Comédie musicale - Genres

 Histoire du film musical

« Musical » est un terme désignant un genre dramatique qui combine des dialogues avec des chants et éventuellement des danses, accompagnés de musique - les interprètes doivent non seulement être de bons acteurs et danseurs, mais aussi des chanteurs talentueux. Il fait généralement référence soit au théâtre musical, soit au film musical, ce dernier ayant vu le jour avec l’arrivée du son. Ses origines sont à chercher du côté des opéras, opérettes et spectacles de variétés, tandis que le film musical a, bien sûr, été créé dans le sillage du théâtre musical, dont il a parfois été une adaptation directe. Le terme même "musical" est basé sur le terme anglais "musical comedy", utilisé dans la première moitié du 20e siècle pour désigner des représentations théâtrales comiques, chantantes et souvent non chantantes. Le film musical est souvent lié à la comédie, mais tout autre genre fictionnel peut également être traité comme un film musical. Il trouve ses racines dans le Broadway Theatre Boulevard, aux États-Unis, berceau d'un certain nombre de théâtres musicaux qui comptent encore aujourd'hui parmi les plus célèbres et les plus populaires.

Le chant, dans les films musicaux, remplace généralement les dialogues et développe ainsi l'intrigue et le personnage, mais dans certains cas, les numéros de chant et de danse peuvent n'avoir qu'un rôle de remplissage. Les films musicaux se caractérisent par leur mélange de réalité et de fantaisie, c'est-à-dire le monde réel et un monde fictif, illusoire ou onirique. Ces univers ont permis aux scénographes, aux réalisateurs, aux chorégraphes et aux directeurs de la photographie, de donner libre cours à leur imagination et à leur créativité, faisant des films musicaux le genre audiovisuel le plus attrayant et créatif du cinéma commercial hollywoodien pendant plusieurs décennies. Chaque grand studio de cinéma américain a eu ses vedettes et compositeurs de films musicaux et a développé son propre style distinctif pour ce genre. La musique, dans les films musicaux, a également été influencée par l'alternance de différents genres au fil des décennies, le jazz et la musique classique dominant d'abord, puis le rock'n'roll et le rock, et enfin la pop.

Premiers films musicaux

Les premiers films sonores (par exemple, Don Juan en 1926) comportaient des pistes audio avec de la musique et des sons sporadiques joués séparément, parallèlement au film (et il y avait une tendance, au début, à accompagner le film avec un orchestre en direct). Le premier long métrage sonore qui comportait déjà une piste audio a été Le Chanteur de jazz (1927), mais il n'avait un son synchronisé de ce type que pour certaines parties et ne contenait que quelques lignes de dialogue. Cependant, il s'agissait du premier film de l'histoire où le public pouvait entendre les acteurs parler directement à l'écran, et il a été également le premier film musical, avec un total de six chansons. Le Fou chantant (1928), qui racontait les hauts et les bas d'un chanteur se faisant passer pour un Noir, a connu un grand succès qui a conduit les cinémas à installer des systèmes de sonorisation dans leurs auditoriums, et les cinéastes à engager des compositeurs de Broadway pour écrire des chansons spécifiquement destinées aux films.

Le premier film à ne plus contenir d'intertitres et être entièrement parlé a été le drame policier Lights of New York (1928), qui contenait un passage musical se déroulant dans une boîte de nuit. The Broadway Melody (1929), proposait, lui, aux spectateurs de danser aussi bien que de chanter, et il remporterait un Oscar lors de la deuxième cérémonie des Oscars de l'histoire, amenant tous les grands studios hollywoodiens à se tourner vers les films musicaux, marginalisant ainsi définitivement le film muet. En outre, le succès de The Broadway Melody, qui constituait la base d'un film musical dit "backstage", à savoir se déroulant dans les coulisses d'une production théâtrale à venir, a donné lieu à de nombreuses suites thématiques tournées entre 1935 et 1940. Certains films musicaux, en revanche, ont préféré de fait la stratégie consistant à omettre complètement le scénario, et à le remplacer par une série décousue de numéros musicaux (voir, par exemple, la Hollywood chante et danse de 1929).

 

La saturation du marché dans les années 1930

L'année 1929 a également vu la première du film musical Le Chant du désert et Gold Diggers of Broadway, le plus gros succès au box-office de l'époque. À cette époque, l'Amérique croulait littéralement sous les films musicaux, dont les plus connus de la fin des années 1920 et du début des années 1930 ont été : Sally (1929), Show Boat (1929), Bright Lights (1930), Sous le ciel du Texas (1930), King of Jazz (1930) et Kiss Me Again (1931). Rien qu’en 1930, Hollywood avait inondé le marché avec plus d'une centaine de films musicaux. L’année suivante, au contraire, sept fois moins de films musicaux étaient créés. En 1933, les films musicaux reviendraient rapidement à la mode, grâce à l'apparition de chorégraphies de danse élaborées. Les films musicaux populaires de cette année-là comprenaient Chercheuses d'or de 1933 et Footlight Parade, dont les numéros de danse créatifs chorégraphiés par Busby Berkeley dépassaient tout ce que l'on pouvait voir dans les théâtres à l'époque.

