Drame - Genres

Origine et caractéristiques du drame

Le drame est l'un des trois types fondamentaux d'œuvres littéraires, avec les œuvres lyrique et épique. Il s'est développé dans la Grèce antique à partir des célébrations en l'honneur du dieu Dionysos, notamment sous la forme de spectacles traditionnels composés principalement de danse, de chant choral et de représentations de diverses scènes de vie. Le perfectionnement continu de ces représentations conduisit à l'émergence d'un théâtre institutionnalisé basé sur des textes dramatiques de divers auteurs tels que Sophocle et Euripide. Le maintien de l'unité de lieu, de temps et d'espace était essentiel pour ces pièces antiques, et les acteurs utilisaient couramment des masques, des costumes et des accessoires. Le premier genre dramatique fut la tragédie, inspirée de l'histoire et de la mythologie antiques, avec des histoires graves et fatidiques qui se terminaient souvent de façon tragique. Peu de temps après, la comédie apparut comme une deuxième forme dramatique, qui était, au contraire, drôle et exubérante et offrait au public des fins heureuses. La tradition théâtrale se développa ensuite tant à l'époque de la Rome antique qu'au Moyen Âge. Les premiers théâtres couverts furent construits pendant la Renaissance et William Shakespeare devint le dramaturge le plus important avec des œuvres qui influencèrent profondément la forme des tragédies et des comédies.

Au XIXe siècle, la structure du drame fut définie par cinq piliers : l'"exposition" (qui sert à présenter les personnages et l'intrigue), suivie de l’« action montante » (dite aussi « clash") (qui introduit un élément de conflit dans l'intrigue), de la "crise" (où le drame atteint son point culminant) et de la "peripeteia" (qui propose une solution à la situation initiale), le tout culminant dans la "catastrophe" (le dénouement et la catharsis finale). Le drame devint un genre à part entière lorsque le terme commença à être utilisé pour décrire des pièces qui n'étaient ni des comédies ni des tragédies, et il fut ensuite utilisé sous une forme similaire pour classer les œuvres cinématographiques. Au cinéma, le drame est donc un genre fictionnel qui peut être utilisé pour décrire tout film dont l'histoire est racontée sur un ton essentiellement sérieux. À cet égard, le drame s'oppose à la comédie, où l'histoire est racontée sur un ton principalement humoristique. Les drames mettent en scène des personnages réalistes qui vivent des situations dans lesquelles ils se trouvent en conflit soit avec eux-mêmes, soit avec d'autres personnages, soit avec les influences résultant de l’environnemental qui accompagne la situation. Outre le théâtre, la littérature et le cinéma, le drame est également un genre couramment associé aux séries télévisées et aux pièces radiophoniques.

Les différentes formes de théâtre

Étant donné que le théâtre est à l'origine de la dramaturgie et qu'il s'agit généralement de la narration scénique d'une histoire par le biais de dialogues, de monologues et de jeux d'acteurs, la dramaturgie cinématographique peut être considérée, dans un sens plus large, comme tout film dans lequel les acteurs interprètent une histoire fictive sérieuse et peut donc être considérée comme le genre le plus large, englobant tous les sous-genres basés sur la combinaison de la dramaturgie avec d'autres types de genres. Selon le type de leur intrigue, on peut distinguer, entre autres, les drames de guerre, les drames historiques, les drames biographiques, les drames catastrophiques, les drames policiers et les drames romantiques, qui font partie des genres ayant leurs articles dédiés dans cette section. Mais, selon la nature du film, on peut aussi parler de drames psychologiques, sociaux, politiques ou même de drames de passage à l’âge adulte, et ceci permet aussi d'identifier, par exemple, les drames sportifs, judiciaires, juridiques ou familiaux. Certains drames sont créés pour émouvoir le public, d'autres pour le faire se sentir tendu, mais leur objectif commun est avant tout de susciter un sentiment de sympathie envers les personnages et leurs actions.

De nombreux drames traitent de phénomènes et de maux sociaux fondamentaux, tels que l'inégalité et l'injustice, les préjugés raciaux, religieux ou sexistes, la pauvreté, l'alcoolisme, la toxicomanie, la santé mentale, la violence contre certains groupes, la corruption, les troubles politiques, la méchanceté des puissants, etc. Les drames psychologiques s'attachent à dépeindre la psychologie des personnages, tandis que les drames sociaux traitent des conditions de vie des classes populaires. Dans les drames sur le passage à l'âge adulte, les adolescents se retrouvent au seuil de l'âge adulte, commencent à perdre leurs illusions d'enfance et découvrent leurs premiers amours sérieux et, finalement, leur sexualité ; les drames sportifs, quant à eux, travaillent souvent avec la figure d'un athlète ou d'une équipe entière qui se hisse progressivement du bas de l'échelle jusqu'à devenir des champions. Dans les drames familiaux, les protagonistes sont les membres d'une même famille ; dans les drames judiciaires, ce sont les avocats et leurs clients. Les mélodrames mettent l'accent sur l'intensité des émotions et la sentimentalité, et leurs protagonistes sont souvent des femmes vertueuses et pleines d'abnégation qui traversent une épreuve ou une crise, une maladie, une perte ou un amour non partagé, ou qui sont victimes d'un adultère, d'une histoire d'amour ou d'un complot qui se trame dans leur dos. Certains drames peuvent également comporter des éléments fantastiques ou de science-fiction, tout comme les drames comiques enrichissent une intrigue sérieuse d'éléments humoristiques.

 

Le drame dans les débuts du cinéma

Les genres cinématographiques commencèrent à prendre forme de nombreuses années après la naissance du support cinématographique. À l'origine, les films étaient d'une durée limitée, leurs auteurs expérimentaient la forme et différents sujets, et leur travail démontrait les différences entre le documentaire et la fiction. Par exemple, le film britannique de cinq minutes Fire! (1901) fut considéré comme un des premiers films dramatiques ; il montrait des membres d'une brigade de pompiers en train d'éteindre un incendie dans un immeuble et de secourir ses occupants, tandis que sa variante américaine, La Vie d'un pompier américain (1903), combinait des séquences de fiction avec des séquences documentaires. Le premier réalisateur français à travailler avec des histoires complètes fut Georges Méliès, pionnier des effets spéciaux et des genres de la science-fiction et du fantastique, et le premier film américain avec une histoire complète fut le western Le Vol du grand rapide (1903). Le développement de la fiction fut ensuite favorisé par la création de sociétés de production cinématographique américaines qui employaient des cinéastes spécifiques. D. W. Griffith eut la plus grande influence sur la forme du film en tant qu'art ; il réalisa plus de 400 (courts) films entre 1908 et 1913, dont beaucoup étaient de nature dramatique et certains fonctionnaient même comme des œuvres de critique sociale ; par exemple, Les Speculateurs (1909) soulignait l'inégalité entre les paysans travailleurs et les marchands avides, tandis que Brutality (1912) thématisait la violence domestique.

Avant la Première Guerre mondiale, plusieurs producteurs de films s’installèrent dans la région de Los Angeles, ce qui conduisit à la création du centre américain de production cinématographique qui, à partir de 1913, fut connu sous le nom de Hollywood. Peu de temps après, un système de studios fut mis en place, axé sur la production de films dans de grands décors. Les westerns et les comédies burlesques furent les genres dominants de l'époque, et les premières stars du cinéma commencèrent à apparaître. Le drame Traffic in Souls (1913) traitait de la prostitution forcée et fut l'un des premiers films à attirer le public sur ce sujet controversé. Le drame Embrasse-moi idiot (1915) de Frank Powell, où la vie d'un homme marié s'effondrait sous l'influence de sa maîtresse, introduisit le motif de la femme fatale. L'infidélité fut également le sujet de Maris aveugles (1919), où la femme d'un alpiniste, qu’il néglige, devient l’objet de désir d'un séducteur cynique. Le drame d'Oscar Micheaux, Within Our Gates (1920), qui est aujourd'hui le plus ancien film réalisé par un réalisateur afro-américain, se distingua par sa distribution majoritairement noire et la critique du traitement des minorités ethniques.

D. W. Griffith réalisa le drame biblique Judith de Béthulie (1914), le drame historique controversé Naissance d'une nation (1915) et l'épopée dramatique Intolérance (1916), avant de se tourner vers les drames romantiques tels que Le Lys brisé (1919), Le Pauvre amour (1919), Le Roman de la vallée heureuse (1919) et À travers l'orage (1920). Il réalisa également des drames de guerre comme Les Coeurs du monde (1918), Les Deux orphelines (1921) et America - Pour l'indépendance (1924). Un certain nombre de drames furent également produits en Europe, comme le drame historique français Les Amours de la reine Élisabeth (1912), le drame allemand Madame DuBarry (1919), le film danois Le Président (1919), les films suédois Ingeborg Holm (1913) et Le Trésor d'Arne (1919), et le drame suédo-islandais Les Proscrits (1918).

 

Le drame dans les années 1920 et le Hollywood pré-Code

L'industrie cinématographique continua à se développer régulièrement dans les années 1920 (à la fin de la décennie, on comptait une vingtaine de studios rien qu'aux États-Unis), tout comme le nombre de films produits. La plupart de ces films étaient muets, accompagnés uniquement par la musique d'un orchestre en direct. Les premières expériences avec le son enregistré eurent lieu avec Don Juan (1926), qui avait une bande sonore autonome enregistrée sur un support spécial, mais la nouveauté advint avec le drame musical Le Chanteur de jazz (1927), le premier film à intégrer une piste audio, et son succès conduisit à la prolifération des films sonores, qui dominèrent le cinéma depuis 1929. Le passage au son affecta considérablement, non seulement la carrière de certains acteurs et actrices, mais aussi certains films. Par exemple, le drame La Reine Kelly (1929) resta inachevé et, avec une fin réécrite à la hâte, fut distribué en Europe mais pas aux États-Unis. Tant avant qu’après, cependant, des films de genres différents furent réalisés, le plus souvent des comédies, des westerns, des films d'aventure et romantiques, historiques et de guerre, mais aussi des films d'horreur, des films policiers et, après l'invention du son, des comédies musicales.

Parmi les films les plus significatifs de cette période figurent les drames bibliques Les Dix Commandements (1923) et Le Roi des rois (1927) du réalisateur Cecil B. Demille, les drames de guerre Les Quatre Cavaliers de l'Apocalypse de Rex Ingram (1921) et La Grande Parade de King Vidor (1925), ainsi que les drames romantiques Camille (1921) et Le Torrent (1926). Originaire de Suède, Victor Sjöström trouva le succès à Hollywood avec Larmes de clown (1924), qui racontait la descente d'un intellectuel vers une carrière dans le cirque, La Lettre écarlate (1926), sur la vie d'une femme adultère dans une société puritaine, et Le Vent (1928), dont la protagoniste est devenue folle face à l'environnement rude dans lequel elle a été forcée de déménager. Le réalisateur d'origine allemande F. W. Murnau, qui connut le succès sur le plan national avec, entre autres, La Terre qui flambe (1922), Fantôme (1922) et Le Dernier des hommes (1924), perça également aux États-Unis avec L'Aurore (1927), un drame romantique qui remporta trois Oscars, dans lequel un fermier rural marié s'éprend temporairement d'une beauté inconnue venue de la ville, mais cela ne fait que confirmer son amour pour sa femme. Murnau réalisera ensuite les drames Quatre diables (1928), L'Intruse (1930) et Tabou (1931), également aux États-Unis.

En 1929, l'Academy of Motion Picture Arts and Sciences organisa sa première cérémonie des Oscars, dont le tout premier lauréat fut le drame romantique de guerre Les Ailes (1927), qui séduisit le public par ses scènes de combat aérien. Il convient également de mentionner les drames David l'endurant (1921), Quand la chair succombe (1927) et les films réalisés par Erich von Stroheim Folies de femmes (1922), Les Rapaces (1924) et La Symphonie nuptiale (1928). Parmi les productions européennes, les plus importantes furent les films dramatiques du cinéaste danois Carl Theodor Dreyer, Aimez-vous les uns les autres (1922), Michaël (1924) et La Passion de Jeanne d'Arc (1928), le drame biographique français Napoléon (1927), les films soviétiques Le Cuirassé Potemkine (1925) et La Grève (1925), les drames britanniques d'Alfred Hitchcock Le Passé ne meurt pas (1927) et The Manxman (1929), et les films allemands de Georg Wilhelm Pabst Le Trésor (1923), La Rue sans joie (1925), Loulou (1929), Le Journal d'une fille perdue (1929) et L’Enfer blanc du Piz Palü (1929).

