POMO

Idéal pour une gueule de bois de lendemain de réveillon. Pas de dialogue, juste la narration visuelle spectaculaire typique de John Woo, comme dans un film de Van Damme des années 90. Avec des scènes d’action décentes et un Joel Kinnaman plausible dans le rôle du « héros d’action du peuple ». Silent Night est une sorte de Nobody plus paresseux sur le plan du scénario, sans l’humour et avec un peu de kitsch, par exemple lorsqu’un père en deuil voit le visage de son fils mort dans une boule de Noël. Et il n’y avait pas de colombes blanches dans le film, ou alors je les ai ratées ?

Une excellente histoire de fantômes revisitée, avec la bonne idée d’une communication avec l’au-delà et des personnages adolescents réalistes dont le drame relationnel est aussi fort et important que la dimension du mystère. Des visages inconnus, une ambiance de plus en plus sombre et une fin particulièrement réussie. Un premier long métrage australien qui répond aux standards de qualité des meilleurs projets du producteur Jason Blum.

La cadence des rebondissements inattendus, qui ne cessent de faire monter la tension de la situation, aurait pu sembler bonne sur le papier. Mais en termes de vraisemblance et de plausibilité, le résultat est aussi fuyant qu’une passoire. Et la mère blonde qui devait être le moteur du film est presque risible. Une tentative ratée de pimenter le thème traditionnel du « home invasion ». Je préfère ne me souvenir de l’actrice Joely Richardson que dans de meilleurs films.

Le premier quart d’heure introduit de façon magistrale les personnages centraux, leurs souffrances intérieures, leurs conflits et leurs motivations. Et en particulier le personnage d’Enzo Ferrari, industriel et ingénieur, homme de fer et de principes à la vie familiale brisée. Adam Driver était né pour jouer ce rôle, l’énergie et le ton du film reposent encore plus sur lui que sur les voitures. La musique sombre et en même temps énergique de Daniel Pemberton, parfois accompagnée de voix, donne une âme au film. Le style rétro des décors et des autres personnages est excellent, et chacun des acteurs secondaires a la personnalité nécessaire. Les dialogues pertinents mettent en lumière le danger mortel inhérent à la passion des coureurs, ainsi que la position délicate de Ferrari et de son entreprise dans l’industrie automobile – la responsabilité en matière de vies humaines dans le cadre de la course non seulement au prestige, mais aussi au maintien fondamental de l’activité de l’entreprise.

Ces 140 minutes filent comme de l’eau. Juan Antonio Bayona maîtrise le métier et les règles du genre, et il tient là une histoire vraie et puissante. Il ne s’attarde pas sur le prologue ou sur l’avion en vol, et il plonge ses personnages dans l’enfer des neiges dès que possible. Ce n’est que là que nous apprenons à les connaître. Les confessions mutuelles de sentiments dans une situation désespérée sont efficaces, et le nombre sans cesse croissant de personnages qui meurent ajoute au drame. Le cannibalisme est présenté de manière subtile et choque surtout par la durée pendant laquelle les protagonistes de l’histoire ont dû y recourir. Et comment ils s’y sont habitués. De bons acteurs et une fin de film impressionnante avec quelques réflexions entre les lignes. Le seul reproche que je ferais concerne le travail d’orientation dans le montage de certains plans représentant l’exploration de la zone montagneuse autour de l’avion.

Un rôle typique pour l’excellent Barry Keoghan dans un drame relationnel aux accents du Talentueux Mr Ripley, dans le cadre de La Favorite avec des tubes Britpop. Cependant, la panoplie de personnages de la famille aisée que le personnage de Keoghan infiltre ne parvient pas à éveiller la compréhension, l’intérêt ou la sympathie du spectateur, et c’est là que la toile de leurs relations, cruciale pour la dramatisation du film, s’effondre. Ces relations ne sont tout simplement pas bien établies. En conséquence, le film devient une construction cynico-psychologique ambitieuse mais inefficace, avec quelques scènes intéressantes et une ambiguïté constante qui suscite la curiosité. Mais au final, même cela semble être le résultat de la même mise en scène approximative avec laquelle Emerald Fennell a réalisé Promising Young Woman.

Un « slasher » épique bien mitonné. Si Thanksgiving manque d’atmosphère et de frissons, il bénéficie d’une connaissance évidente du genre, et d’un scénario qui parvient à lui donner un élan spectaculaire et même à surprendre par moments. On assiste ici non seulement à des massacres sanglants, mais aussi à un enlèvement impressionnant, et les scènes de chasse au meurtrier font penser au Silence des agneaux ou à Seven. Même le clin d’œil à Halloween dans le premier plan du film indique clairement qu’il ne s’agit pas ici de piller les classiques, mais simplement de leur témoigner du respect. Par endroits, les meurtres sont agréablement exagérés à la manière d’un film de série B, comme un dîner de Thanksgiving bien grillé et croustillant à la limite du dégoûtant. Et la cerise sur le gâteau, Nell Verlaque, est d’une beauté sans équivoque.

Naïf, mais sympathique. La découverte rétrospective du qui, du quoi et du pourquoi est bien pensée dans la première moitié du film, et la course à vélo de la seconde moitié est encore plus rapide, plus intense et semée d’embûches. La probabilité d’une telle rencontre « fortuite » à Manhattan est infime et poursuivre un vélo avec une voiture dans les rues encombrées de New York n’est pas réaliste, mais le film ne se prend pas au sérieux, alors ça va. Les filles sont jolies, Joseph Gordon-Levitt est sympathique et le méchant Michael Shannon est suffisamment excentrique et détraqué pour une comédie d’action. Les cyclistes s’en donnent à cœur joie, l’action est spectaculairement filmée et montée.

Un Funny Games sans prétentions artistiques, sans pitié ni compromis sur le niveau des horreurs représentées à l’écran, qui pourrait néanmoins rester confortable pour le spectateur. Miguel Ángel Vivas crée une atmosphère oppressante avec de longs plans accompagnés d’un pressentiment de malheurs que le spectateur espère ne pas voir se produire, car il sait qu’il pourrait facilement se retrouver dans la même situation dans la vie réelle. Et ces malheurs finiront par arriver... Mais au-delà ce jeu psychologique intelligemment composé et joué avec le spectateur, le scénario dénote également une volonté sinistre de bousculer ce dernier en franchissant les limites habituelles du divertissement de genre. Et ce faisant, il échoue sur le plan même où l’on applaudit la prudence sophistiquée de Haneke.

Un film dans la même veine que Don’t Look Up et White Noise de Netflix. Tout aussi bien ciblé, mais ratant son coup, comme on pouvait s’y attendre. Des dialogues intelligents avec quelques réflexions existentielles, mais aucune véritable révélation. Des scènes de tension croissante qui renforcent la dramaturgie du film, mais qui ne font à chaque fois que suggérer ce qui peut se passer « là-bas au dehors ». Des cerfs numériques pour une touche de mysticisme, mais sans ancrage significatif dans la structure de l’intrigue. La cinématographie élégante et inventive séduit, mais elle n’atteint pas le niveau de créativité audacieuse d’un Jordan Peel. Quant à l’aspect conversationnel, il ne fait qu’essayer de faire de la sociologie au niveau d’un scénario européen ou asiatique. Malgré tout, le film est divertissant et se laisse regarder avec plaisir. Et je comprends aussi que certains puissent y voir une contribution alternative intéressante au genre du film catastrophe. Car c’est exactement de cette façon que cela pourrait se passer.