Au tournant des années 1920 et 1930, les immigrants d'Europe ont commencé à affluer aux États-Unis, et certains d'entre eux ont trouvé un point d'ancrage à Hollywood et ont partiellement traduit leur vision européenne en particulier dans des films musicaux, influencés par les opéras et les opérettes locaux. Pour eux, comme l'Amérique n'était pas un cadre assez élégant pour les films musicaux, ils les ont situés à Paris ou à Vienne - le réalisateur d'origine allemande Ernst Lubitsch a réalisé, par exemple, Parade d'amour (1929), Monte-Carlo (1930), Le Lieutenant souriant (1931), Une heure près de toi (1932) et La Veuve joyeuse (1934), dans lesquels il aimait faire jouer les stars du monde musical qu’étaient Maurice Chevalier et Jeanette MacDonald. Quant au réalisateur d'origine russe, Rouben Mamoulian, il a réalisé la comédie musicale Aimez-moi ce soir (1932) en Amérique. Toutefois, la forme des films musicaux américains de l'époque a été fortement influencée par le compositeur George Gershwin, le compositeur et parolier Cole Porter et l'auteur de comédies musicales de Broadway, Richard Rodgers.

 

Fred Astaire et Ginger Rogers

En 1933, le film musical Le Tourbillon de la danse sortait dans les salles de cinéma avec l'acteur, danseur, chanteur et chorégraphe Fred Astaire, qui formerait ensuite un duo avec l'actrice, chanteuse et danseuse Ginger Rogers, avec laquelle il jouerait dans le film musical Carioca la même année. Ensemble, ils ont joué dans huit autres films musicaux au cours des six années suivantes, faisant d'eux les stars hollywoodiennes des années 30. Fred Astaire s'était déjà produit à Broadway, et l'élégance de ses mouvements et son professionnalisme ont fait de lui le danseur de cinéma le plus recherché, et il réussirait une carrière d'acteur dans ses dernières années. Il en allait de même pour Ginger Rogers, qui terminerait sa carrière dans les films musicaux, aux côtés d'Astaire en 1939, avec La Grande Farandole, avant de se lancer dans une carrière solo d'actrice renommée (et remporter un Oscar en 1940).

De tous les films musicaux qu'ils ont interprétés ensemble, les plus remarquables sont Le Danseur du dessus (1935), qui faisait preuve d'une grande imagination chorégraphique et dans lequel les deux héros étaient amenés à se rencontrer, après que l’un d’eux ait troublé le sommeil de l’autre en exécutant un numéro de claquettes, et Sur les ailes de la danse (1936), qui racontait l'histoire d'un danseur de cabaret plein de remords, s'inscrivant aux cours d'une professeure de danse pour s'excuser. La plupart de ces fims musicaux étaient essentiellement de simples comédies dont l'intrigue se déroulait dans un cadre urbain et reposait sur toutes sortes d'erreurs et de malentendus. Dans La Joyeuse divorcée (1934), le protagoniste se retrouvait involontairement impliqué dans la tentative d'une femme tentant de convaincre son mari qu'un divorce était nécessaire ; dans L'Entreprenant M. Petrov (1937), le couple de danseurs devait se marier sous de faux prétextes pour empêcher la diffusion, par les médias, de fausses informations ; enfin, dans Amanda (1938), une série de petites mésaventures faisait que la fiancée du héros tombait amoureuse de son meilleur ami.

Fred Astaire jouerait plus tard dans un certain nombre d'autres films musicaux, mais avec des partenaires de danse différents. Par exemple, dans L'Amour vient en dansant (1941) et O toi ma charmante (1942), il jouait aux côtés de l'actrice et danseuse Rita Hayworth, qui a ensuite joué dans les films musicaux Mon amie Sally (1942) et La Reine de Broadway (1944), entre autres. La dernière collaboration d'Astaire avec Ginger Rogers était le film musical Entrons dans la danse (1949), dans laquelle les deux acteurs se retrouvaient dix ans après leur séparation. Dans ce film, Fred Astaire jouait le rôle d'un danseur professionnel, et Ginger Rogers, celui de sa femme qui souhaitait quitter la scène de la danse pour se consacrer à l'art dramatique - le film reflétait ainsi, essentiellement, la tension créative existant entre les deux acteurs, dans la vie réelle.