Les années 1920 furent également le début de l'ère du jazz et une période d'exubérance sociale, d'atmosphère détendue mais aussi celle de la « prohibition ». En réponse à l'attitude endémique des cinéastes américains à l'égard de la présentation de thèmes immoraux dans les films, la « Motion Picture Producers and Distributors of America » (MPPDA), une organisation d'autocensure dirigée par Will H. Hays, établit en 1922 le « Production Code », un ensemble de règles morales et de directives pour les films hollywoodiens. Le « Code » fut créé en 1930, mais il ne fut strictement appliqué qu’à partir de 1934, date à laquelle le nom informel de "Code Hays" fut adopté en référence au responsable de l'association. Ses règles restèrent en vigueur jusqu'en 1966, date à laquelle il fut aboli puis remplacé en 1968 par la classification des films de la MPAA, toujours en vigueur aujourd'hui. La période du cinéma américain comprise entre l'adoption généralisée du son en 1929 et l'adoption du Production Code en 1934 est appelée « Hollywood pré-Code ». Parmi les drames produits à cette époque, citons Les Damnés du coeur (1929), Le Droit d'aimer (1929), La Divorcée (1930), Le Champion (1931), Fascination (1931), La Ruée (1932), Héritage (1932), Grand Hotel (1932), Cavalcade (1933), Morning Glory (1933) et Les Quatre Filles du Docteur March (1933).

 

L'essor du mélodrame américain après l'avènement du cinéma sonore

En opposition à la pléthore de films de guerre et d'aventure et de westerns, Hollywood commença également à produire des drames contenant des éléments conçus pour plaire au public féminin aussi bien qu'au public masculin, en se concentrant particulièrement sur les personnages féminins forts et les intrigues amoureuses, les relations entre partenaires et les thèmes du mariage, de l'infidélité et des crises relationnelles. Les réalisateurs qui jouèrent un rôle déterminant dans la réalisation de ces films à la fin des années 1920 et au début des années 1930 furent notamment Frank Borzage, dont les deux films de guerre que sont L'Heure suprême (1927), ayant gagné trois Oscars, et L'Ange de la rue (1928), étaient des romances sentimentales de la fin de l'ère du muet, alors que John M. Stahl, dont les mélodrames Histoire d'un amour (1932), Images de la vie (1934) et Le Secret magnifique (1935) étaient déjà des films sonores. John M. Stahl connut le succès avec Veillée d'amour (1939), qui racontait la romance d'une serveuse avec un pianiste marié, et Pêché mortel (1945), dont la protagoniste amoureuse détruisait tout son entourage par sa jalousie ; d'autres de ses films, Aventure en Lybie (1943), Les Clés du royaume (1944) et Ambre (1947), contenaient également des éléments mélodramatiques. Le réalisateur George Cukor ne fit jouer que des femmes dans sa comédie mélodramatique Femmes (1939), même si l'intrigue tournait principalement autour des relations avec les hommes. Dorothy Arzner, la seule femme réalisatrice du Hollywood des années 30, travailla également avec des histoires mélodramatiques dans Merrily We Go to Hell (1932) et La Phalène d'argent (1933).

Certains mélodrames des années 1930 bénéficièrent de la présence d'actrices célèbres dans les rôles principaux, nombre d'entre elles devenant des stars. L'une des plus grandes fut Barbara Stanwyck, qui brilla d'abord dans Femmes de luxe (1930) de Frank Capra, puis tint les rôles principaux dans les mélodrames Amour défendu (1932), La Grande Muraille (1933), Baby Face (1933), Franc jeu (1934) et Stella Dallas (1937) de King Vidor. Joan Crawford, non moins célèbre, tint les rôles principaux dans Sadie McKee (1934), Mannequin (1937), L'Ensorceleuse (1938) et Le Cargo maudit (1940), tous réalisés par Frank Borzage. Bette Davis joua, quant à elle, dans L'Insoumise (1938) de William Wyler, qui remporta deux Oscars, puis incarna une coureuse, en phase terminale de maladie, dans le drame Victoire sur la nuit (1939) d'Edmund Goulding. William Wyler lui confierait ensuite un rôle dans La Vipère (1941), qui fut nommé pour neuf Oscars, et dans Une femme cherche son destin (1942), Irving Rapper lui confia le rôle d'une femme qui se rebellait contre sa mère dominatrice.

Une autre star fut l'actrice d'origine allemande Marlene Dietrich, qui perça à Hollywood en jouant une chanteuse de cabaret dans L'Ange bleu (1930) et Cœurs brûlés (1930) de Josef von Sternberg. Le même réalisateur lui confia ensuite le rôle d'une courtisane dans Shanghai Express (1932) et d'une danseuse dans La Femme et le pantin (1935). Marlene impressionna également en tant que voleuse de bijoux dans Désir (1936) de Frank Borzage et en tant que femme adultère dans le drame Ange (1937) d'Ernst Lubitsch. L'actrice suédoise Greta Garbo, déjà célèbre pour ses rôles dans les mélodrames muets La Chair et le Diable (1926), Intrigues (1928) et Le Baiser (1929), rencontra un succès similaire. Elle incarna ensuite une espionne dans La Belle Ténébreuse (1928) et Mata Hari (1931), une chanteuse d'opéra dans Romance (1930), une ancienne prostituée dans Anna Christie (1930), une épouse infidèle dans Anna Karénine (1935) et une courtisane dans Le Roman de Marguerite Gautier (1936) de George Cukor. Parmi les autres actrices qui apparurent régulièrement dans des films mélodramatiques, citons Jean Harlow (Dans ses bras, 1933), Margaret Sullavan (Epreuves, 1936) et Janet Gaynor (Une étoile est née, 1937, mélodrame de studio nommé aux sept Oscars).

 

Autres drames de l'Âge d'or d'Hollywood dans les années 30

La période des années 30 et de la plupart des années 40 fut souvent appelée l'Âge d'or d'Hollywood. Elle introduisit une nouvelle génération à l'écran et vit le développement de nouveaux genres populaires tels que les comédies musicales et les films de gangsters. La production de films sonores battait déjà son plein et les films en couleur commençaient à apparaître - le premier long métrage tourné en couleur, selon la méthode Technicolor à trois bandes, fut le drame historique Becky Sharp (1935). La même technique fut adoptée pour d'autres films, notamment les spectaculaires Le Magicien d'Oz (1939) et Autant en emporte le vent (1939), ce dernier devenant le film le plus cher de la décennie et le film sonore le plus long de son temps, remportant un record de huit catégories aux Oscars et obtenant un succès sans précédent au box-office. En revanche, il y avait aussi de nombreux films bon marché (connus sous le nom de catégorie B, ou films de série B) qui furent une conséquence économique de la Grande Dépression.

Parmi les drames qui obtinrent également de bons résultats aux Oscars dans les années 1930, citons : Le Mouchard (1935) de John Ford qui en remporta quatre, le drame biographique La Vie d'Emile Zola (1937) de William Dieterle qui obtint trois des dix nominations, Visages d'Orient (1937) de Sidney Franklin et Des hommes sont nés (1938) de Norman Taurog qui obtint deux des cinq nominations. Après Ils étaient trois (1936), William Wyler eut plus de succès avec ses drames romantiques Dodsworth (1936) et Les Hauts de Hurlevent (1939), qui reçurent une statuette chacun. George Cukor réalisa le drame David Copperfield (1935), nommé trois fois aux Oscars, et le drame romantique Roméo et Juliette (1936), nommé quatre fois aux Oscars, tandis que le réalisateur Frank Capra concourait à ces récompenses avec ses films L'Extravagant Mr. Deeds (1936) et Mr. Smith au sénat (1939). Les films dramatiques Le Marquis de Saint-Evremond (1935), Pension d'artistes (1937), La Citadelle (1938), Des souris et des hommes (1939) et Goodbye, Mr. Chips (1939) furent également nommés pour un certain nombre d'Academy Awards.

 

La guerre, les drames d'après-guerre et la fin de l'Âge d'or d'Hollywood

Aux États-Unis, le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale mit fin aux problèmes économiques de la décennie précédente, et le cinéma ne servit pas seulement de distraction en ces temps difficiles, il devint aussi une source d'information, d'encouragement moral et, pour les militaires, un outil de propagande. Un grand nombre de films de guerre furent réalisés, mais d'autres genres furent également prolifiques, et si l'industrie cinématographique américaine prospéra, la production européenne souffrit du conflit. L'engagement en temps de guerre fut également reflété dans un certain nombre de films qui n'étaient pas des films de guerre, tels que le drame romantique très populaire Casablanca (1942), qui a remporté trois Oscars, réalisé par Michael Curtiz et dont l'action se déroulait sur le terrain neutre d'une boîte de nuit marocaine pendant la guerre, et le drame patriotique Madame Miniver (1942) de William Wyler, qui obtint six des douze nominations aux Oscars. Les films américains ne furent pas exportés en Europe pendant la guerre, mais cette tendance revint après la fin du conflit. Dans la seconde moitié des années 40, l'enthousiasme créatif fut émoussé à la suite des chasses à l'homme communistes de l'industrie cinématographique, et l'Âge d'or d'Hollywood prit définitivement fin en 1948, lorsque la Cour suprême des États-Unis jugea illégales les pratiques de distribution monopolistiques des studios, qui supervisaient l'exploitation des chaînes de cinémas et leur vendaient les films en vrac. Ce changement permit à de plus petits studios et à des producteurs indépendants d'entrer dans l'industrie, et les gens purent désormais travailler pour plusieurs studios en même temps.

Citizen Kane (1941), un drame sur un millionnaire fictif et magnat des médias, réalisé par Orson Welles, enrichit le cinéma d'un certain nombre de techniques cinématographiques et narratives innovantes. Bien qu'il n'obtint qu'une seule des neuf nominations aux Oscars et qu'il ne fut pas très apprécié du public à l'époque, il est aujourd'hui devenu une légende très appréciée, qui figure souvent dans les listes des meilleurs films américains de tous les temps. Orson Welles réalisa ensuite le drame La Splendeur des Amberson (1942), nommé quatre fois aux Oscars, qui racontait l'histoire d'une famille très en vue ayant perdu toute sa richesse et son statut social, avant de réaliser l'adaptation shakespearienne Macbeth (1948). Deux Oscars furent décernés aux Raisins de la colère (1940) de John Ford, dans lequel une famille de fermiers sinistrés est contrainte de chercher fortune dans l'Ouest. En outre, Orgueil et préjugés (1940), Jane Eyre (1943) et Les Quatre Filles du Docteur March (1949) contribuèrent également à l'ensemble des adaptations notables de drames fictifs. John Ford a ensuite réalisé Qu'elle était verte ma vallée (1941), une saga familiale de mineurs gallois qui remporta cinq Oscars. Sept nominations aux Oscars allèrent au drame biographique Madame Curie (1943) de Mervyn LeRoy, sur la découverte de l'élément radioactif radium, et un Oscar sur ses six nominations alla au drame noir Le Roman de Mildred Pierce (1945) de Michael Curtiz, l'histoire d'une femme émancipée qui se lance dans les affaires à la poursuite du rêve américain et décide ensuite de se sacrifier pour sa fille.

La Vie est belle (1946) de Frank Capra, qui racontait l’histoire d’un homme en dépression, qui est sauvé par un ange, fut nommé pour cinq Oscars, et le même réalisateur réalisa ensuite L'Enjeu (1948), qui tournait autour de problèmes relationnels dans les coulisses d'une campagne présidentielle. Le film d'après-guerre de William Wyler, Les Plus belles années de notre vie (1946), qui dépeignait les efforts d'un trio d'hommes pour réintégrer la société après leur retour de l'armée, remporta sept Oscars, tandis que le drame romantique de ce même réalisateur, L'Héritière (1949), reçut quatre statuettes. Quatre des douze nominations aux Oscars allèrent à Le Chant de Bernadette (1943) de Henry King, un drame évoquant une paysanne française qui assista à une apparition de la Vierge Marie. Le drame Johnny Belinda (1948), qui traitait de l'histoire d'une jeune fille sourde violée, remporta une statuette sur douze nominations, tandis que le premier rôle féminin de La Fosse aux serpents (1948), faisait l'objet d'une enquête dans un hôpital psychiatrique, alors qu’elle luttait contre une perte de mémoire. L'Héritage de la chair (1949), par exemple, portait sur les préjugés raciaux et mettait en scène une femme noire à la peau inhabituellement claire, tandis que le drame de Billy Wilder, Le Poison (1945), qui remporta quatre Oscars, était axé sur l'alcoolisme.

