépoussiérèrent également le motif de la relation mère-enfant. Les films d'horreur Kaïro (2001), Suicide club (V) (2002) et Exte : Hair Extensions (2007) connurent également un grand succès. La popularité internationale de nombre de ces films incita le marché américain à demander des remakes (Le Cercle a été remodelé en 2002, The Grudge en 2004 et Dark Water en 2005), ce qui détourna l'attention du public de leurs versions originales. De même, plusieurs films d'horreur américains s’inspirèrent d'autres pays asiatiques, comme la Thaïlande (Shutter, 2004) et Hong Kong (The Eye, 2002). Parmi les autres réalisateurs japonais de films d'horreur acclamés, citons Hideo Nakata, Sion Sono, Takashi Shimizu, Kaneto Shindo et Takashi Miike (Audition, 1999).

Après 2000, le Japon commença également à produire des films d'horreur extrêmement brutaux, caractérisés par la fétichisation d'éléments emblématiques de la culture japonaise et des scènes exceptionnellement « gores », délibérément comiques dans leur violence exagérée. Ils furent réalisés pour attirer un public étranger avide d'excentricités japonaises bizarres, et mettaient généralement l'accent sur des personnages subissant des mutations biologiques (Tokyo Gore Police en 2008 ou Mutant Girls Squad en 2010) ou se moquant des thèmes traditionnels japonais (RoboGeisha en 2009 ou Deddo sushi en 2012).

 

Films d'horreur du nouveau millénaire, remakes et found footage

Parmi les films d'horreur réalisés peu après 2000, les plus mémorables furent Destination finale (2000), qui racontait l'histoire d'un groupe d'étudiants qui évitent par hasard un accident tragique, mais la mort finit quand même par les retrouver, Les Autres (2001), un film d'horreur psychologiquement angoissant sur une mère dont les enfants sont allergiques à la lumière du jour, et 28 jours plus tard (2002), qui relança le genre de l'horreur zombie. Le réalisateur de films d'horreur Eli Roth fit ses débuts avec Cabin Fever (2002), et Rob Zombie avec La Maison des 1000 morts (2003), suivi de The Devil's Rejects (2005). La tradition de l'horreur vampirique fut revisitée par Van Helsing (2004) et 30 jours de nuit (2007), ainsi que par la série Underworld (depuis 2003), tandis que les héros de Constantine (2005), L'Exorcisme d'Emily Rose (2005) et Jusqu'en enfer (2009) eurent affaire à des démons. Le succès de la collection de films d'horreur, inspirée des jeux vidéo Resident Evil (depuis 2002) donna lieu aux adaptations Doom (2005) et Silent Hill (2006). En 2007, Chambre 1408 et The Mist furent réalisés à partir des œuvres de Stephen King.

Le succès de Le Projet Blair Witch entraîna un essor du "found footage" (en français, traduisible par « récupération d’images trouvées »), soit des films tournés à la manière des films familiaux avec des caméras portatives, que les créateurs tentent de faire passer pour des images authentiques. Cette forme spécifique, introduite pour la première fois dans Cannibal Holocaust, fut suivie par Chroniques des morts-vivants (2007) et Cloverfield (2008), le remake du film espagnol REC, nommé En quarantaine (2008), la série de films de fantômes Paranormal Activity (depuis 2007) et le film d'horreur canadien Grave Encounters (2011). En outre, au cours du nouveau millénaire, les producteurs se tournèrent vers les remakes de films d'horreur plus anciens, s'intéressant non seulement aux succès asiatiques mais aussi aux classiques américains, produisant de nouvelles versions, entre autres, de L'Armée des morts (2004), Massacre à la tronçonneuse (2003), La Maison de cire (2005), La Colline a des yeux (2006), 666 la malédiction (2006), Halloween (2007), Vendredi 13 (2009), La Dernière maison sur la gauche (2009), Freddy - Les griffes de la nuit (2010), Maniac (2012), Carrie, la vengeance (2013), Evil Dead (2013), Poltergeist (2015), Suspiria (2018), Child's Play : La poupée du mal (2019) et Simetierre (2019).

Parmi les films d'horreur non américains de cette période, ceux qui se distinguèrent furent les britanniques The Descent (2005) et Eden Lake (2008), les espagnols L’Échine du diable de Guillermo del Toro (2001) et L'Orphelinat de J.A. Bayona, le norvégien Cold Prey (2006) et le suédois Morse (2008), sur l'amitié entre un garçon et une fille vampire qui grandissent dans un lotissement. On peut également citer le film danois Antichrist de Lars von Trier (2009), le sud-coréen J'ai rencontré le Diable (2010), l'autrichien Goodnight Mommy (2014), le tchèque Ghoul (2015) et le français Grave (2016), qui évoquaient le sujet du cannibalisme.

 

Le film porno de torture et la vague extrême française

Entre 2003 et 2009, les films qualifiés de "torture porn" devinrent particulièrement tendance. Basés principalement sur une violence sanglante extrême de nature sadique, ils n'étaient généralement pas trop chers à produire et devenaient facilement de gros succès d'audience. La série américaine en plusieurs parties Saw, réalisée par James Wan (à partir de 2004), fut celle qui remporta le plus de succès à cet égard. Ses héros devaient affronter des pièges, des appareils de torture et des labyrinthes mortels construits par un psychopathe qui tentait de leur apprendre à apprécier la vie.

