POMO

Il était clair que Garland n’allait pas faire de ce sujet une superproduction. En revanche, il n’était pas évident de savoir ce que sa maîtrise de l’équilibre entre la réalité et les dimensions au-delà de la perception humaine apporterait à un film qui est censé ne reposer que sur un réalisme brut. Civil War contient des scènes grandioses avec des chars et des hélicoptères, mais sans un incroyable concept cinématographique comme celui qu’Alfonso Cuarón nous avait présenté dans Les Fils de l’homme, et qui aurait été nécessaire ici. Au fond, Civil War n’est qu’un « road movie » intimiste à travers une Amérique brisée, avec trois journalistes chevronnés et une journaliste débutante, dont l’innocence contraste avec l’expérience et le détachement professionnel des autres. La question de savoir pourquoi une si jeune fille ferait un tel travail trouve une réponse immédiate : « I’ve never been so scared in my entire life. And I’ve never felt more alive. » ___ Civil War évite le sentimentalisme et atténue la tonalité sombre de l’histoire par l’utilisation de vieux tubes de pop américaine, mais il manque l’optique artistique pour laquelle nous aimons Garland. Le film aurait dû être entièrement composé de scènes explicitement terrifiantes, mais il n’en contient qu’une seule. Elle reflète la mentalité unidimensionnelle de la population « redneck » des États-Unis, et Jesse Plemons y excelle. Le réalisateur accentue la crudité non pas avec une musique instrumentale sombre, mais avec le bruit intense des armes à feu. Et même si le film est captivant et engageant grâce à ses personnages, il lui manque des conflits plus raffinés et inattendus, ainsi qu’une réflexion qui aille au-delà d’une mise en garde contre Donald Trump. Et le dénouement est littéralement ridicule.

Sensationnel. Le récit s’inspire clairement du film Free Solo, récompensé par un Oscar. Mais ce dernier portait sur le meilleur grimpeur professionnel du monde et avait été tourné par le meilleur réalisateur de films en plein air du monde. Skywalkers est un projet de passionnés sur un couple de jeunes aventuriers, avec de nombreuses vidéos prises à l’aide de téléphones portables et de drones, dont certaines sont chargées d’adrénaline. Le voir sur grand écran, c’est en faire l’expérience avec eux. Une sacrée poussée d’adrénaline ! Mais ce qui rend le film si sensationnel, c’est l’entrelacement de leur hobby potentiellement mortel, dans lequel ils trouvent le sens de la vie, avec l’histoire d’amour qui se développe entre eux grâce à leur passion commune et qui, à travers une confiance absolue l’un envers l’autre et un soutien mutuel, les aide à réaliser l’impossible. Et le fait que leur histoire sur Instagram se déroule entre le début de la pandémie et l’invasion russe de l’Ukraine (qu’ils désapprouvent). Une belle lettre d’amour, puissamment émotionnelle. [Festival du film de Miami]

Mieux vaut une courte vie dans la liberté qu’une longue « non-vie » sous une dictature communiste. Une histoire vraie et puissante de jeunes Cubains des années 1990 qui ont choisi la liberté. Le film puise son esprit joyeux dans un sanatorium isolé, où se retrouvent ses personnages après avoir décidé d’abréger leur propre vie en s’injectant délibérément le VIH. Parce qu’ils peuvent vivre là-bas comme ils l’entendent. La première partie, en ville, est cependant plus intéressante – plus brute, plus dramatique, chargée d’agitation et d’énergie rebelle. Dans le sanatorium, la constellation de personnages a tendance à verser dans le cliché ou le kitsch léger. Mais la fin fonctionne bien. Cette communauté méritait que son histoire fasse l’objet d’un film. Les réalisateurs de superproductions Phil Lord et Christopher Miller aspirent à faire une incursion dans le cinéma indépendant. [Festival du film de Miami]

Une contemplation de la vie et de la mort en parlant à la Mort, incarnée par un oiseau numérique – parfois assez petit pour tenir dans l’oreille, parfois aussi grand qu’un monstre de cinéma. Et ce n’est que le début. L’étonnement initial du « quel genre de film est-ce là ? » disparaît peu à peu pour laisser place à une allégorie transparente sur l’adieu à un être cher et l’acceptation de sa perte. Mais pourquoi l’auteur a-t-il choisi une voie aussi naïve et enfantinement littérale ? Il s’agit d’une fantaisie bizarroïde similaire au raté Trois mille ans à t’attendre, que les spectateurs pourront aimer ou détester à leur guise. [Festival du film de Miami]

La première moitié de Fallen Fruit présente le protagoniste dans ses tâtonnements de jeunesse – tout juste sorti d’une rupture, réticent à travailler, et sans idée de ce que l’avenir lui réserve. Le film lui-même est légèrement ennuyeux et tout aussi tâtonnant, avec des dialogues faibles, les caractéristiques d’un film d’étudiant et un faux pas narratif du genre « n’importe quoi » (deux parfaits inconnus s’aperçoivent brièvement à travers la vitre d’une voiture qui passe et s’envoient des textos quelques heures plus tard). À l’approche d’un ouragan, cependant, les parents du protagoniste se joignent à la présentation de sa vie quotidienne, des personnages vus plus tôt donnent des contours plus significatifs aux raisons de sa solitude, et Fallen Fruit s’avère être un portrait honnête d’un jeune homme vivant à Miami, avec une identité exprimée avec justesse pour cette ville exotique qui produit initialement un effet « waouh », mais dont le côté accueillant est feint. [Festival du film de Miami]