Trois Oscars allèrent à Le Mur invisible (1947), un drame relatant une enquête journalistique sur l'antisémitisme dans la société américaine ; le même nombre de récompenses revint également à Les Fous du roi (1949), un drame sur un politicien que son nouveau pouvoir transforme d'un idéaliste honnête en un démagogue amoral. Chaînes conjugales (1949) fut une comédie dramatique sur trois femmes, lors d’un voyage en voiture, forcées suite à la réception d’un message anonyme, de réfléchir à l'état de leur mariage, tandis que le drame familial Le Miracle sur la 34ème rue (1947), qui remporta trois Oscars et tournait autour du procès du Père Noël, donnant ainsi une note légère à ce drame. Parmi les autres drames familiaux, citons La Fidèle Lassie (1943) et Les Cloches de Sainte-Marie (1945), ainsi que les drames sportifs Vainqueur du destin (1942), Le Grand national (1944) et Le Champion (1949).

 

Drames britanniques et européens des années 30 et 40

La production cinématographique européenne avant et pendant la Seconde Guerre mondiale fut essentiellement de nature propagandiste, mais il y eut de nombreuses exceptions et de grands cinéastes. Le réalisateur français le plus important de cette période fut Jean Renoir, qui, après les drames La Chienne (1931), Madame Bovary (1933), Toni (1935) et Les Bas-fonds (1936), atteignit la célébrité avec son film anti-guerre La Grande Illusion (1937), qui reflètait la crainte de l'Europe d'un conflit potentiel deux ans avant le début de la guerre. Le réalisateur espagnol Luis Buñuel commenca sa carrière avec les films expérimentaux Un chien andalou (1929) et L'Âge d'or (1930). Le réalisateur allemand Fritz Lang réalisa M Le Maudit (1931), un drame sur un tueur en série, avant de faire carrière aux États-Unis. En Union soviétique, un mouvement appelé réalisme social commença à s'imposer et les réalisateurs et autres artistes durent s'y conformer, produisant des drames tels que La Terre (1930), The Deserter (1933), Okraïna (1933), Au bord de la mer bleue (1936) et la trilogie biographique L'Enfance de Gorki (1938), En gagnant mon pain et Mes universités (1940). Parmi les autres drames qui méritent d'être mentionnés, citons les films allemands La Tragédie de la mine (1931), Jeunes Filles en uniforme (1931), Une histoire d'amour (1933) et Barcarole (1935), le film portugais Marie do Mar (1930), le film tchécoslovaque Extase (1932), le film suédois La Nuit de la Saint-Jean (1935) et le film britannique Vive les étudiants (1938).

Après la fin de la guerre, l'un des temps forts de la production cinématographique britannique fut constitué par les adaptations dickensiennes Les Grandes Espérances (1946) et Oliver Twist (1948), réalisées par David Lean, qui réalisa auparavant le drame romantique Brève rencontre (1945), sur l'amour inassouvi d'un médecin et d'une femme mariée qui se rencontrent régulièrement lors de voyages en train. Parmi les autres films marquants, citons Première désillusion (1948) de Carol Reed, Anna Karenina (1948) de Julien Duvivier, Hamlet (1948) de Laurence Olivier et le film anti-mélodramatique Les Chaussons Rouges du duo créatif Michael Powell et Emeric Pressburger, à qui l'on doit, entre autres, la romance Je sais où je vais ! (1945), le drame psychologique Le Narcisse noir (1947) et le drame de guerre aux accents fantastiques Une question de vie ou de mort (1946), qui combinait film en couleur avec des séquences de rêve en noir et blanc. Parmi les films français, Les Anges du pêché (1943) de Robert Bresson, Les Enfants du Paradis (1946) de Marcel Carné ; et L’Homme du sud (1945) et Le Journal d'une femme de chambre (1946) de Jean Renoir se distinguèrent le plus. Les drames romantiques L'Éternel retour (1943), La Chartreuse de Parme (1948) et Monsieur Vincent (1947), qui dépeignait la vie d'un prêtre tentant de réveiller la solidarité au sein du peuple lors d'une épidémie de peste, sont également remarquables.

Le cinéma italien fut fortement influencé par la montée du néoréalisme, qui reflétait la réalité sociale de l'Italie d'après-guerre et se concentrait sur des lieux authentiques et des histoires tirées de la vie des pauvres et de la classe ouvrière. Cette tendance apparut pour la première fois dans Les Amants diaboliques (1943) de Luchino Visconti et dans Les Enfants nous regardent (1944) de Vittorio De Sica. Après la guerre, le néoréalisme italien s'infiltra dans l'œuvre de Roberto Rossellini, notamment dans son drame Rome, ville ouverte (1945), traitant du sort des gens ordinaires dans la Rome occupée par les Allemands, puis dans ses films Allemagne, année zéro (1948) et Stromboli (1950). Vittorio De Sica réalisa ensuite Shoeshine (1946), puis devint célèbre avec Le Voleur de bicyclette (1948), l'histoire d'un père et d'un fils à la recherche d'une bicyclette volée, et Umberto D. (1952), sur la vie difficile d'un fonctionnaire retraité vieillissant. La Terre tremble (1948) de Luchino Visconti dépeignait les conditions de vie de pêcheurs pauvres et exploités. Parmi les autres drames européens notables des années 40, citons le film danois Jour de colère (1943), le film allemand Les Assassins sont parmi nous (1946), le film hongrois Quelque part en Europe (1948), le film polonais La Dernière Étape (1948), les drames psychologiques tchécoslovaques Bon Voyage (1943), La Longue Route (1948) et La Conscience (1948), ainsi que  le film soviétique en deux parties Ivan, le Terrible (1945). En Suède, après avoir fait ses débuts en tant que scénariste avec L'Épreuve (1944), Ingmar Bergman commenca sa carrière de cinéaste avec les drames Crise (1946), Il pleut sur notre amour (1946), Ville portuaire (1948), La Prison (1949) et La Soif (1949).

 

Films épiques et autres formes de drames américains dans les années 1950

Au début des années 1950, la lutte contre le communisme aux États-Unis était à son apogée, et une série de cadres de l'industrie du divertissement se retrouvèrent sur une liste noire en raison de la répression menée par le redoutable sénateur Joseph McCarthy. La télévision devint un concurrent majeur pour les studios de cinéma, le nombre de téléviseurs augmentant rapidement dans les foyers américains, ce qui entraîna une baisse de la fréquentation des salles de cinéma. Ce que les producteurs pensaient alors de la télévision fut évident dans le drame satirique Un homme dans la foule (1957), qui critiquait la tendance de ce média à manipuler les gens. Le désir de garder le public dans les salles obliga les cinéastes à adopter un certain nombre d'innovations, dont la plupart s’avérèrent être des gadgets éphémères, comme les projections interactives de films d'horreur, les films stéréoscopiques qui devaient être visionnés avec des lunettes Polaroid 3D, ou les films panoramiques avec la technologie Cinerama projetés sur un large écran incurvé qui utilisait la vision périphérique du public. Le cinéma en plein air connut un grand essor, et un autre événement majeur fut la naissance du système CinemaScope, qui permettait de tourner des films sur grand écran, mais leur popularité ne dura que jusqu'aux années 1960. La stratégie la plus durable pour attirer le public au cinéma consista à continuer à améliorer l'image couleur et le son des films, de travailler sur des thèmes controversés et audacieux que l'on ne voyait pas à la télévision, et de cibler les adolescents à la fois sur le plan thématique et par le biais de nouvelles stars.

Une autre partie de la stratégie consista à réaliser des épopées coûteuses à gros budget, l'une des premières étant le film de cirque Sous le plus grand chapiteau du monde (1952), dont le réalisateur, Cecil B. Demille, allait ensuite réaliser le drame biblique Les Dix Commandements (1956), nommé sept fois aux Oscars et remake de son propre film de 1923. Il fut suivi par d'autres drames bibliques ou épopées historiques aventureuses, tels que La Tunique (1953) de Henry Koster, Ben-Hur (1959) de William Wyler, qui remporta un nombre record de onze Oscars, et Spartacus (1960) de Stanley Kubrick, qui remporta quatre Oscars. Les autres grands films narratifs furent les drames historiques Quo Vadis de Mervyn LeRoy (1951), Jules César de Joseph L. Mankiewicz (1953), L'Egyptien de Michael Curtiz (1954), Terre des pharaons de Howard Hawks (1955) et Guerre et paix de King Vidor (1956). En revanche, la spectaculaire saga familiale Géant (1956) de George Stevens, nommée pour dix Oscars, et le drame de guerre Le Pont de la rivière Kwaï (1957) de David Lean, nommé pour sept Oscars, traitaient de l'histoire plus récente.

Parmi les plus grands succès d'Elia Kazan, citons le drame psychologique Un tramway nommé Désir (1951), qui remporta quatre Oscars sur douze nominations, suivi d'À l'est d'Éden (1955), qui s'intéressair à un jeune homme peu sûr de lui et à sa lutte pour trouver grâce auprès de son père strict et de son frère, fils favori. Le drame de Nicholas Ray, La Fureur de vivre (1955), se concentrait également sur le monde des adolescents déchirés, L'Équipée sauvage (1953) mettait en scène un adolescent chef de bande de motards qui tombait amoureux de la fille d'un policier hostile, et Graine de violence (1955) traitait de la lutte entre les enseignants et les délinquants scolaires. Le drame Eve (1950) de Joseph L. Mankiewicz, qui remporta six Oscars, se déroulait dans les coulisses d'un théâtre, tandis que Le Grand Couteau (1955) de Robert Aldrich donnait un aperçu dévastateur des coulisses de la production cinématographique.

Portrait satirique d'Hollywood, le célèbre drame de Billy Wilder, Boulevard du crépuscule (1950), fut aussi un aperçu de la superficialité de la célébrité et des stars de cinéma fanées, qui obtint trois des onze nominations aux Oscars. Le même réalisateur réalisa ensuite le drame Le Gouffre aux chimères (1951), dont l'histoire tournait autour d'un journaliste pragmatique ne reculant devant rien dans sa quête de sensations. La Chatte sur un toit brûlant (1958) de Richard Brooks, un drame sur les relations compliquées au sein d'une famille de propriétaires de plantations de coton du Sud, obtint six nominations aux Oscars, tandis que Au risque de se perdre (1959) de Fred Zinnemann, inspiré de l'histoire vraie d'une religieuse belge, fut nommé huit fois. 12 hommes en colère de Sidney Lumet (1957) dépeignait les délibérations dramatiques d'un jury dans une affaire de meurtre apparemment simple, tandis que le protagoniste de Les Trois visages d'Eve (1957) souffrait d'un rare trouble de la personnalité. Les films La Porte s'ouvre (1950), Sayonara (1957) et La Chaîne (1958) traitaient du thème des préjugés raciaux, alors que L'Homme au bras d'or (1955) et Derrière le miroir (1956) abordaient la question de la toxicomanie.

Les films les plus marquants du mélodrame des années 1950 furent ceux du réalisateur Douglas Sirk, dont Le Secret magnifique (1954), Les Amants de Salzbourg (1957) et Mirage de la vie (1959) furent des remakes de mélodrames antérieurs réalisés par John M. Stahl. Parmi ses œuvres les plus connues, citons All I Desire (1953), dans lequel la protagoniste retrouvait le mari et les trois enfants qu'elle avait fuis des années auparavant, Tout ce que le ciel permet (1955), qui mettait en scène une veuve dont l'intention d'épouser un homme beaucoup plus jeune issu d'une classe sociale inférieure est critiquée par sa progéniture et ses amis, et Ecrit sur du vent (1956), l'histoire de deux hommes et de leurs relations problématiques avec une seule femme, où la jalousie, l'impuissance et l'alcoolisme jouaient un rôle. Parmi les autres drames romantiques notables, citons Une place au soleil (1951) de George Stevens, qui remporta six Oscars ; Les Ensorcelés (1952) de Vincent Minnelli, qui remporta cinq Oscars ; L'Homme tranquille (1952) de John Ford, qui remporta deux Oscars ; la comédie musicale Une étoile est née (1954) de George Cukor, nommée à six reprises ; Marty (1955) de Delbert Mann, quatre fois récompensé, et enfin Elle et lui (1957) de Leo McCarey, quatre fois nommé. Plus tard, cependant, le genre prolifique du mélodrame commença à être remplacé par des drames plus réalistes d'autres types.