 

Judy Garland et Gene Kelly

En 1939, Le Magicien d'Oz est devenu un classique immortel parmi les films musicaux. La jeune actrice et chanteuse, Judy Garland, y incarnait le personnage de l'adolescente Dorothy, qui se retrouvait dans un royaume fantastique et qui, pour rentrer chez elle, partait en quête de la Cité d'Émeraude en compagnie du Lion, de l'Homme de Fer et de l'Épouvantail. Elle a signé un contrat d'acteur avec la MGM à l'âge de treize ans et a joué dans plus de deux douzaines de films de ce studio (souvent aux côtés de Mickey Rooney), dont beaucoup étaient des films musicaux. Elle avait déjà joué dans d'autres films musicaux, mais Le Magicien d'Oz a été son premier véritable succès. Son prochain grand succès serait Le Chant du Missouri (1944), réalisé par son futur mari Vincente Minnelli.

Judy Garland partageait l'affiche avec Fred Astaire dans Parade de printemps (1948) et avec d'autres célébrités dans les deux derniers films de la trilogie musicale Le Grand Ziegfeld (1936), soit : La Danseuse des Folies Ziegfeld (1941) et Ziegfeld Follies (1946), réalisés en l'honneur du directeur artistique de Broadway Florenz Ziegfeld. Ses autres films musicaux comprenaient la comédie Girl Crazy (1943) et le western Les Demoiselles Harvey (1946), dans lequel elle interprétait une jeune fille naïve qui allait en Arizona en réponse à une demande en mariage. En 1950, la MGM mettait fin à son contrat en raison de problèmes personnels, mais elle faisait un retour triomphal, après une interruption de plusieurs années, dans le rôle principal du film musical Une étoile est née (1954), un remake du drame du même nom de 1937, qui lui vaudrait une nomination aux Golden Globes et aux Oscars.

Les Ziegfeld Follies ont également mis en vedette l'acteur, danseur et chanteur Gene Kelly, qui, à part Mickey Rooney, a été le partenaire, au cinéma, le plus fréquent de Judy Garland, avec laquelle il est apparu, par exemple, dans le film musical d'aventure Le Pirate (1948) et dans La Jolie fermière (1950), où Judy jouait le rôle d'une fermière fiancée dans la grange de laquelle, à l'instigation de sa sœur amoureuse, une équipe dirigée par un réalisateur joué par Gene Kelly se préparait à tourner un nouveau film. Dans le film musical Un Américain à Paris (1951) de Vincent Minnelli, Kelly incarnait un peintre amoureux d'une jeune femme française fiancée à un chanteur de cabaret. Kelly était également un réalisateur influent et créatif qui a enrichi les séquences de danse des films musicaux en expérimentant le ralenti, les effets photographiques et l'animation. Pour son premier film de 1949, Un jour à New York, il faisait appel à Frank Sinatra, avec qui il partageait l'affiche du film musical Match d'amour la même année. Mais son plus grand succès serait, de loin, Chantons sous la pluie (1952), une satire romantique enjouée de Hollywood à l'époque de l'avènement du son, toujours considérée comme l'un des meilleurs films musicaux de tous les temps.

 

Les films musicaux soviétiques des années 30 et 40

Bien qu'ils aient été avant tout un outil de propagande, les films musicaux produits en Union soviétique étaient filmés de manière à pouvoir rivaliser avec les films musicaux américains, en termes de divertissement et de variété, et dès les années 1920, ils étaient plus populaires que les films sérieux produits dans le pays. Dans les années 30, le réalisateur Grigoriy Aleksandrov a réalisé plusieurs films musicaux, et son film Les Joyeux Garçons (1934), inspiré des modèles hollywoodiens, a été le tout premier film musical soviétique. Il a enchaîné avec The Circus (1936) et Volga-Volga (1938), qui a connu une énorme popularité à son époque (c'était même le film préféré de Staline !), même s'il ne répondait aux paramètres requis du réalisme socialiste qu'en termes d'esthétique, mais pas en termes de valeurs idéologiques.

Les auteurs des films musicaux soviétiques étaient contraints de construire leurs films autour d'intrigues banales, et mettre l'accent sur des thèmes qui célébraient le progrès industriel et la classe ouvrière. Généralement, les intrigues tournaient autour de l'histoire d'un individu pauvre qui, en travaillant dur, parvenait à une vie meilleure et plus riche. Par exemple, les films d'Ivan Pyrev, Tractor Drivers (1939), La Porchère et le Berger (1941) et Les Cosaques du Kouban (1949), traitaient de la vie de fermiers travailleurs. Dans les années 40, Grigoriy Aleksandrov réalisait les films musicaux Tanya (1940) et Le Printemps (1947), dans lesquels, comme dans la plupart de ses films précédents, il faisait appel à l'actrice Lyubov Orlova, la plus grande star du cinéma soviétique de l'époque. Ce qui est remarquable, c'est que de nombreux films musicaux soviétiques de l'époque du réalisme socialiste étaient fondées sur une atmosphère optimiste de gaieté et d'abondance, alors que les conditions réelles dans le pays étaient exactement le contraire.