Les représentants les plus éminents de ce sous-genre furent toutefois les films dits de la Vague extrême française, tels que Haute tension (2003), Frontière(s) (2007), À l'intérieur (2007) et Martyrs (2008). Eli Roth obtint du succès avec ses deux films Hostel (2005) et Hostel II (2007), qui racontaient le destin des visiteurs d'une auberge d'Europe centrale dont le sous-sol servait de chambre de torture à une riche clientèle étrangère. D'autres films d'horreur qui eurent un impact significatif furent The Human Centipede (First Sequence) (2009), le film japonais Grotesque (2009) et le film serbe A Serbian Film (2010), qui se déroulait dans un milieu d'acteurs pornographiques marginalisés.

 

La renaissance du film d'horreur avec des fantômes

Après l'extraordinaire succès de Conjuring : Les dossiers Warren (2013) de James Wan, les films sur le thème des fantômes devinrent extrêmement populaires, ainsi que les films dont les protagonistes devaient faire face à divers types de démons et de malédictions anciennes. Le monde fictif de Conjuring : Les dossiers Warren et de ses suites Conjuring 2 : Le Cas Enfield (2016) et Conjuring 3 : sous l'emprise du diable (2021), construit autour des cas mystérieux sur lesquels enquêtent un couple d'enquêteurs paranormaux dans la vraie vie, furent suivis d'une série sur la poupée possédée par un démon Annabelle (depuis 2014), ainsi que de La Nonne (2018) et La Malédiction de la Dame blanche (2019). Parmi les autres films mettant en scène des démons figurent Sinister (2012), Mama (2013), Mister Babadook (2014) et Dans le noir (2016), ainsi que la série en plusieurs parties (« franchise » en anglais) Insidious (depuis 2010).

Parmi les films d'horreur d'autres types réalisés après 2010, on peut citer des exemples notables comme The Mirror (2013), sur un miroir maudit, It Follows (2014), dont les personnages se transmettaient une malédiction mortelle lors de rapports sexuels, The Jane Doe Identity (2016), qui reprenait le thème de la sorcellerie dans le cadre d'une salle d'autopsie, et la série American Nightmare (depuis 2013), qui se déroulait dans un monde où il était possible de commettre n'importe quelle activité illégale une nuit par an. Le film d'anthologie Ghost Stories (2017), le film de guerre Overlord (2018) et l'hypnotique Mandy (2018) furent également très impressionnants. Parallèlement, Universal tenta de faire revivre ses monstres classiques dans Wolfman (2010), Dracula Untold (2014), La Momie (2017) et Invisible Man (2020).

Stephen King's Doctor Sleep (2019), une suite de Shining, la nouvelle adaptation en deux parties d'Andy Muschietti de Ça de Stephen King (2017 et 2019), Get Out de Jordan Peele (2017), salué pour avoir combiné l'horreur avec les questions de racisme, et Sans un bruit de John Krasinski (2018), sur une famille qui se cache de monstres réagissant au bruit, contribuèrent, chacun à leur façon, avec succès à l'histoire du genre du film d'horreur. Les réalisateurs du cinéma d'horreur les plus remarquables de cette période comprennent Robert Eggers et ses films influencés par la fable historique The Witch (2015) et The Lighthouse (2019), et Ari Aster et ses films d'horreur progressistes Hérédité (2018) et Midsommar (2019).

 

Les séries télévisées d'horreur

Les films d'horreur commencèrent à apparaître à la télévision dans les années 1950, et c'est ce média qui offrit à de nombreux cinéastes leur toute première rencontre avec le genre. Parmi les émissions les plus populaires de l'époque, citons la série de nouvelles Alfred Hitchcock Présente (1955-1965), dans laquelle le célèbre réalisateur présentait aux téléspectateurs une variété de thrillers, de drames mystérieux, d'histoires criminelles et de films d'horreur, et La Quatrième dimension (1959-1964), dont les thèmes relevaient souvent du genre science-fiction. Au cours des décennies suivantes, les séries d'horreur La Famille Addams (1964-1966) et Dark Shadows (1966-1971), ainsi que de nombreuses séries de nouvelles et de films d'horreur télévisés, furent populaires.

Dans les années 1980, certaines des anciennes séries firent l’objet de nouvelles versions (voir les séries La Cinquième dimension et Alfred Hitchcock Présente diffusés de 1985 à 1989), et la série de nouvelles Les Contes de la crypte (1989-1996) fut également un succès. En ce qui concerne l'horreur à la télévision, la fin des années 1990 fut marquée par Buffy contre les vampires (1997-2003), qui s'adressait principalement à un public d'adolescents, et par la série multigenre L'Hôpital et ses fantômes (1994-1997) de Lars von Trier, visant, elle, un public plus mûr et plus averti. L'avènement du nouveau millénaire apporta des séries d'investigation paranormale comme Supernatural (depuis 2005) et Les Traqueurs de fantômes (2004-2016). Parmi les anthologies de l'horreur, American Horror Story (depuis 2011) se distingua, mais il y eut aussi des séries notables avec des récits continus, comme Vampire Diaries (2009-2017), The Walking Dead (depuis 2010), Hannibal (2013-2015), Penny Dreadful (2014-2016) et The Haunting of Hill House (2018).

Filmmaniak