 

Le drame dans les années 1960 et la fin du Hollywood classique

En Amérique, les années 1960 furent été marquées par des manifestations pour les droits de l'homme et contre la guerre du Vietnam, l'assassinat du président Kennedy et de Martin Luther King, la course à l'espace, la musique rock, le mouvement hippie et la révolution sexuelle. En ce qui concerne le cinéma, il y eut également la popularisation des téléviseurs couleur, l'ouverture des premiers multiplexes en plus des cinémas ordinaires et, surtout, les studios de cinéma commencèrent à être la propriété de multinationales en raison des problèmes financiers liés, entre autres, à la baisse continue de la fréquentation des salles. Cela conduisit à l'effondrement du système des studios dans la seconde moitié de la décennie, ce qui ouvrit la porte à l'ère du Nouvel Hollywood, définie par l'émergence d'une nouvelle génération de cinéastes qui revitalisèrent le médium grâce à un élan d'énergie créatrice vibrante et une passion pour les valeurs artistiques du cinéma. Une plus grande place fut également accordée aux réalisateurs et producteurs indépendants, ainsi qu'aux films étrangers, qui eurent une influence considérable sur la forme du cinéma américain à cette époque. Les réalisateurs explorèrent de nouveaux genres et de nouvelles approches stylistiques, et l'abolition du « Code de Production » leur permit d'atteindre un plus grand degré de réalisme en montrant plus ouvertement la violence et la sexualité et en élargissant considérablement l'éventail des thèmes. Nombre des productions des années 1960 préfigurèrent l'évolution du cinéma américain pour les décennies à venir.

Poursuivant la tendance des épopées hollywoodiennes, des films tels que Le Roi des rois (1961) de Nicholas Ray, Lawrence d'Arabie (1962) de David Lean, récompensé par sept Oscars, et Le Docteur Jivago (1965), récompensé par cinq Oscars, ainsi que Cléopâtre (1963) de Joseph L. Mankiewicz, qui était à l'époque le film pour grand écran le plus cher jamais réalisé - bien que les énormes problèmes liés à sa production empêchèrent par la suite la création de projets aussi mégalomaniaques pendant de nombreuses années. Après l'échec financier important du drame historique La Chute de l'empire romain (1964), le dernier de cette série d'épopées coûteuses fut le drame biblique sur la vie de Jésus-Christ, La Plus grande histoire jamais contée (1965). Parmi les autres films majeurs des années 1960, citons le drame judiciaire Du silence et des ombres (1962) de Robert Mulligan, récompensé par trois Oscars, raconté du point de vue d'un enfant et abordant les thèmes du viol et de l'intolérance raciale ; le film romantique Lolita (1962) de Stanley Kubrick, qui explorait le thème de la pédophilie, et le drame psychologique Qui a peur de Virginia Woolf ? (1966) de Mike Nichols, récompensé par cinq Oscars. (1966), basé sur les disputes amères d'un couple marié. Il ne faut pas oublier non plus le drame évoquant le milieu du billard, L'Arnaqueur (1961) de Robert Rossen, nommé neuf fois aux Oscars ; La Rumeur (1961) de William Wyler, nommé cinq fois aux Oscars ; Tempête à Washington (1962) ; Le Cardinal (1963) d'Otto Preminger ; Le Plus sauvage d'entre tous (1963) de Martin Ritt, drame sur trois générations, nommé trois fois aux Oscars, ainsi que Luke la main froide (1967) de Stuart Rosenberg, drame sur la prison.

Sidney Lumet fut une figure marquante des années 1960. Son drame romantique L'Homme à la peau de serpent (1960) se concentrait sur les aventures amoureuses d'un vagabond charismatique dans le Sud américain, tandis que son drame psychologique Long voyage vers la nuit (1962) décrivait une journée dans la vie troublée d'une famille ; Le Prêteur sur gages (1964) racontait l'histoire d'un commerçant traumatisé ayant survécu à l'Holocauste ; Point limite (1964) mettait en garde contre la menace d'un conflit nucléaire, et La Colline des hommes perdus (1965), un film britannique contre la guerre, critiquait les méthodes sans scrupules de commandants militaires abusant de leur pouvoir. Le réalisateur Stanley Kramer eut une influence similaire, avec ses deux drames judiciaires, Procès de singe (1960), nommé quatre fois aux Oscars, et Jugement à Nuremberg (1961), nommé onze fois aux Oscars, qui traitaient des origines de l'existence humaine dans le premier cas et des crimes de guerre nazis dans le second, tandis que son film Devine qui vient dîner... (1967), qui reçut dix nominations aux Oscars, était un drame de conversation comique dans lequel un couple marié blanc rencontrait le petit ami noir de leur fille. Le réalisateur Elia Kazan poursuivit son œuvre dramatique, ajoutant à sa filmographie Le Fleuve sauvage (1960), La Fièvre dans le sang (1961), America, America (1963) et L'Arrangement (1969).

L'un des films clés des débuts du Nouvel Hollywood fut Easy Rider (1969), de Dennis Hopper, nommé deux fois aux Oscars, qui entra également dans l'histoire comme une pierre angulaire du genre du road-movie, grâce à son récit du voyage en roue libre, alimenté par la drogue et le rock, de deux motards rebelles. Un autre film qui sut capturer l'atmosphère de l'époque avec la même éloquence fut Macadam Cowboy (1969) de John Schlesinger, récompensé par trois Oscars, qui racontait l'histoire de deux hommes vivant en marge de la société. La comédie dramatique Le Lauréat (1967), réalisée par Mike Nichols et nommé pour sept Oscars, fut également révolutionnaire avec l'histoire d'un étudiant entamant une relation amoureuse secrète avec une femme mariée plus âgée, avant de tomber amoureux de sa fille. En outre, d'autres nouveaux réalisateurs importants commencèrent à s'imposer, notamment Robert Altman (That Cold Day in the Park, 1969), William Friedkin (Les Garçons de la bande, 1970), Arthur Penn (Miracle en Alabama, 1962, qui remporta deux Oscars), John Cassavetes (Faces, 1968 ; Husbands, 1970), John Frankenheimer (Grand Prix, en 1966, qui remporta trois Oscars) et Sydney Pollack (On achève bien les chevaux, 1969, qui fut nommé neuf fois aux Oscars).

 

Le drame social britannique et la nouvelle vague française

Au Royaume-Uni, le mouvement littéraire de gauche des "Jeunes hommes en colère" marqua le cinéma de la fin des années 50 et celui du début des années 60, conduisant à l'émergence de films sociaux-réalistes sur la vie des classes populaires, avec des figures comme Tony Richardson et Lindsay Anderson devenant les principaux représentants du mouvement. Dans le drame Les Corps sauvages (1958), le protagoniste était un vendeur ambulant de bonbons perpétuellement mécontent ; dans Samedi soir, dimanche matin (1960) et Le Silence de la colère (1960), les protagonistes étaient des ouvriers d'usine, et dans Le Cabotin (1960), le protagoniste était un entrepreneur de théâtre vaniteux et en faillite, tandis que les protagonistes de Un gout de miel (1961), La Solitude du coureur de fond (1962) et If... (1968) étaient des adolescents. Parmi les autres drames notables, citons Un amour pas comme les autres (1962), Darling chérie (1965) et Loin de la foule déchaînée (1967) de John Schlesinger, tandis que Ken Loach faisait ses débuts avec Kes (1969). De nombreux drames historiques sur des dirigeants européens furent également populaires et appréciés, par exemple, Becket (1964) reçut douze nominations aux Oscars, Un lion en hiver (1968) remporta trois Oscars et Un homme pour l'éternité (1966) obtint six statuettes dorées. Parmi les autres films dramatiques britanniques remarquables, citons Les Chemins de la haute ville (1959), Le Prix d'un homme (1963), The Servant (1963), Othello (1965), L´Accident (1967), Les Anges aux poings serrés (1967) et Les Belles années de Miss Brodie (1969).

En France, plusieurs cinéastes se rebellèrent contre le cinéma domestique sédentaire et les méthodes cinématographiques conventionnelles de l'époque et commencèrent à cibler un jeune public intellectuel, en s'inspirant de l'atmosphère de la fin des années 50 et du début des années 60 et des tendances étrangères, découvrant de nouvelles approches pour réaliser des films et expérimentant leur forme et leur style narratif. Le premier film de la Nouvelle Vague française fut le drame Le Beau Serge de Claude Chabrol (1958), qui réalisa ensuite Les Cousins (1959), Landru (1963) et Le Scandale (1967), entre autres. Mais les figures les plus marquantes de ce mouvement furent François Truffaut, qui débuta avec Les 400 Coups (1959), avant de s'illustrer avec Jules et Jim (1962), La Peau douce (1964) et Baisers volés (1968), et Jean-Luc Godard, qui connut le succès avec le drame policier À bout de souffle (1960) et s'illustra ensuite avec Vivre sa vie (1962), Le Mépris (1963), Une femme mariée (1964) et Pierrot le Fou (1965), entre autres. Les autres représentants du mouvement furent Alain Resnais (Hiroshima, mon Amour, 1959, L'Année dernière à Marienbad, 1961), Jacques Rivette (La Religieuse, 1966, L'Amour fou, 1969), Eric Rohmer (Le Signe du lion, 1962) et Louis Malle (Le Feu follet, 1963). Parmi les autres réalisateurs qui ont tourné des films en France à la même époque figurent : Jacques Demy (La Baie des anges, 1963) et Agnès Varda (Cléo de 5 à 7, 1962, et Le Bonheur, 1965).

 

Drames européens et non-européens des années 1950 et 1960

Le cinéma polonais ne se remit pas des horreurs de la guerre avant la fin des années 1950. L'un de ses représentants les plus éminents fut le réalisateur Andrzej Wajda, qui fit irruption sur la scène avec la trilogie de guerre Génération (1955), Canal (1957) et Cendres et diamant (1958). Il réalisa ensuite, entre autres, l'épopée historique The Ashes (1965) et le drame Tout est à vendre (1969). Les autres représentants du cinéma polonais furent Jerzy Kawalerowicz (Mère Jeanne des Anges, 1961) et Roman Polanski (Le Couteau dans l'eau, 1962). En Hongrie, un autre groupe de cinéastes attira l'attention sur eux, notamment Miklós Jancsó (Les Sans-espoir, 1966), István Szabó (Père, 1966) et István Gaál (Les Faucons, 1970).

En Union soviétique, l'industrie cinématographique connut un changement fondamental après la mort de Staline en 1953, lorsque les œuvres cinématographiques purent enfin se libérer des limites imposées par le réalisme socialiste populaire et patriotique, et à partir de la seconde moitié de cette décennie, des œuvres critiquant la guerre et reflétant son impact négatif sur le paysage, la société et le destin individuel des gens purent être créées. À cet égard, il est impossible de ne pas mentionner les films dramatiques Quand passent les cigognes de Mikhaïl Kalatozov (1957) ; Le Destin d'un homme de Sergei Bondarchuk (1959) ; La Ballade du soldat de Grigoriy Chukhray (1959) et L'Enfance d'Ivan (1962), le premier film d'Andrei Tarkovsky, qui deviendra plus tard célèbre pour son drame historique Andreï Roublev (1966). Parmi les autres films notables, citons La Dame au petit chien (1960), Hamlet (1964) et Les Chevaux de feu (1964), ainsi que l'épopée de plus de sept heures Guerre et paix (1966).

En Suède, Ingmar Bergman conserva sa position de cinéaste de renommée internationale et, après les drames romantiques Vers la joie (1950), Jeux d'été (1951) et Monika (1953), il réalisa ses œuvres les plus connues Les Fraises sauvages (1957) et Le Septième sceau (1957). Suivirent, entre autres, Au seuil de la vie (1958) et La Source (1960), ainsi qu'une trilogie intime d'angoisses et de conversations avec Dieu, A travers le miroir (1961), Les Communiants (1963) et Le Silence (1963), dans laquelle il traite principalement de l'existence humaine et de la psyché, même si c'est dans Persona (1966) qu'il aborde spécifiquement la psychologie des femmes. Ses trois films suivants, connus sous le nom de Trilogie de l'île, se composent de L'Heure du loup (1968), La Honte (1968) et Une passion (1969), dont le thème principal est les relations entre partenaires.