 

Le boom des adaptations théâtrales américaines dans les années 1950

Des adaptations cinématographiques de productions musicales scéniques ont été tournées peu après la création du film musical en tant que tel, mais elles ne ressemblaient généralement que sporadiquement à leur modèle de scène et rencontraient rarement le même succès. Ce n'est que dans les années 1950 que des adaptations plus fidèles ont commencé à apparaître en grand nombre, avec des films tels que Tous en scène ! (1953), qui revenait au motif des coulisses de théâtre, et Blanches colombes et vilains messieurs (1955), avec Frank Sinatra et Marlon Brando dans le rôle de joueurs. Les films musicaux, adaptés des œuvres du compositeur Richard Rodgers et du parolier Oscar Hammerstein, étaient très populaires et connaissaient un grand succès, notamment Oklahoma ! (1955), qui racontait deux histoires d'amour se déroulant au début des années 1920 ; Le Roi et moi (1956), un film musical biographique récompensée par cinq Oscars, qui traitait du destin du monarque siamois Mongkut, interprété par Yul Brynner ; Carrousel (1956), qui abordait le thème de l'au-delà ; et la romance musicale de guerre South Pacific (1958), qui se déroulait pendant la guerre du Pacifique.

En revanche, les films musicaux originaux écrits spécifiquement pour le grand écran, ont connu un déclin significatif dans les années 1950, alors que l'industrie cinématographique commençait également à concurrencer la télévision. La catégorie des films musicaux non théâtraux comprenait, par exemple, Gigi (1958) de Vincente Minnelli, basé sur un roman, qui a reçu neuf Oscars ; le film musical Les Sept femmes de Barberousse (1954) était basée sur une nouvelle littéraire, et le film Calamity Jane (1953) était inspiré de l'héroïne du Far West du même nom. Noël blanc (1954) faisait un usage intensif des chansons du compositeur Irving Berlin, tandis que Drôle de frimousse (1957), avec Audrey Hepburn et Fred Astaire, était basé sur la musique et les paroles des frères Gershwin. Otto Preminger réalisait les comédies musicales Carmen Jones (1954) et Porgy and Bess (1959), avec Dorothy Dandridge dans le rôle principal, tandis que Howard Hawks faisait jouer Marilyn Monroe dans son film musical Les Hommes préfèrent les blondes (1953).

 

Les années 1960 et la fin de l'âge d'or du film musical

La période allant des années 1940 aux années 1960 a été généralement qualifiée d'âge d'or du film musical, mais les plus célèbres et les plus connus ont été, à quelques exceptions près, réalisés à la fin de cette époque. West Side Story (1961) de Robert Wise et Jerome Robbins, un film musical basé sur la tragédie de Shakespeare "Roméo et Juliette", se déroulant cependant dans la ville moderne de New York, a remplacé le conflit entre des familles rivales par un conflit entre des descendants américains d'immigrants et des gangs composés d'immigrants nouvellement arrivés. Le film musical My Fair Lady (1964), réalisée par George Cukor et qui remporterait huit Oscars, mettait en vedette Audrey Hepburn, dans le rôle d'une fleuriste au franc-parler devenant le sujet d'un pari, celui de savoir si une femme, de basse naissance, pouvait être formée suffisamment bien aux conventions en société pendant six mois, de façon à pouvoir paraître dans l'élite sociale. Le conte de fées musical produit par Walt Disney, mettant en vedette Julie Andrews dans le rôle de la nounou magique, Mary Poppins (1964), associait des acteurs vivants à une animation bidimensionnelle. Il a obtenu cinq nominations aux Oscars sur treize. Un an plus tard, cinq Oscars ont été attribués au film musical La Mélodie du bonheur (1965), réalisé par Robert Wise et filmé en Autriche et en Allemagne, avec également Julie Andrews, cette fois dans le rôle d'une novice qui, après avoir quitté son couvent, devenait gouvernante dans la famille d'un capitaine de navire veuf, interprété par Christopher Plummer.

Tous ces films ont remporté un grand succès, tant au niveau de la critique et des prix que de l'audience, ce qui a entraîné naturellement un nouvel essor des films musicaux. Après 1965, Julie Andrews a joué dans les films musicaux Millie (1967) et Star ! (1968) ; Francis Ford Coppola a réalisé La Vallée du bonheur (1968) avec Fred Astaire ; et William Wyler a fait jouer Barbra Streisand dans son film musical biographique Funny Girl (1968). Mais il y a aussi eu un grand nombre de films musicaux sans succès, qui ont commencé à montrer le désintérêt du public pour le genre. L'avènement du rock'n'roll a contribué au changement de goût du public dans les années 1960, notamment avec les films musicaux mettant en vedette Elvis Presley, qui, après son retour de l'armée en 1960, enchaînerait les films.