Stop ! Or My Grandma Will Shoot ! Une comédie « d’action » attachante avec du cœur et une excellente June Squibb. Une performance admirable pour une actrice de 94 ans, avec une multitude de gestes humoristiques et de moments dramatiques sensibles. L’interaction entre les personnages de la famille et les méchants est conventionnelle mais écrite de manière efficace, avec un casting surprenant pour le rôle du méchant principal. Pour ma part, cependant, en ce qui concerne les comédies sur les personnes âgées, je préfère les films européens plus sarcastiques et plus culturellement distinctifs, du type Mr. Ove. [Festival du film de Miami]

Le documentaire choque par sa description des conditions dans lesquelles les autorités américaines autorisent n’importe qui aujourd’hui à garder un animal en captivité, comme la célèbre orque Lolita qui a vécu au SeaQuarium de Miami pendant des décennies. C’est comme s’il n’y avait pas de lois contre la cruauté envers les animaux, ou que personne ne les observait. Le film suit un groupe d’Amérindiens de la région d’origine de l’orque qui s’efforcent de la libérer. Ils expliquent leur lien spirituel avec l’orque et l’importance de la ramener dans ses eaux natales, où elle pourrait encore rencontrer sa mère cinquante ans plus tard. Ne vous attendez pas à retrouver ici une histoire comme celle de La Sagesse de la pieuvre et les émotions qu’elle suscite, car Resident Orca est un documentaire purement de type « montage télévisuel » avec des interviews de personnes impliquées dans le dossier. Sa force réside dans la question de savoir si l’orque pourra être libérée et dans l’issue inattendue de l’histoire. [Festival du film de Miami]

Ce n’est qu’ici et maintenant que je réalise quel genre d’acteur nous avons perdu en la personne de Heath Ledger. Le Secret de Brokeback Mountain est un « western romantique non conventionnel » magistralement écrit et réalisé, qui a pour cadre des compositions extérieures incroyables, mais qui est en même temps puissamment intime, avec des émotions cachées et la tragédie d’un bonheur inassouvi longtemps tenu à portée de main. Ang Lee guide les acteurs principaux et secondaires dans ses images et ses compositions de montage comme s’il peignait un tableau. Dans une atmosphère de campagne américaine rétro et rude, il compose une mosaïque parfaitement focalisée de désirs et de rêves silencieux, à laquelle les tonalités de la musique subtilement complémentaire de Santaolalla apportent avec hésitation le vent froid de la montagne et la poussière de la prairie. Chaque scène est une étape précisément réalisée d’un point de vue cinématographique dans la construction des personnages et la narration d’une histoire couvrant vingt ans de la vie de deux êtres qui ne pouvaient ni vivre ensemble ni vivre l’un sans l’autre. Et de la vie de ceux qui les entourent, affectés par les tristes événements qui en résultent. ___ Le Secret de Brokeback Mountain m’a démoli par sa conclusion minimaliste de l’histoire dans la forme la plus digne de l’art cinématographique - sans la moindre trace de kitsch ou de larmes arrachées par d’autres moyens cinématographiques que la fin silencieuse de l’histoire hors écran, qui se rattache si fortement aux événements précédents qu’elle vous brise le cœur. Lorsqu’elles sont réussies, comme c’est le cas ici ou dans Call Me by Your Name, ces histoires d’amour homosexuelles tristes ont une base beaucoup plus dramatique, dans la souffrance des personnages face à leurs différences sociales et à leur destin contrarié, que les films conventionnels sur les relations hétérosexuelles. Une autre raison probable est aussi qu’il est beaucoup plus facile de trouver une nouvelle petite amie quand les choses n’ont pas marché avec la précédente que de trouver une connexion forte avec quelqu’un qui fait partie d’un groupe qui ne représente que deux pour cent de la population. C’est peut-être un peu comme si un cinéphile ne tombait sur un film aussi bien réalisé que celui-ci toutes les quelques années.

Dynamique, vivant, émouvant et techniquement brillant. L’intrigue est peut-être stéréotypée et les dialogues ridiculement basiques, mais tout cela est dépassé par le fait qu’il s’agit d’une histoire vraie que nous ne croirions pas si elle ne s’était pas réellement produite (!). L’intégration d’éléments de jeu dans le monde réel est réalisée avec tant de goût et d’art qu’elle fait de Gran Turismo la meilleure et, surtout, la plus significative adaptation cinématographique d’un jeu vidéo à ce jour. Ne le comparons donc pas aux drames de course plus matures et cérébraux, mais diamétralement opposés, que sont Rush ou Le Mans 66.

Ce drame tranquille tourné en pleine nature sauvage raconte l’histoire d’une femme qui fait face à une perte douloureuse en s’enfermant dans une cabane de montagne sans électricité, sans eau courante et sans toilettes intérieures. Puis un ours arrive. Et l’hiver sera rude. Mais il ne s’agit cependant pas d’un film de survie ; un voisin chasseur gentil et attentionné joue un rôle plus important que l’ours... Un film intimiste et relativement peu marquant, avec lequel la célèbre (et grande) actrice Robin Wright s’est essayée à la réalisation.