Le réalisateur espagnol Luis Buñuel réalisa un certain nombre de drames au Mexique, tels que The Young and the Damned (1950), EL - Tourments (1953), Le Fleuve de la mort (1955), Nazarin (1959) et La Jeune Fille (1960), mais son œuvre la plus importante fut Viridiana (1961), qui fit la satire de la mentalité et de l'hypocrisie de l'Église à travers l'histoire d'une novice rendant visite à son oncle. Buñuel réalisa ensuite plusieurs coproductions franco-italiennes (Journal d'une femme de chambre en 1964, Belle de jour en 1967), avant de retourner dans son Espagne natale pour y tourner le drame Tristana (1970). Parmi les autres œuvres dramatiques européennes à distinguer, citons les drames romantiques français Madame de... (1953) et Les Liaisons dangereuses (1959), le film danois Ordet (1955) de Carl Theodor Dreyer, la coproduction hispano-italienne Mort d'un cycliste (1955), Zorba le Grec (1964) et la coproduction italo-britannique Roméo et Juliette (1968) de Franco Zeffirelli.

Pendant l'occupation américaine du Japon, plusieurs réalisateurs influencés par le cinéma américain s’imposèrent, notamment Akira Kurosawa, qui réalisa dans les années 1940 plusieurs drames ayant permis au cinéma japonais de percer en Occident. Bien qu'il soit surtout connu pour ses films de samouraïs, il réalisa également de nombreux drames remarquables, tels que Scandale (1950), L'Idiot (1951), Vivre (1952), Vivre dans la peur (1955), Les Bas-fonds (1957) et plus tard Barberousse (1965). L'œuvre de Yasujirô Ozu comprend les drames Eté précoce (1951) et Printemps précoce (1956), mais son œuvre la plus connue fut Voyage à Tokyo (1953), dans laquelle les problèmes de l'époque furent saisis à travers une histoire sur le choc inter-générationnel. Parmi les autres films qui méritent d'être mentionnés, citons L'Île nue (1960) de Kaneto Shindō, qui décrit la vie cyclique d'une famille habitant une petite île, ou les mélodrames de Kenji Mizoguchi La Vie d’O’Haru femme galante (1952) et L’Intendant Sansho (1954).

 

Le cinéma italien des années 1960 et la Nouvelle Vague tchécoslovaque

1960 fut une année exceptionnelle pour le cinéma italien, avec la sortie de La Dolce Vita de Federico Fellini, L'Avventura de Michelangelo Antonioni et Rocco et ses frères de Luchino Visconti. Fellini, déjà célèbre dans les années 1950 pour Les Vitelloni (1953), La Strada (1954) et Les Nuits de Cabiria (1957), dépeignait dans La Dolce Vita le déclin moral de la haute classe sociale italienne et posait ainsi les bases du cinéma italien moderne. Par la suite, il connut également un grand succès avec Huit et demi (1963), dans lequel il relatait la crise de la création à travers l'histoire d'un cinéaste en burn-out. L'Avventura d'Antonioni, remarquable sur le plan formel et délibérément trompeur, critiquait également les élites sociales et devint le premier film d'une tétralogie thématique qui comprenait également La Nuit (1961), L'Eclipse (1962) et Le Désert rouge (1964). Mais sa percée internationale eut lieu avec Blow Up (1966), dans lequel il captura l'atmosphère des années 1960 avec, en toile de fond, l'histoire d'un photographe indulgent qui aurait peut-être accidentellement photographié une tentative de meurtre. À la même époque, les drames de Pier Paolo Pasolini (L'Évangile selon Saint Matthieu, 1964), Bernardo Bertolucci (Prima della Rivoluzione, 1964, Le Conformiste, 1970), Marco Bellocchio (Les Poings dans les poches, 1965) et Ermanno Olmi (L’Emploi, 1961, Les Fiancés, 1963) furent également remarquables.

Dans les années 1960, la Tchécoslovaquie commença à produire des films de classe mondiale grâce à une génération de cinéastes connus sous le nom de « Nouvelle vague tchécoslovaque », dont la production prolifique fut prématurément interrompue par l'invasion des troupes soviétiques en 1968. Ces cinéastes absorbèrent les tendances modernes du cinéma européen et les façonnèrent comme autant de personnalités d'auteur distinctes, traitant souvent de la moralité dans la société, recourant à diverses expériences, faisant appel à des non-acteurs et construisant un style d'humour spécifique. En termes de drame, les principaux représentants de ce mouvement furent : Štefan Uher (Le Soleil dans le filet, 1962), Ján Kadár et Elmar Klos (Le Miroir aux alouettes, 1965), Jiří Menzel (Trains étroitement surveillés, 1966), Věra Chytilová (Marguerites, 1966), Jan Němec (La Fête et les invités, 1966), Juraj Herz (L'Incinérateur de cadavres, 1968) et Pavel Juráček (Un cas pour un bourreau débutant, 1969). Parmi les autres réalisateurs qui firent des films dramatiques importants au cours de cette période, citons Jiří Krejčík (Monsieur principe supérieur, 1960), Karel Kachyňa (Un Carosse pour Vienne, 1966), František Vláčil (Marketa Lazarová et La Vallée des abeilles, 1967), Vojtěch Jasný (Chronique Morave, 1968), Otakar Vávra (Le Marteau des sorcières, 1969) et Zdenek Sirový (Funeral Ceremonies, 1969).

 

Les drames du Nouvel Hollywood dans les années 1970

La paranoïa de la guerre froide et l'affaire du Watergate culminèrent à Hollywood avec une série de thrillers conspirationnistes, des mastodontes au box-office, sous forme de succès de genre et de superproductions estivales, alors que le cinéma américain commençait à aborder la guerre du Vietnam. La même année, le drame de guerre psychologique Voyage au bout de l'enfer (1978) de Michael Cimino, sur un groupe d'hommes traumatisés par les horreurs de la guerre, remportait cinq Oscars, pendant que le drame romantique anti-guerre Le Retour (1978) de Hal Ashby, où la protagoniste féminine principale tombe amoureuse d'un vétéran handicapé après le départ de son mari pour la guerre du Viêt Nam, était nommé pour huit Oscars. La direction que prenait alors le cinéma du Nouvel Hollywood était déjà pleinement définie par sa jeune génération de cinéastes qui comprenait, entre autres, Bob Rafelson (Cinq pièces faciles, 1970), Mike Nichols (Ce plaisir qu'on dit charnel, 1971), Peter Bogdanovich (La Dernière séance, 1971, nominé pour huit Oscars), Jerry Schatzberg (Panique à Needle Park, 1971), George Lucas (American Graffiti, 1973), Sydney Pollack (Nos plus belles années, 1973, nommé pour six Oscars), John Cassavetes (Une femme sous influence, 1974), John Schlesinger (Le Jour du fléau, 1975), Sidney Lumet (Network, main basse sur la télévision, 1976, qui a obtenu quatre de ses dix nominations aux Oscars), Terrence Malick (Les Moissons du ciel, 1978), Woody Allen (Intérieurs, 1978) et Paul Schrader (Hardcore, 1979).

Le film épique sur la mafia Le Parrain (1972), réalisé par Francis Ford Coppola, a connu un grand succès auprès du public et des critiques. Il racontait l'histoire des pratiques d'un puissant clan criminel, décrivant le réseau complexe de relations et de rituels internes entre les membres de cette "famille" fermée, et a remporté trois des onze nominations aux Oscars. Il a été suivi par Le Parrain : Partie II (1974), qui rafla six de ses onze nominations aux Oscars, ce qui en fait l'une des suites les plus réussies de tous les temps. Cinq Oscars sur neuf nominations sont allés au drame du réalisateur tchécoslovaque Miloš Forman Vol au-dessus d'un nid de coucou (1975), une histoire sur l'inadaptation d'un trublion idiosyncrasique condamné à rester dans un établissement psychiatrique qui se heurte aux pratiques totalitaires de l'infirmière en chef. Kramer contre Kramer (1979) de Robert Benton, sur les batailles judiciaires de conjoints divorcés pour la garde de leurs enfants, a connu un succès similaire. Nommé pour cinq Oscars, le drame musical Nashville (1975) de Robert Altman est une satire complexe de la vie américaine dans la seconde moitié des années 1970, abordant des thèmes tels que le racisme, la violence, la sexualité, la politique, les médias et l'obsession de la célébrité. L'atmosphère et les graves problèmes sociaux de la fin des années 60 et du début des années 70 sont reflétés dans le drame romantique Love Story (1970) d'Arthur Hiller, qui dépeint l'histoire d'amour de deux jeunes gens issus de classes sociales différentes.

Les Hommes du président (1976) d'Alan J. Pakula remporta quatre Oscars pour son regard réaliste sur les coulisses d'une salle de rédaction de journal à travers l'histoire de deux journalistes d'investigation découvrant peu à peu la vérité cachée par le gouvernement derrière l'affaire du Watergate. Le drame sportif Rocky (1976), un film de boxe sur un outsider en quête du titre de champion du monde des poids lourds, obtint trois des dix nominations aux Oscars ; Taxi Driver (1976) de Martin Scorsese, nommé pour quatre statuettes, examinait l'environnement moralement décadent de la ville de New York à travers les yeux d'un ancien combattant reclus, alors que la comédie dramatique Bienvenue Mister Chance (1979) de Hal Ashby, un jardinier simple d'esprit finit par devenir un favori du pouvoir politique par une série de coïncidences. Il convient également de mentionner le drame romantique Gatsby le Magnifique (1974), le drame romantique musical Une étoile est née (1976), ainsi que la comédie musicale La Fièvre du samedi soir (1977), qui s'inspire de la mode des discothèques.

 

Cinéma de l'agitation morale et autres films européens des années 1970

En Allemagne, un manifeste rédigé dans les années 1960 et demandant la création d'une école de cinéma a donné naissance à une nouvelle vague de réalisateurs tels que Werner Herzog (Signes de vie, 1968), Wim Wenders (Un été dans la ville, 1971, Alice dans les villes, 1974 et Au fil du temps, 1976), Volker Schlöndorff (A Free Woman, 1972, Le Tambour, 1979) et Rainer Werner Fassbinder (Tous les autres s’appellent Ali, 1974, Le mariage de Maria Braun, 1979). En Pologne, la seconde moitié des années 1970 vit la fondation du "Cinéma de l'agitation morale", un mouvement artistique qui exprimait le mécontentement des cinéastes face à l'état de fait imposé par le régime communiste qui empêchait la représentation de certains problèmes sociaux en restreignant la liberté de création. Le dénominateur commun de ce mouvement était les thèmes sociaux et les problèmes éthiques, la relation entre l'homme et l'État, la réflexion sur la perte des idéaux et l'accent mis sur la responsabilité morale. Ses principaux représentants furent Andrzej Wajda (L'Homme de marbre, 1977), Feliks Falk (Top Dog, 1978), Krzysztof Kieślowski (L'Amateur, 1979), Agnieszka Holland (Acteurs provinciaux, 1979) et Krzysztof Zanussi (La Constance, 1980).

La plus grande ouverture du cinéma aux questions sexuelles se refléta, avec justesse, dans le drame amoureux italo-français controversé de Bernardo Bertolucci, Le Dernier Tango à Paris (1972), tandis que l'explosion de la violence était représentée par le film britannico-américain de Stanley Kubrick, Orange mécanique (1971), une critique satirique du totalitarisme racontée du point de vue du chef violent d'une bande d'adolescents fauteurs de troubles. De grands cinéastes comme les Italiens Luchino Visconti (Mort à Venise, 1971, Violence et passion, 1974) et Federico Fellini (Amarcord, 1973, Répétition d'orchestre, 1978), ainsi que l’illustre metteur en scène suédois Ingmar Bergman, se sont tous appuyés sur des œuvres antérieures. Bergman, en particulier, après les drames psychologiques Cris et chuchotements (1972), Scènes de la vie conjugale (1973) et Sonates d'automne (1978), annonça que Fanny et Alexandre (1982) serait son dernier long métrage, bien qu'il réalisa ensuite plusieurs autres téléfilms. Cette fresque familiale, inspirée par l'enfance et l'imaginaire des enfants, fut l'aboutissement de son œuvre et fut même récompensée par quatre Oscars. Parmi les autres œuvres européennes notables, citons les drames romantiques britanniques Le Messager (1971) et La Fille de Ryan (1970), ainsi que le film espagnol L'Esprit de la ruche (1973), qui dépeignait l'état de la campagne espagnole se relevant de la guerre civile, à travers les yeux d'un enfant.