En revanche, le film musical arthurien Camelot (1967), le film familial L'Extravagant docteur Dolittle (1967), le nostalgique Goodbye, Mr. Chips (1969), le western La Kermesse de l'Ouest (1969), la comédie Melinda (1970) et l'aventure de L'Homme de la Manche (1972) ont connu de mauvais résultats, et le genre musical classique a commencé à passer au second plan après l'échec financier de Hello Dolly ! avec Barbra Streisand, nommé sept fois aux Oscars en 1969. Certains de ces films, cependant, seraient reconnus et recevraient une réponse plus chaleureuse du public bien des années plus tard.

 

Les films musicaux européens des années 1960 et 1970

Bien que le réalisateur et scénariste français Jacques Demy ait conçu son film de 1967, Les Demoiselles de Rochefort, comme un hommage aux films musicaux de la MGM (et il y a fait jouer Gene Kelly), et que plusieurs films musicaux à l'américaine aient été produites en Union soviétique, en général, la tradition musicale hollywoodienne a eu peu d'influence sur les films réalisés en dehors des États-Unis. D'autres films musicaux de Demy, comme Les Parapluies de Cherbourg (1964) et Peau d'âne (1970), étaient typiquement français, et même dans d'autres pays européens, le genre s'était davantage développé à partir des traditions nationales, et seulement à une échelle très limitée. Au Royaume-Uni, le genre ne s'était pas imposé avant les années 1960, lorsque les comédies des films musicaux Quatre garçons dans le vent (1964) et Au secours ! (1965), avec les Beatles, étaient devenus d'énormes succès nationaux et avaient été salués par la critique internationale. Ils ont été suivis, entre autres, de l'adaptation musicale oscarisée d'"Oliver Twist" réalisée par Carol Reed, intitulée Oliver ! (1968) et du film de gangsters, avec un enfant dans le rôle principal, Du rififi chez les mômes (1976), avant que dans les années suivantes, le Royaume-Uni ait rattrapé l'Amérique en termes de production de films musicaux.

The Csárdás Queen (1971), basé sur la célèbre opérette hongroise du même nom, a été coproduit par la Hongrie, l'Allemagne et l'Autriche, et un an plus tard, le film musical de guerre Psaume rouge (1972) a été tourné en Hongrie. En Italie, le film musical La Grosse Pagaille (1969) suivait le thème de la guerre, tandis que T'as le bonjour de Trinita (1967) était plutôt un western. La Tchécoslovaquie a produit les films musicaux classiques Green Gold (1964) et A Night at Karstein (1973), la parodie musicale des westerns Jo Limonade (1964) et le film de scène If a Thousand Clarinets (1964), mettant en scène des stars de la scène musicale tchécoslovaque de l'époque. L'Espagne avait une tradition de films musicaux remontant aux années 1930, souvent inspirés des opérettes espagnoles, ou zarzuelas. Des films comme Morena Clara (1936) et El Barbero de Sevilla (1938) n'étaient qu'à un pas des films musicaux et ont joui d'une popularité considérable en Espagne jusqu'à la fin des années 1970 (voir Écoute ma chanson, en 1959 ou Canción de Juventud, en 1962). Le réalisateur espagnol Carlos Saura réaliserait plusieurs films musicaux par la suite, telles que Noces de sang (1981) et Carmen (1983).

 

Le renouveau du film musical américain dans les années 1970

Le tournant des années 1960 et 1970 a clairement montré que la forme des films musicaux de l'âge d'or était dépassée et qu'il fallait quelque chose de nouveau. Les auteurs de nouveaux films musicaux se sont donc débarrassés de tout le clinquant et de la théâtralité et ont décidé soit d'aller dans des directions plus réalistes, soit de s'éloigner de la réalité et d'expérimenter des thèmes cinématographiques. Cette dernière voie a été empruntée, par exemple, par le film musical de rock extravagant The Rocky Horror Picture Show (1975), une parodie des vieux films de série B de science-fiction et d'horreur. Rempli d'idées excentriques et de références sophistiquées à la culture pop, le film, qui racontait l'histoire d'un jeune couple, récemment mariés, qui se perdent sur la route sous une pluie battante et se retrouvent à une réunion des habitants transsexuels de la galaxie Transylvanie, a fait un flop lors de sa première. Cependant, après avoir été inclus dans les projections de minuit, il est devenu un classique culte qui a gagné une forte base de fans au fil des ans, et il est toujours projeté dans des cinémas sélectionnés aux États-Unis, les spectateurs enrichissant leur vision en l’accompagnant d’une série de rituels.

