POMO

Bon sur le plan de la technique et de l'interprétation, Leere Netze est film au concept clair qui reste toujours pertinent. Mais l'intrigue est faible, pas très dramatique ni vraiment passionante, sans aucun interlude artistique qui aurait pu la rendre plus intéressante. [Festival du film de Karlovy Vary]

Le film est captivant et on ne s’ennuie pas : on est curieux de savoir ce qui va se passer. Alicia Vikander est merveilleusement fragile et courageuse à la fois et Jude Law est répugnant à souhait. Mais le conflit central entre les deux personnages ne constitue pas à lui seul, dans cette réalisation scénaristiquement simple, un enjeu suffisant pour faire d’un long métrage de deux heures un drame historique distinctif et mémorable. [Festival du film de Karlovy Vary]

Un film intimiste à petit budget et banal dans son sujet, mais irréprochable dans le détail et intéressant parce que Ewan McGregor et sa fille Clara McGregor s’y retrouvent en tant que père et fille devant la caméra. [Festival du film de Karlovy Vary]

Je n’avais pas vraiment envie de voir Donjons et Dragons et la surprise n’en a été que plus agréable. Le schéma de l’intrigue est cliché, mais il est agrémenté de nombreux détails imaginatifs et plaisamment ludiques, comme le jeu des dialogues, qui montrent plus d’intelligence de la part des créateurs du film qu’il n’est habituel pour ce genre d’histoires bouffonnes. Si la qualité se maintient à ce niveau, cette franchise sera couronnée de succès.

Un film qui sait ce qu’il fait avec chaque scène, chaque personnage, chaque moment d’humour, chaque chorégraphie de combat et chaque rebondissement inattendu. Et malgré le mélange d’un sujet sérieux et d’une abstraction comique, il ne tombe jamais dans la facilité ou la surenchère. En termes de scénario, il est trois fois plus sophistiqué que Sisu, et en termes de réalisation, il est d’un goût et d’une fraîcheur que peu de films égalent sans avoir recours à des acteurs plus connus.

Il est dommage de constater le niveau de stupidité de nombreuses scènes du film, car les décors naturels sont atmosphériques et les monstres sont impressionnants. L’idée de situer l’action sur la Terre avant notre civilisation, à « l’époque des dinosaures », est également bonne en soi. Les films de science-fiction de série B doivent faire appel à un minimum de bon sens, et ce d’autant plus que les budgets sont modestes. Ici, avec une production solide sous la houlette de Sam Raimi et un acteur de premier plan dans le rôle principal, le manque d’intelligence est un point négatif encore plus important.

Un film « social » moins dramatique et plus prévisible que le précédent long-métrage de Ken Loach, Sorry We Missed You, mais qui reste humainement et émotionnellement engageant. The Old Oak montre le choc des cultures entre villageois britanniques et réfugiés syriens. Loach saisit aussi le conservatisme des plus âgés qui ont fait leurs armes en tant que membres de la classe ouvrière, et restitue avec empathie la culture et la douleur intérieure des migrants, qui ne sont en aucune manière pires ou inférieurs aux « autochtones ». Mais le récit de vie le plus marquant provient de la rencontre des deux cultures et c’est celui de l’exploitant du pub local, à qui ne fait défaut ni le caractère explosif des gens du cru, ni la sympathie et la volonté de rendre service. La mise en scène de Loach est traditionnellement simple sur le plan visuel, mais sincère dans sa dimension humaine et centrée à 100% sur les personnages. [Festival de Cannes]

Une autre version du thème de la liaison d’un jeune homme avec sa belle-mère, au sein d’une famille par ailleurs normale. Le film est correct, il fonctionne psychologiquement à tous les niveaux, même lorsque la situation se complique et que la vérité est sur le point d’éclater. Mais Dronningen, la version dano-suédoise sur ce thème, est bien plus dramatique, plus animale sur le plan sexuel et plus mémorable. [Festival de Cannes]

Encore une excellente performance de Sandra Hüller, à l’affiche de deux films qui se sont retrouvés en compétition à Cannes cette année (l’autre étant The Zone of Interest). Son apparence et sa façon de s’exprimer sont plutôt froides, on sent en elle la meurtrière, mais elle joue l’innocente de façon tout à fait naturelle. Son casting était déjà un joli coup. Sinon, il s’agit d’un film très dialogué, d’une durée assez longue, qui comprend également un procès avec une enquête procédurale intéressante sur un événement tragique. Bien réalisé, Anatomie d’une chute est guidé par l’ambiguïté dans la difficile recherche de la vérité. [Festival de Cannes]

Un film agréable sur la joie de vivre en dépit de tous les obstacles que le destin met sur notre chemin. Le personnage principal est un gentleman à l’attitude toujours positive, qui ne trouve pas le travail de nettoyage des toilettes de Tokyo dégradant, car il en comprend l’importance au sein de la société. Et cette société, ainsi que les gens qui la composent, il les considère avec amour et respect. Wim Wenders est aussi capable de raconter de manière intéressante la vie quotidienne d’un tel héros de film : en révélant progressivement son passé à travers les personnages qui apparaissent dans le récit et par le biais de chansons familières judicieusement choisies, Wenders est capable de définir l’état d’esprit qui l’habite. Derrière chaque façade joyeuse se cache toujours un peu de tristesse. Une grande performance de l’acteur japonais Kōji Yakusho, qui parvient à exprimer plus de choses sans parler qu’il ne pourrait le faire avec des mots. [Festival de Cannes]