 

La résurrection du système hollywoodien et le drame américain dans les années 1980

Dans le cinéma américain des années 1980, le nombre d'expérimentations cinématographiques diminua considérablement par rapport à la décennie précédente, le système hollywoodien à travers ses studios de cinéma et ses producteurs, étant revenu dans une position de force, ce qui entraîna une perte d'influence progressive des auteurs-réalisateurs. Le marché du film s'orienta vers les superproductions, attirant le public grâce à des campagnes de marketing massives qui ciblaient fortement les adolescents. Les films d'action devinrent un phénomène, mais les comédies, les films d'horreur et de science-fiction prospérèrent également. Ce fut aussi le début de l'ère des suites, où de nombreux films à succès devinrent des séries en plusieurs parties. L'aspect formel des films fut influencé par l'esthétique des vidéoclips sur MTV, sans compter que de nombreux nouveaux réalisateurs vinrent au cinéma après avoir travaillé dans le domaine des vidéoclips et de la publicité. La popularisation des cassettes vidéo constitua également une révolution, avec l'ouverture du premier magasin de location de vidéos en 1985. Parallèlement, on assista à une augmentation constante du nombre de multiplexes, des cinémas à plusieurs salles construits pour la plupart dans des centres commerciaux urbains.

Raging Bull (1980) de Martin Scorsese, un drame sportif biographique sur un champion de boxe poids moyen, obtint deux des neuf nominations aux Oscars. Scorsese enchaîna ensuite avec un film se déroulant dans le milieu du billard : L’Arnaqueur (1961) et sa suite La Couleur de l’argent (1986), avant de faire forte impression avec le drame biblique La Dernière tentation du Christ (1988). Ragtime (1981) de Miloš Forman, qui dépeignait la transition entre le XIXe et le XXe siècle sur fond de plusieurs histoires, fut nommé pour huit Oscars ; néanmoins son principal succès lui vint du drame Amadeus (1984), qui fut récompensé par huit Oscars pour l'histoire de la rivalité entre le compositeur de génie Wolfgang Amadeus Mozart et son rival jaloux Antonio Salieri. Le projet suivant de Forman fut un drame d'époque sur les aventures séduisantes d'un vicomte vieillissant appelé Valmont (1989). C’est ce même personnage et cette même histoire qui furent au centre du film Les Liaisons dangereuses de Stephen Frears (1988). Parmi les grands drames biographiques des années 1980, citons Reds (1981) de Warren Beatty, qui remporta trois Oscars sur douze nominations, et Gándhí (1982) de Richard Attenborough, un magnifique portrait du célèbre pacifiste indien, leader politique et spirituel. Le drame social fut associé à la musique et à la danse dans Flashdance (1983), un film nommé pour quatre Oscars dont le réalisateur, Adrian Lyne, deviendra plus tard célèbre pour son drame romantique 9 semaines 1/2 (1986).

Steven Spielberg plongea dans les eaux du drame sérieux avec le film d'époque La Couleur pourpre (1985), qui relatait la vie troublée d'une Afro-Américaine dans le Sud américain, et reçut onze nominations aux Oscars. Spielberg obtint six autres nominations avec le drame de guerre Empire du soleil (1987), qui décrivait les événements survenus dans un camp de prisonniers japonais du point de vue d'un garçon de 11 ans. Le dernier film de Sergio Leone fut le drame mafieux Il était une fois en Amérique (1984), une fresque monumentale sur la vie d'un gangster new-yorkais. Le film de David Lynch : Elephant Man (1980), nommé pour sept Oscars, racontait la vie troublée d'un homme défiguré, tandis que son drame policier Blue Velvet (1986) se concentrait sur l'apparente situation idyllique d'une petite ville américaine, sous laquelle se cache un monde de violence, de psychopathes et de perversions sexuelles. Rain Man (1988) de Barry Levinson, un road-movie sur deux hommes, un jeune homme d'affaires intrigant et son frère aîné autiste, le premier ignorant l’existence du second jusqu'à l'âge adulte, reçut quatre Oscars. Des gens comme les autres (1980) de Robert Redford, un drame psychologique intime sur les membres d'une famille, Miss Daisy et son chauffeur (1989) de Bruce Beresford, l'histoire de la relation amicale entre une riche veuve et son chauffeur noir, et le drame sportif Les Chariots de feu (1981) de Hugh Hudson, mettant en scène deux athlètes olympiques, ont tous obtenu le même nombre d'Oscars. Parmi les autres drames sportifs, citons Le Meilleur (1984) et Jusqu'au bout du rêve (1989), qui fut pimenté d'une touche de fantaisie.

Le drame Le Choix de Sophie (1982) d'Alan J. Pakula, qui obtint l'une de ses six nominations aux Oscars, utilisa l'histoire de sa protagoniste polonaise pour montrer l'effet corrosif du nazisme sur la vie des gens. Les autres films en lice pour les statuettes dorées étaient Tendres passions (1983) de James L. Brooks, qui traitait d'une relation mère-fille, Yentl (1983), un drame musical de Barbra Streisand, dont la protagoniste se faisait passer pour un homme dans son désir d'étudier la religion, et Souvenirs d'Afrique (1985) de Sydney Pollack, une romance entre une propriétaire de plantation de café et un chasseur charismatique. Le réalisateur Peter Weir reçut un accueil enthousiaste pour Le Cercle des poètes disparus (1989), un film sur un professeur singulier, Steven Soderbergh a fait des débuts réussis avec Sexe, mensonges et vidéo (1989), et Woody Allen réussit avec ses comédies dramatiques Hannah et ses sœurs (1986) et Crimes et délits (1989), en plus de ses drames psychologiques sérieux September (1987) et Une autre femme (1988). Parmi les autres drames notables, citons ceux réalisés par des réalisateurs tels que Mark Rydell (La Maison du lac, 1981), Sidney Lumet (Le Verdict, 1982), Francis Ford Coppola (Rusty James, 1983), Philip Kaufman (L´Etoffe des héros, 1983, L'Insoutenable légèreté de l'être, 1988), Hector Babenco (Le Baiser de la femme araignée, 1985, Ironweed : la force du destin, 1987), Tom Moore (Goodnight Mother, 1986), Oliver Stone (Wall Street, 1987), Jonathan Kaplan (Les Accusés, 1988) et Spike Lee (Do the Right Thing, 1989).

 

Le cinéma européen des années 1980

Le cinéma français des années 1980 fut fondamentalement revitalisé par le travail de réalisateurs tels que Leos Carax (Boy Meets Girls, 1984), Jean-Jacques Beineix (37°2 le matin, 1986) et Luc Besson (Le Grand Bleu, 1988), dont les films se distinguèrent par leur style visuel distinct. En Allemagne, les réalisateurs qui avaient réussi à s'imposer dans les années 70, notamment Rainer Werner Fassbinder (Lola, 1981 ; Le Secret de Veronika Voss, 1982), Volker Schlöndorff (Un amour de Swann, 1984), Wim Wenders (Paris, Texas, 1984, et le drame sur un ange amoureux Les Ailes du désir, 1987) et Werner Herzog (Woyzeck, 1979), figurèrent parmi les meilleurs réalisateurs de films dramatiques. En Pologne, deux des réalisateurs les plus acclamés furent Andrzej Wajda (L’Homme de fer, 1981) et Krzysztof Kieślowski, qui, après Le Hasard (1981) et Sans fin (1985), a réalisé Tu ne tueras point (1987) et Brève histoire d’amour (1988), deux drames qui ont fait suite à sa série télévisée Décalogue (1989-1990), qui traitait des Dix Commandements en dix épisodes.

L'un des plus grands talents italiens est Giuseppe Tornatore, dont le film autobiographique Cinema Paradiso (1988), récompensé par un Oscar, est un hommage nostalgique au cinéma et à sa gloire passée. Au Danemark, Lars von Trier s'est fait remarquer avec sa trilogie Element of Crime (1984), Epidemie (1987) et Europa (1991), où il explora la dimension spirituelle de l'espace que nous habitons. En Espagne, certains des films, avec une trame dramatique, les plus importants furent réalisés par Carlos Saura, qui s'était déjà imposé dans les années 1970 avec des films tels que Anna et les loups (1973), La Cousine Angélique (1974), Cria Cuervos (1976) et Elisa, mon amour (1977), suivis dans les années 1980 par ses drames musicaux Noces de sang (1981), Carmen (1983) et L’Amour sorcier (1986). Le drame espagnol Les Saints Innocents (1984), de Mario Camus, fut également remarquable. En ce qui concerne les autres pays européens, les films britanniques Caravaggio (1986) et La Déchirure (1984), ainsi que les drames romantiques Chambre avec vue (1985) et Maurice (1987) de James Ivory, le drame yougoslave Papa est en voyage d’affaires (1985) d'Emir Kusturica ou les films hongrois Rapports préfabriqués (1982), Almanach d’automne (1985) et Damnation (1988) de Béla Tarr ont tous été capables d’attirer une forte audience.

 

Le début de l'ère numérique et les drames américains dans les années 1990

Dans les années 90, Hollywood mit encore plus l'accent sur la production de grands succès au box-office que dans la décennie précédente, dépensant des sommes énormes pour des campagnes de marketing, des stars célèbres et des effets visuels numériques. C'est également à cette époque que les caméras numériques firent leur entrée dans le secteur, rendant la réalisation de films moins chère, plus facile et plus accessible à un plus grand nombre de réalisateurs, et s'imposant d'abord parmi les cinéastes indépendants. Les différences entre les films réalisés par les studios hollywoodiens et les cinéastes indépendants furent alors encore plus nettes, certains d'entre eux entrecoupant leurs projets indépendants (appelés films indépendants) de collaborations avec des studios (par exemple, Gus Van Sant, réalisateur du drame indépendant My Own Private Idaho (1991) et du drame de studio Will Hunting (1997), récompensé par un Oscar), tandis que d'autres parvenaient à rester totalement indépendants (par exemple, Jim Jarmusch, réalisateur du drame anti-western Dead Man (1995)). Le marché de la VHS continua à connaître un énorme succès, de nombreux films étant même sortis directement en vidéo sans être passés par les écrans de cinéma. Cependant, 1997 vit l'apparition du support DVD, plus durable que la bande et comprenant souvent des bonus. L'année 1996 vit arriver les premières diffusions de la télévision haute définition, ce qui entraîna le développement de nouveaux téléviseurs et du home cinéma. Les années 1990 virent également la naissance d'Internet, un système informatique d'échange de données, et donc un autre moyen potentiel de promotion et de distribution des films.

Le film le plus réussi des années 1990 fut Titanic (1997) de James Cameron, récompensé par onze Oscars, qui, outre le naufrage du célèbre navire, racontait l'histoire d'amour entre deux jeunes gens de classes sociales différentes, et devint le film le plus rentable de tous les temps. Six des treize nominations aux Oscars allèrent à Forrest Gump (1994) de Robert Zemeckis, qui dépeignait la guerre du Viêt Nam du point de vue d'un simplet qui, sur le chemin de sa vie, fut personnellement présent lors des événements les plus marquants de l'histoire américaine des années 1950 à 1980. Steven Spielberg connut d'abord le succès avec La Liste de Schindler (1993), un drame récompensé par sept Oscars sur un homme d'affaires allemand qui sauve des centaines de Juifs des camps de concentration, suivi de Amistad (1997), un drame historique nommé à quatre reprises narrant une mutinerie d'esclaves noirs sur un navire, et enfin avec le drame de guerre Il faut sauver le soldat Ryan (1998), qui reçut cinq Oscars sur onze nominations pour son histoire d'une mission de sauvetage qui commence avec le débarquement en Normandie. Un total de onze nominations aux Oscars fut partagé entre deux films de prison réalisés par Frank Darabont : Les Évadés (1994), qui traitait du sort et de l'évasion d'un employé de banque condamné à tort, et La Ligne verte (1999), dans lequel un ancien directeur de prison se remémore ses expériences avec les prisonniers et ses collègues.

Deux Oscars allèrent au drame judiciaire Philadelphia (1993) de Jonathan Demme, qui traitait des préjugés à l'égard des personnes atteintes du sida. Le même nombre de récompenses, mais sur neuf nominations, alla à Apollo 13 (1995) de Ron Howard, qui retrace le parcours d'un vol habité raté vers la lune. Une statuette chacun est allée aux drames Le Temps d'un week-end (1992), où un aveugle est sauvé du suicide par son amitié avec un jeune accompagnant ; Leaving Las Vegas (1995), sur un scénariste alcoolique, et La Dernière Marche (1995), un film sur la relation entre un condamné à mort et une assistante sociale qui commence à lui tenir compagnie en prison. Neuf récompenses allèrent au Le Patient anglais (1996) d'Anthony Minghella, un drame romantique sur un soldat blessé qui raconte à son infirmière ses souvenirs de la Seconde Guerre mondiale, tandis qu'American Beauty (1999) de Sam Mendes, un drame satirique à l'humour noir sur la vie et les désillusions des banlieusards de la classe moyenne, termina avec cinq récompenses. Le réalisateur Paul Thomas Anderson se fit connaître d'abord avec Boogie Nights (1997), un drame se déroulant dans l'industrie du porno, puis avec Magnolia (1999), dans lequel ce réalisateur entrelaça les histoires de plusieurs personnages.