Un autre film musical qui a fait sensation a été Jesus Christ Superstar (1973), conçu de la plume du compositeur Andrew Lloyd Webber, et narrant l'histoire de la crucifixion de Jésus-Christ comme un opéra rock. Il y a également eu plusieurs films musicaux fantastiques, comme Charlie et la chocolaterie (1971), qui racontait une excursion dans une fabrique de chocolat délirante, et L'Apprentie sorcière (1971), qui associait des acteurs vivants à une animation en deux dimensions, à la manière de Mary Poppins. 1776 (1972) était une tentative de faire un film musical à partir de l'histoire de la rédaction de la Déclaration d'indépendance des États-Unis d'Amérique ; Phantom of the Paradise (1974), réalisé par Brian De Palma, combinait un film musical et une comédie d'horreur dans l'histoire d'un compositeur qui donnait son âme au diable ; tandis que The Wiz (1978), avec Michael Jackson et Diana Ross, situait Le Magicien d'Oz à Harlem, New York. Des films tels que Un violon sur le toit (1971), qui traitait du destin d'un laitier juif tentant de marier ses filles, et Cabaret (1972) de Bob Fosse, récompensé par huit Oscars, qui racontait les amours de plusieurs personnages sur fond de fascisme naissant, dans le Berlin des années 30, sont devenus de rares îlots de formalisme et de sérieux, dans le genre du film musical traditionnel, s'appuyant sur le meilleur des décennies précédentes.

Grease (1978), avec John Travolta et Olivia Newton-John, a été un énorme succès, rappelant avec nostalgie les années 1950 et comportant des chansons qui ont connu une popularité durable. Il était également populaire de réaliser des films sur les stars de l'industrie musicale avec des intrigues réalistes entrecoupées de numéros musicaux. Parmi ces films, citons Lady Sings the Blues (1972), sur la chanteuse de jazz Billie Holiday, la suite de Funny Lady (1975), le film musical semi-autobiographique de Bob Fosse, Que le spectacle commence ! (1979), et New York, New York (1977) de Martin Scorsese, qui se déroulait dans l'après-guerre et racontait l'histoire d'amour compliquée entre un saxophoniste de jazz et une chanteuse pop, interprétés par Robert De Niro et Liza Minnelli. En revanche, Hair, réalisé par Miloš Forman (1979), reflétait les thèmes politiques de la guerre du Vietnam et du mouvement hippie.

 

La fin du millénaire et le déclin des films musicaux

Dans les années 1980, la création de nombreux films musicaux au cinéma a été favorablement influencée par la popularité des comédies musicales de Broadway et du West End londonien, mais autrement, le genre a stagné et s'est éteint progressivement jusqu'à la fin du millénaire. John Landis a réalisé Blues Brothers (1980), qui associait un film musical sur deux anciens criminels, à des poursuites en voiture pleines d'action ; Blake Edwards a écrit Victor Victoria (1982) pour sa femme de l'époque et ancienne vedette de comédie musicale Julie Andrews ; et Alan Parker a construit de manière innovante l'intrigue de Pink Floyd’s The Wall (1982) autour des chansons du groupe de rock Pink Floyd. La Petite Boutique des horreurs (1986) de Frank Oz, un film musical plein d'imagination et d'humour noir sur une plante carnivore, basé sur le film musical éponyme de 1960, et inspiré d'une comédie d'horreur, a été remarqué pour sa fin alternative spectaculaire et reste un succès culte à ce jour. Le film musical britannique Monty Python, le sens de la vie a été perçu de la même manière, comme une suite de sketches absurdes et de chansons inventives du célèbre groupe comique Monty Python. D'autres films musicaux méritent d'être mentionnés : Footloose (1984) et Chorus Line (1985).

La fin des années 1980 et l'ensemble des années 1990 n'ont pas été une période particulièrement fructueuse en termes de fillms musicaux, mais il y a eu quelques exceptions. Au tournant de ces décennies, plusieurs films musicaux animés de Disney (voir ci-dessous) et d'autres studios, telles que Le Cygne et la princesse (1994), Anastasia (1997) et Le Prince d'Egypte (1998), ont rencontré un grand succès. Le succès des films musicaux animées ne s'est pas arrêté là, et l'on peut citer le film d’animation image par image, largement acclamé : L'Etrange Noël de M. Jack (1993), réalisé par Henry Selick et coécrit par Tim Burton, ainsi que le film satirique controversé South Park, le film (1999), qui faisait suite à la série animée des créateurs du film musical, en prises de vue réelles, déjanté Cannibal : The Musical ! (1993). Parmi les films musicaux en prises de vue réelles des années 1990, l'adaptation d'Evita (1996) d'Andrew Lloyd Webber, avec Madonna dans le rôle de l'épouse du président argentin Juan Perón, réalisée par Alan Parker, et Tout le monde dit I Love You (1996) de Woody Allen, ont clairement surpassé le reste de la concurrence.

 

L'âge d'or des films musicaux Disney

La fin des années 80 et le début des années 90 ont vu le succès retentissant de plusieurs films musicaux animés de Disney, qui connaissait alors une renaissance et un retour au sommet après une longue série d'échecs et de déceptions. Disney a réalisé des films musicaux animés depuis les années 1940, avec la sortie de Dumbo (1941) et Mélodie Cocktail (1948), entre autres. Depuis lors, ils ont produit non seulement de nombreux autres films musicaux animés (par exemple, La Belle et le Clochard en 1955 et Le Livre de la jungle en 1967), mais aussi des films musicaux en prises de vue réelles (Les Enfants du capitaine Grant, 1962), ou même des films musicaux combinant prises de vue réelles et animation (Mélodie du Sud, en 1946, Peter et Elliot le dragon, en 1977 et Mary Poppins, déjà mentionnée). En 1989, La Petite Sirène est devenue un grand succès, suivi de La Belle et la Bête (1991, premier film d'animation nommé aux Oscars dans la catégorie Meilleur film), d'Aladdin (1992) et du Le Roi Lion (1994), qui ont battus tous des records successifs au box-office.

La clé, à cet égard, a été la coopération de Disney avec le compositeur Alan Menken, qui a été également à l'origine de La Petite Boutique des horreurs, et qui a d'abord été chargé de La Petite Sirène, puis des autres films susmentionnés. Depuis, Menken a collaboré avec divers auteurs sur de nombreux autres films d'animation musicaux de Disney, notamment Pocahontas, une légende indienne (1995), Le Bossu de Notre-Dame (1996), Hercule (1997) et Raiponce (2010). Parmi les autres films d'animation musicaux, citons Mulan (1998), La Princesse et la grenouille (2009), La Reine des neiges (2013) et Vaiana, la légende du bout du monde (2016). Parmi les films musicaux, en prises de vue réelles, plus récents produits par Disney, qui méritent d'être mentionnés, citons la série High School Musical (2006-2008), Les Muppets, le retour (2011), Into the Woods, Promenons-nous dans les bois (2014), les remakes en prises de vue réelles de La Belle et la Bête (2017) et d'Aladdin (2019), ainsi que Il était une fois (2007) et Le Retour de Mary Poppins (2018), qui combinaient prises de vue réelles et animation.

 

Les films musicaux de Bollywood à travers les âges

Le cinéma indien a évolué sur son propre axe depuis ses débuts. L'industrie cinématographique, basée à Mumbai, connue sous le nom de Bollywood, a longtemps été plus productive que tout autre système de studios dans le monde en termes de nombre de films réalisés chaque année, dont le genre majoritaire a toujours été le film musical. Les premiers films musicaux indiens s'inspiraient des traditions du théâtre indien et du format des premiers films sonores américains. Le premier long métrage sonore indien a été The Light of the World (1931), inspiré du recueil de contes de fées "Mille et une nuits". Certains des films musicaux les plus célèbres ont été réalisés au cours de la période allant des années 1940 aux années 1960, connue comme l'âge d'or du cinéma indien. Des films tels que Woman (1940) et son remake Mother India (1957), nommé aux Oscars, Awaara, le vagabond (1951), Mr. Fraud (1955) et L´Assoiffé (1957) ont compté parmi les œuvres les plus acclamées de l'époque.

Jusqu'aux années 1970, le cinéma musical indien était dominé par les films romantiques maniéristes et les histoires sur la vie de la classe ouvrière, mais après cela, Bollywood a développé le film dit « masala », qui combinait différents genres et a défini la direction que le cinéma a prise en Inde depuis lors. Amar Akbar Anthony (1977) a été une percée dans cette veine, racontant l'histoire de trois frères séparés lorsqu'ils étaient enfants et qui ne se sont retrouvés que de nombreuses années plus tard, en tant qu'adeptes de trois religions différentes. Zanjeer (1973) associait un film musical à une intrigue criminelle se déroulant dans le milieu de la pègre indienne, tandis que Sholay (1975) était inspiré des films américains se déroulant dans le Far West. Laawaris (1981) a été un autre film musical qui travaillait avec une pléthore de genres, racontant l'histoire d'un homme qui tentait de découvrir l'identité de ses parents l’ayant renié lorsqu'il était enfant.