Le drame Chute libre (1993) de Joel Schumacher racontait l'histoire de la soudaine explosion d'agressivité d'un homme incapable de gérer sa frustration et son stress accumulés, Fight Club (1999) de David Fincher offrait une critique anarchique et nihiliste du système et du monde commercial, et Eyes Wide Shut (1999) de Stanley Kubrick, dépeignait l'histoire d'un couple marié en plein renouveau sexuel. Après le succès de Et au milieu coule une rivière (1992), Robert Redford réalisa un drame sur les coulisses corrompues de l'émission télévisée Quiz Show (1994), puis L'Homme qui murmurait à l'oreille des chevaux (1998), un drame romantique sur un cowboy capable de guérir des animaux traumatisés. Parmi les autres drames romantiques dignes de mention, citons Le Prince des marées (1991) de Barbra Streisand, Jungle Fever (1991) de Spike Lee, Les Quatre filles du Dr March (1994) de Gillian Armstrong, Raison et sentiments (1995) d'Ang Lee, Lunes de fiel (1992) de Roman Polanski, Sur la route de Madison (1995) de Clint Eastwood, Lolita (1997) d'Adrian Lyne et L´Oeuvre de Dieu, la part du diable (1999) de Lasse Hallström. Glengarry (1992), Short Cuts (1993), The Ice Storm (1997), Sling Blade (1996), L'Idéaliste (1997), Ciel d'octobre (1999), Le Talentueux Mr. Ripley (1999) et Summer of Sam (1999) furent également des drames importants.

 

Dogma 95 et autres drames internationaux des années 1990

Au Danemark, le mouvement d'avant-garde Dogma 95 fut fondé en réponse au courant dominant superficiel du cinéma mondial. Ses fondateurs s’engagèrent à atteindre le réalisme en appliquant dix règles, parmi lesquelles le tournage dans des lieux authentiques et avec des accessoires authentiques, le tournage en caméra portée, l'interdiction des scènes d'action, l'évitement des genres et des thèmes historiques, et l'interdiction de l'utilisation de musique additionnelle et d'éclairages spéciaux. Ses principaux représentants en furent Thomas Vinterberg (Festen, 1998) et Lars von Trier (Les Idiots, 1998). Parmi les autres représentants notables du cinéma danois, citons le drame de Trier, Breaking the Waves (1996), et Family Matters (1994) de Susanne Bier. En Belgique, les frères Jean-Pierre et Luc Dardenne trouvèrent leurs marques et devinrent des représentants primés du drame européen avec Je pense à vous (1992), La Promesse (1996) et Rosetta (1999). Les drames romantiques de Kar-wai Wong à Hong Kong, notamment Chungking Express (1994), Les Anges déchus (1995), Happy Together (1997) et In the Mood for Love (2000), eurent également un impact international significatif.

Les œuvres phares du théâtre britannique comprenaient, entre autres, Les Vestiges du jour (1993) de James Ivory, l'histoire d'un majordome distingué, film qui fut nommé aux Oscars ; Secrets et mensonges (1996) de Mike Leigh, l'histoire d'une mère et d'une fille réunies après de nombreuses années, nommée à cinq reprises aux Oscars, et Trainspotting (1996) de Danny Boyle, un manifeste générationnel célèbre pour ses thèmes liés à la drogue. Parmi les films français, le drame romantique oscarisé Indochine (1992), qui se déroule dans les plantations de caoutchouc du Vietnam colonial, et La Haine (1995) de Mathieu Kassovitz, qui suit la vie de trois jeunes délinquants dans les rues de Paris, furent particulièrement remarquables. En Italie, La Vie est belle (1997), une comédie dramatique sur un serveur juif qui, pour le bien de son jeune fils, traite leur séjour dans un camp de concentration comme un jeu d'anniversaire, remporta trois Oscars. Le réalisateur italien Giuseppe Tornatore lui succéda avec La Légende du pianiste sur l'océan (1998), relatant l’histoire d’un pianiste n'ayant jamais quitté le bateau sur lequel il était né. L'Espagne produisit également un grand nombre de cinéastes remarquables. Pedro Almodóvar devint célèbre pour ses films mélodramatiques La Fleur de mon secret (1995), En chair et en os (1997) et Tout sur ma mère (1999), qui traitèrent tous principalement des processus mentaux de personnages féminins, tandis qu'Alejandro Amenábar (Ouvre les yeux, 1997), Fernando Trueba (La Fille de tes rêves, 1998) et Julio Medem (L'Ecureuil rouge, 1993, Tierra, 1996, et Les Amants du cercle polaire, 1998) émergèrent également.

Le réalisateur polonais Krzysztof Kieślowski renforça encore sa notoriété avec La Double Vie de Véronique (1991), une histoire sur les destins croisés de deux filles identiques filmée en France, et la trilogie des Trois couleurs, traitant successivement des thèmes de " liberté, égalité, fraternité " et composée d’autant de films portant les noms des couleurs du drapeau français : Bleu (1993), Rouge (1994) et Blanc (1994). Le cinéma russe s'épanouit grâce à des réalisateurs tels que Pavel Chukhraj (Le Voleur et l'enfant, 1997) et Nikita Mikhalkov, dont le drame poétiquement mélancolique, récompensé par un Oscar, Soleil trompeur (1994), se déroule pendant les purges staliniennes. Le réalisateur hongrois Béla Tarr étoffa sa filmographie avec les épopées de plus de sept heures Le Tango de Satan (1994) et Les Harmonies Werckmeister (2000), toutes deux réputées pour leurs longs plans envoûtants et leurs riches couches d'interprétation. Une nouvelle génération de cinéastes a émergé en Iran, avec Jafar Panahi (Le Ballon blanc, 1995), Abbas Kiarostami (Le Goût de la cerise, 1997), Majid Majidi (Les Enfants du ciel, 1997) et Samira Makhmalbaf (La Pomme, 1998), qui devinrent les principaux représentants du cinéma de ce pays. Il convient également de mentionner la coproduction allemande Europa Europa (1990) de la réalisatrice polonaise Agnieszka Holland, la coproduction australienne La Leçon de piano (1993) de la réalisatrice néo-zélandaise Jane Campion, qui remporta trois oscars ; Créatures célestes (1994) de Peter Jackson, l'Oscar tchèque Kolya (1996) de Jan Svěrák et le film brésilien Central Station (1998) de Walter Salles.

 

Les drames américains après 2000

Le début du nouveau millénaire fut marqué, entre autres, par la lutte contre le terrorisme, le développement rapide de la technologie, la prolifération d'Internet et des réseaux sociaux, et les préoccupations liées au réchauffement climatique. Les technologies numériques devinrent encore plus répandues dans le cinéma qu'au cours de la décennie précédente, les plus grands succès au box-office (principalement des superproductions à effets visuels) devenant dans de nombreux cas des séries de films en plusieurs parties, alors que les DVD remplaçaient totalement la cassette vidéo (avec l'émergence des disques Blu-Ray et les premiers fournisseurs en ligne de films et de séries), et les studios commencèrent à lutter contre les téléchargements illégaux de films sur Internet. Le thème du terrorisme imprégna de nombreux films, par exemple Vol 93 (2006) de Paul Greengrass et World Trade Center (2006) d'Oliver Stone, inspirés par les événements qui entourèrent l'attaque du World Trade Center à New York en 2001, Démineurs (2008), film de Kathryn Bigelow récompensé par six Oscars, racontait l'histoire d'un groupe de soldats spécialisés dans le désamorçage de bombes, et un drame ultérieur de la même réalisatrice, Zero Dark Thirty (2012), tournait autour de la traque d'Oussama ben Laden par l'armée. Le film Collision (2004) de Paul Haggis, récompensé par trois Oscars, traitait de diverses formes de racisme, tandis que Le Secret de Brokeback Mountain (2005) d'Ang Lee, un drame sur la romance homosexuelle entre deux cow-boys, soulevait également des questions importantes.

Requiem for a Dream (2000) de Darren Aronofsky fut un film puissant qui dépeignait diverses formes de toxicomanie à travers plusieurs histoires. Le même réalisateur attira ensuite l'attention avec le drame romantique The Fountain (2006) et le drame sportif The Wrestler (2008). Clint Eastwood réussit aux Oscars avec Million Dollar Baby (2004), un drame sportif sur une boxeuse déterminée qui remporta quatre catégories, puis fit parler de lui avec ses drames ultérieurs L'Echange (2008) et Gran Torino (2008). Parmi les autres lauréats, citons Traffic (2000), de Steven Soderbergh, qui remporta quatre Oscars et traitait de la lutte contre la mafia de la drogue ; There Will Be Blood (2007), de Paul Thomas Anderson, qui remporta deux Oscars et racontait l'ascension d'un aspirant magnat du pétrole, et Precious (2009), de Lee Daniels, qui remporta deux Oscars et abordait la question du passage à l'âge adulte d'une adolescente noire issue d'un milieu social défavorisé.

Trois des treize nominations aux Oscars allèrent à L'Étrange Histoire de Benjamin Button (2008) de David Fincher, un drame romantique sur un homme dont le corps rajeunit avec le temps en raison d'une maladie rare, et huit Oscars furent obtenus par Slumdog Millionaire (2008) de Danny Boyle, un drame sur la vie d'un participant à un concours scientifique en Inde. À l'ombre de la haine (2001) de Marc Forster, un film sur la relation entre une veuve noire et un gardien de prison raciste qui aida à l'exécution de son mari condamné, The Hours (2002) de Stephen Daldry, qui racontait les histoires interconnectées de trois femmes à trois époques différentes, et Lost in Translation (2003) de Sofia Coppola, un film sur la solitude dans un environnement étranger, remportèrent tous un Oscar chacun. Citons également le mélodrame Loin du paradis (2002) de Todd Haynes, Match Point (2005) et Vicky Cristina Barcelona (2008) de Woody Allen, le drame de Sam Mendes sur une crise conjugale Les Noces rebelles (2008), le drame judiciaire sur une passion ancienne et les procès de criminels de guerre The Reader (2008), le drame familial Hatchi (2009), et les drames sportifs Le Plus beau des combats (2000), Rocky Balboa (2006) et The Blind Side (2009).

 

Les films européens

En Amérique latine, un nouveau courant cinématographique émergea à travers le réalisateur brésilien Fernando Meirelles (La Cité de dieu, 2002) et les réalisateurs mexicains Alfonso Cuarón (Et… ta mère aussi !, 2001) et Alejandro González Iñárritu, qui, après le film patchwork Amours chiennes (2000), réalisa aux États-Unis les drames de structure similaire 21 grammes (2003) et Babel (2006). En Roumanie, après plusieurs années de sommeil cinématographique, une nouvelle génération de cinéastes, appelée la Nouvelle Vague roumaine, commença à émerger en se concentrant sur des histoires réalistes minimalistes, riches en situations dramatiques fortes et orientées vers les questions sociales. Ses réalisateurs les plus importants furent Cristi Puiu (La Mort de Dante Lazarescu, 2005), Corneliu Porumboiu (12 h 08 à l'Est de Bucarest, 2006), Cristian Mungiu (4 mois, 3 semaines et 2 jours, 2007) et Radu Jude (La Fille la plus heureuse du monde, 2009). En France, François Ozon (Swimming Pool, 2003, et 5x2 à partir de 2004), Laurent Cantet (Entre les murs, 2008) et Gaspar Noé, dont les films Irréversible (2002) et Enter the Void (2009) firent l'objet de controverses, devinrent des figures importantes du cinéma dramatique.