La seconde moitié des années 1980 a marqué un déclin de la production de films musicaux et de productions musicales en Inde, en raison de la lassitude du public pour les films d'action violents. Ce déclin n'a été comblé qu'avec Qayamat Se Qayamat Tak (1988), qui a ramené le thème romantique de l'amour entre deux jeunes gens. La phase suivante de développement du cinéma indien dans les années 1990, appelée "New Bollywood", a ainsi revisité le motif de la romance avec des films tels que Moonlight (1989), Raja Hindustani (1996) et The Heart Is Crazy (1997). Après le tournant du millénaire, le film musical Lagaan (2001), une histoire nommée aux Oscars combinant l'histoire nationale avec des thèmes romantiques et sportifs, est devenue un succès international. D'autres films musicaux indiens ont connu le succès dans les années suivantes, notamment A Match Made by God (2008) et This Youth Is Crazy (2013).

 

Le redémarrage des films musicaux américains après 2000

Moulin Rouge ! (2001), de Baz Luhrmann, a réussi à relancer l'intérêt du public pour les films musicaux. Inspiré de plusieurs opéras et présentant des extraits de chansons célèbres des décennies passées interprétés par Nicole Kidman et Ewan McGregor, ce drame romantique postmoderne et stylisé a été nommé pour huit Oscars, a reçu des critiques élogieuses et est devenu l'un des films musicaux les plus célèbres de l'histoire, grâce à sa remarquable diversité audiovisuelle et à sa production exquise. Son succès a été suivi par Chicago (2002) de Rob Marshall, qui a remporté six Oscars sur treize nominations et qui mettait en vedette Renée Zellweger, Catherine Zeta-Jones et Richard Gere dans l'histoire de deux chanteurs de cabaret meurtriers, transformés en stars des médias par leur avocat.

Basé sur la célèbre comédie musicale d'Andrew Lloyd Webber, le réalisateur Joel Schumacher a réalisé Le Fantôme de l'opéra en 2004, racontant l'histoire classique d'un génie musical défiguré qui habitait les catacombes d'un théâtre. L'année 2007 a vu la première d’un film musical de comédie hilarant Hairspray, mise en scène par Adam Shankman, et du sombre et lugubre Sweeney Todd, le diabolique barbier de Fleet Street, réalisé par Tim Burton. Malheureusement, avec Nine, (2009), Rob Marshall n'a pas réussi à donner suite au succès de Chicago, malgré quatre nominations aux Oscars, tandis que l'adaptation du film musical français, Les Misérables (2012,) de Tom Hooper, très applaudie et nommée aux Oscars, a remporté trois statuettes dorées.

Six, des treize nominations aux Oscars, sont allées au film musical romantique à succès, La La Land (2016), qui racontait l'histoire d'un couple amoureux, interprété par Emma Stone et Ryan Gosling, confronté à des rêves ambitieux et à de dures réalités, et que son réalisateur, Damien Chazelle, a conçue comme un hommage aux films musicaux de l'époque classique hollywoodienne. The Greatest Showman (2017), un film musical, avec Hugh Jackman, dans le rôle d'un personnage inspiré d'un directeur de cirque ayant existé, a également été un succès auprès du public. En revanche, Cats (2019), basé sur la comédie musicale sur scène d'Andrew Lloyd Webber, a été un énorme flop et n'a reçu que des moqueries et des ricanements.

 

L'essor du film musical biographique

En plus d'un certain nombre d'autres films musicaux, plusieurs films ont été réalisés, après 2000, à partir de chansons de groupes célèbres. Across the Universe (2007), par exemple, tournait autour des tubes des Beatles, Mamma Mia ! (2008) était composé de chansons d'ABBA, et Sunshine on Leith (2013) a largement utilisé les chansons du duo écossais The Proclaimers. Mais, il y a eu beaucoup plus de films musicaux biographiques traitant du destin de chanteurs célèbres : 8 Mile (2002), par exemple, était basé sur l'histoire de la vie du rappeur Eminem, Ray (2004) s'est concentré sur la carrière de Ray Charles et Walk the Line (2005) a raconté l'histoire de Johnny Cash.

Le film musical Dreamgirls (2006) s'est inspiré de l'histoire des Supremes, tandis que la carrière d'un célèbre chansonnier français a été récapitulée dans La Môme (2007). Notorious B.I.G. (2009) traitait de l'ascension et de la mort tragique du rappeur Christopher Wallace alias Biggie Smalls, le drame Jersey Boys (2014) évoquait les membres du groupe The Four Seasons, et Get on Up (2014) narrait l’histoire du chanteur devenu célèbre, grâce à la chanson : "I Feel Good". Le drame musical Straight Outta Compton (2015) explorait l'histoire du groupe de rap N.W.A, alors que l'énorme succès Bohemian Rhapsody (2018) se concentrait sur l'époque où Freddie Mercury faisait partie de Queen, et le biopic Rocketman (2019) racontait l'histoire d'Elton John.

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