Parmi les cinéastes danois, il convient de citer Lars von Trier, qui, après Dogville (2003) et Manderlay (2005), au style minimaliste, réalisa le controversé Antichrist (2009), et la réalisatrice Susanne Bier, dont les films Brothers (2004) et After the Wedding (2006) devinrent les modèles des remakes américains ultérieurs. Dans le cinéma russe, les noms qui se distinguèrent furent ceux d'Andrei Konchalovsky (La Maison de fous, 2002), Andrej Zvjagincev (Le Retour 2003, Le Bannissement 2007), Nikita Michalkov (12, 2007) et Alexandr Sokurov, dont L'Arche russe (2002) fut filmé dans l'Ermitage de Saint-Pétersbourg en une seule longue prise. Le réalisateur autrichien Michael Haneke reçut un accueil très favorable pour ses drames La Pianiste (2001) et Caché (2005), ainsi que pour Le Ruban blanc (2009), où il racontait le mal chez l'homme, les relations pathologiques dans la société et la naissance du nazisme avec pour toile de fond les habitants d'un village allemand. Les frères belges Jean-Pierre et Luc Dardenne connurent le succès avec Le Fils (2002), L'Enfant (2005) et Le Silence de Lorna (2008) ; le réalisateur espagnol Julio Medem perça avec Lucia et le sexe (2001) et Chaotique Ana (2007), et Pedro Almodóvar étoffa sa filmographie avec Parle avec Elle (2002), La Mauvaise éducation (2004), Volver (2006) et Étreintes brisées (2009).

En Allemagne, Florian Henckel von Donnersmarck connut le succès avec son film oscarisé La Vie des autres (2006), qui racontait l'histoire de la maison d'un dramaturge surveillé par le régime et du policier déployé pour l'espionner, tandis que Fatih Akin, dont Head on (2004) et De l'autre côté (2007) se déroulaient parmi des immigrés turcs, et Dennis Gansel avec La Vague (2008), sur une expérience scolaire qui échappe à tout contrôle, devinrent également des figures importantes du cinéma allemand. Les drames sociaux britanniques Billy Elliot (2000) et Vera Drake (2004) traitaient, respectivement, de l'histoire d'un garçon de onze ans qui prenait des cours de danse classique et des actes de bonne volonté d'une avorteuse clandestine dans l'Angleterre de l'après-guerre. Parmi les autres films notables, citons le controversé Innocents du réalisateur italien Bernardo Bertolucci, le drame suédois Evil (2003) et les films tchèques Divided We Fall (2000), Something Like Happiness (2005) et The Karamazov Brothers (2008).

 

Drames américains et britanniques après 2010

L'industrie cinématographique et le système de distribution ont été fortement affectés par la prolifération et l'augmentation du nombre de plateformes de streaming telles que la VOD (vidéo à la demande), des fournisseurs en ligne de films et de séries qui permettent aux utilisateurs de regarder le contenu audiovisuel de leur choix parmi un large éventail d'offres, tandis que la diffusion télévisuelle, dont le programme est fixe, s'est dotée d'une fonction de relecture et d'un enregistrement facile, ce à quoi ont contribué les téléviseurs dits intelligents. Les disques Blu-Ray sont devenus de dignes concurrents des anciens DVD et la décennie a également vu la sortie de films 4K Ultra HD, même si les ventes de supports physiques ont globalement diminué en moyenne en raison de la popularité croissante des services de streaming. Au tournant de la décennie, à partir de 2007, les films en 3D sont devenus à la mode, mais il s'agissait principalement de superproductions à gros budget et de films d'animation. La popularité de certains films continuèrent à entraîner la production de suites, de remakes, de redémarrages (« reboot » en anglais) et de prologues (« prequel » en anglais), et les séries de films créant des mondes fictifs interconnectés devinrent une nouvelle tendance. Les drames devinrent courants aux yeux du public et figurèrent aux Oscars et autres récompenses cinématographiques bien plus souvent que tout autre genre.

Le sort des esclaves noirs (12 Years a Slave de 2013 ; Harriet de 2019), la maladie d'Alzheimer (Still Alice de 2014, The Father de 2019) et la romance homosexuelle (Carol de 2015 ; Call Me by Your Name de 2017) devinrent des thèmes majeurs de nombreux drames. La Couleur des sentiments (2011) traitait de la discrimination raciale, le film au trois oscars Dallas Buyers Club (2013) décrivait la vie des personnes atteintes du sida, le film aux deux oscars Spotlight (2015) racontaient l'histoire de journalistes découvrant des cas de prêtres abusant sexuellement de jeunes garçons, alors que Marriage Story (2019) portait un regard procédural sur l'échec d'un mariage. Le film 127 heures (2010) de Danny Boyle, nommé six fois aux Oscars, était un drame de survie dont le protagoniste était piégé dans un gouffre rocheux ; Magic Mike (2012) de Steven Soderbergh se déroulait dans l'environnement d'un club de strip-tease ; Les Figures de l'ombre (2016) mettait en scène des femmes employées par la NASA ; Room (2015) de Lenny Abrahamson racontait l'histoire d'une femme kidnappée obligée d'élever son fils dans une seule pièce, et le drame social American Honey (2016) d'Andrea Arnold visitait une communauté de colporteurs d'abonnements de magazines. Le réalisateur britannique Ken Loach réussit dans les festivals internationaux avec ses drames sociaux Moi, Daniel Blake (2016) et Sorry We Missed You (2019), qui critiquaient des situations marginales sur le marché du travail.

Boyhood (2014) de Richard Linklater fut un événement exceptionnel, ayant été tourné sur une période de douze ans avec les mêmes acteurs qui ont naturellement vieilli avec leurs personnages. Le drame The Social Network (2010) de David Fincher, récompensé par trois Oscars, traitait de la fondation de Facebook, Black Swan (2010) de Darren Aronofsky racontait l'histoire de la dépression mentale d'une ballerine ambitieuse, et Argo (2012) de Ben Affleck, récompensé par trois Oscars, se concentrait sur la mission particulière de sauvetage de dizaines d'otages pendant la révolution islamique en Iran. Moonlight (2016) de Barry Jenkins, ainsi que Manchester by the Sea (2016) de Kenneth Lonergan, Once Upon a Time… in Hollywood (2019) de Quentin Tarantino et Nomadland (2020) de Chloé Zhao furent tous récompensés par plusieurs Oscars. Parmi les drames récompensés par un Oscar figurent Blue Jasmine de Woody Allen (2013) ; Phantom Thread de Paul Thomas Anderson (2017), qui réussit également avec son drame psychologique The Master (2012) ; et Les Filles du Docteur March (2019) de Greta Gerwig, dont Lady Bird (2017) mérite également d'être mentionné. Les autres films qui réussirent aux Oscars sont les drames sportifs Fighter (2010) et Le Stratège (2011), ainsi que les drames musicaux Whiplash (2014) et A Star Is Born (2018). Parmi les films à ne pas oublier, citons Shame de Steve McQueen (2011) et les drames américains The Tree of Life de Terrence Malick (2011), Un été à Osage County de John Wells (2013), Le Loup de Wall Street de Martin Scorsese (2013) et Les Sept de Chicago d'Aaron Sorkin (2020).

 

Fictions dramatiques européennes et non-européennes après 2010

Un certain nombre de réalisateurs européens célèbres continuèrent à étoffer leurs portefeuilles. Béla Tarr tourna son tout dernier film, Le Cheval de Turin (2011), Lars von Trier s'attaqua à la fin du monde dans Melancholia (2011), puis fit sensation d'abord avec le film en deux parties Nymphomaniac (2013), puis avec The House That Jack Built (2018), tandis que Gaspar Noé choqua de la même manière avec le drame érotique Love (2015), alors que Michael Haneke réalisa deux drames étroitement liés, Amour (2012) et Happy End (2017), récompensés par un Oscar. Thomas Vinterberg fit preuve d'une forme extraordinaire avec La Chasse (2012) et l'oscarisé Drunk (2020) ; Fatih Akin réussit avec In the Fade (2017), tandis qu'Andrei Konchalovsky avec Les Nuits blanches du facteur (2014) et Andrey Zvyagintsev avec Elena (2011), Léviathan (2014) et Faute d'amour (2017) furent les réalisateurs russes les plus en vue. Leos Carax frappa les esprits avec Holy Motors (2012), les frères Jean-Pierre et Luc Dardenne contribuèrent à leur filmographie avec Le Gamin au vélo (2011) et Deux jours, une nuit (2014), François Ozon a ajouté Jeune et jolie (2013), Grâce à Dieu (2018) et Eté 85 (2020), et Pedro Almodóvar a réalisé les louables Julieta (2016) et Douleur et gloire (2019).

En Roumanie, les réalisateurs de la nouvelle vague roumaine Cristian Mungiu (Baccalauréat, 2016), Cristi Puiu (Sieranevada, 2016) et Radu Jude (« Peu m'importe si l'Histoire nous considère comme des barbares », 2018) poursuivirent leur travail. En Grèce, un flot de films de renommée internationale émergea parallèlement à la crise économique du pays ; il s'agissait de descriptions satiriques absurdes et bizarres d'une société humaine pervertie, qui méritèrent le surnom de "Weird Greek Wave". Cette vague a débuté avec Attenberg d'Athina Rachel Tsangari (2010) et Canine de Yorgos Lanthimos (2009), qui deviendra le réalisateur grec le plus recherché avec ses films suivants Alps (2011), The Lobster (2015) et Mise à mort du cerf sacré (2017). Le réalisateur philippin Lav Diaz se rendit célèbre pour ses films extrêmement longs et lents From What Is Before (2014) et La Femme qui est partie (2016), et le réalisateur turc Nuri Bilge Ceylan gagna en notoriété avec ses drames Il était une fois en Anatolie (2012), Winter Sleep (2014) et Le Poirier sauvage (2018). Parmi les drames chinois, il convient de souligner l'enivrant et rêveur Un grand voyage vers la nuit (2018), qui comportait une scène 3D d'une heure tournée en une seule prise, et la saga familiale aux connotations sociales graves So Long, My Son (2019), qui mettait en lumière les inconvénients de la Révolution culturelle et de la politique de l'enfant unique en Chine. Dans le domaine de la fiction dramatique japonaise, les films du réalisateur Hirokazu Kore-eda, qui dépeignait les histoires de différentes familles dans Tel père, tel fils (2013), Notre petite sœur (2015), Après la tempête (2016) et Une affaire de famille (2018), attirèrent le plus de prestige.

Les films polonais les plus réussis furent les films oscarisés Ida (2013) et Cold War (2018), de Paweł Pawlikowski, et le drame La Communion (2019), de Jan Komasa. En Italie, ce sont deux cinéastes diamétralement opposés qui rencontrèrent le plus de succès : Paolo Sorrentino, dont les films oscarisés La Grande Bellezza (2013) et Youth (2015) traitaient de la vie de l'élite, pendant qu’Alice Rohrwacher, dont les drames sociaux Les Merveilles (2014) et Heureux comme Lazzaro (2018) s'intéressaient aux personnes issues de la classe sociale inférieure. La Suède découvrit Ruben Östlund et ses films primés Play (2011), Snow Therapy (2014) et The Square (2017), tandis qu'en France, le Canadien Xavier Dolan et ses drames Les Amours Imaginaires (2010), Laurence Anyways (2012), Mommy (2014), Juste la fin du monde (2016) et Matthias et Maxime (2019) furent une révélation. En outre, les films français La Vie d’Adèle (2013), 120 Battements par minute (2017) et Portrait de la jeune fille en feu (2019) eurent également eu un impact significatif.

En Iran, Asghar Farhadi (Une séparation en 2011 et Le Client en 2016, tous deux récompensés par un Oscar) et Jafar Panahi (Taxi Téhéran en 2015, Trois visages en 2018) devinrent les meilleurs cinéastes du pays. Parmi les cinéastes mexicains, ceux qui eurent le plus de succès sont Alfonso Cuarón (Roma, oscarisé en 2018) et Carlos Reygadas (Post Tenebras Lux en 2012 et Our Time en 2018). Parmi les films allemands, la comédie dramatique Toni Erdmann (2016) et les films Chemin de croix (2014), L'Oeuvre sans auteur (2018) et Benni (2019) furent particulièrement remarquables, tandis que les films hongrois se distinguaient avec le drame oscarisé sur la Shoah Le Fils de Saul (2015) et le drame romantique Corps et âme (2017). Parmi les autres films à ne pas oublier figurent le géorgien La Terre éphémère (2014), le film bulgare Glory (2016), le film norvégien Thelma (2017), le film sud-coréen Burning (2018), le film chilien oscarisé Une femme fantastique (2017), le film canadien Genèse (2018) et le film islandais Un jour si blanc (2019), le film tchèque The Painted Bird (2019), le film danois-suédois Queen of Hearts (2019) et le film norvégien-suédois Hope (2019).

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