POMO

Les lamentations répétitives du personnage principal au sujet de ses traumatismes et de ses remords deviennent ennuyeuses à la longue, mais le ton lugubre de l’effondrement de la situation du Japon dans la guerre ajoute beaucoup au monstre gigantesque. Sur fond de musique sombre et inquiétante, Godzilla symbolise ici les horreurs de la guerre, y compris la menace nucléaire dévastatrice. Les scènes océaniques avec le monstre sont excellentes, avec une montée en puissance et des idées pour exploiter au maximum ses capacités physiologiques. Il est effrayant, en colère et indestructible. Les scènes avec Godzilla en ville ne sont que secondaires, comme si les producteurs n’avaient pas voulu répéter ce qui a déjà été vu des centaines de fois (même dans des films de monstres américains) et avaient souhaité conserver la spécificité aquatique et maritime de l’histoire. Le budget de 15 millions de dollars pour un tel déluge d’images de synthèse de haute qualité est tout simplement incroyable, et le succès du film dans les salles américaines pourrait marquer un changement dans l’état d’esprit des comptables d’Hollywood quant à ce dont un bon film a besoin, et ce dont il n’a pas besoin. À cet égard, Godzilla Minus One est un « phénomène transformationnel » de cette année, tout comme l’était Barbenheimer.

Pas moins bon que Gladiator (comme nous l’espérions), mais juste un peu meilleur que Robin des Bois (malheureusement). Des moments des étapes historiques de l’ascension de Napoléon et de sa « conquête du monde », intimement mêlés à sa relation avec la femme de sa vie. Le film divertit par ses acteurs et ses combats occasionnels, mais il est intrinsèquement distant au point d’en être fade, sans intérêt ni capacité à trouver les traits de personnalité chez Napoléon sur lesquels la psychologie de son histoire ou toute autre idée puisse être construite. Il n’exploite pas non plus les possibilités offertes par sa confrontation personnelle avec les personnages secondaire, qui aurait pu enrichir le récit d’un contenu substantiel. Et la relation amoureuse de Napoléon, qui fait l’objet d’une attention considérable, reste froide et dénuée d’émotion pour le spectateur. Le caractère routinier de la narration fait craindre que la version longue du réalisateur, bien que plus riche en informations, soit tout aussi dépourvue d’âme. Le premier film historique de Ridley Scott sans identité musicale.

Michael Fassbender bouge, marche et donne des accents intéressants à sa voix. Et c’est tout. Ses monologues sont aussi creux que le métier de son personnage, et on a déjà vu ailleurs l’affrontement naturaliste de deux professionnels au sang froid dans des performances plus intenses. La simplicité de l’histoire ne me dérangerait pas du tout si elle était compensée et agrémentée de moments imaginatifs, d’un profil psychologique original du personnage principal et de jeux sur le plan formel. The Killer, cependant, n’offre rien de tout cela. La forme est précise et nette, mais insipide. Une rencontre à table avec une Tilda Swinton parfaitement bien choisie suscite la curiosité et l’adhésion du spectateur, un peu comme le face-à-face entre Al Pacino et Robert De Niro dans Heat, mais c’est aussi la seule scène du film dont je me souvienne. Pour un David Fincher, ce n’est pas suffisant. En matière de profil de tueur à gages inconnu similairement minimaliste, avec une signature d’auteur et plus impliquant émotionnellement, je préfère nettement The American avec George Clooney.

Un Funny Games adolescent, avec une part d’imprévisibilité dans un scénario bien ficelé, mais aussi avec une mise en scène qui ne parvient pas à dépeindre la gravité croissante de la situation. Lorsque la victime principale est censée être en état de choc à la fin, elle a la même expression que dans le premier tiers du film, lorsqu’elle ne se doutait pas qu’il ne s’agissait pas d’un simple jeu d’enfant. Mais le rôle du méchant gamin est bien distribué et bien interprété, et l’objectif des producteurs de pimenter l’atmosphère familiale de Noël avec un peu de morbidité est louable.

David Harbour fait la moitié du film. Le rôle d’un père Noël au grand cœur avec des racines de Viking dur à cuire était taillé sur mesure pour lui. Mélanger les thèmes de Piège de cristal et de Maman, j’ai raté l’avion !, deux grands classiques de Noël devenus cultes aux États-Unis, est la bonne façon de rejoindre leur rang dans un accoutrement de genre différent. Wirkola y parvient presque – il combine des clichés de Noël avec des idées nouvelles, les membres de la famille en péril ne sont pas des clichés, et la narration est fluide. Il est juste dommage que Harbour ne soit pas confronté à des méchants tout aussi intéressants, pour lesquels nous aurions plus de respect.

En regardant les photos promotionnelles, on se dit qu’il s’agit juste d’un autre film alpin romantique et kitsch. Mais dans la réalité, Ein ganzes Leben est le plus beau film sur la vie en montagne, et sur la vie en général, de ces dernières années. Et aussi celui avec les plus beaux panoramas alpins dans un long métrage. Le choix des lieux et les détails capturés (le trajet en bus) témoignent de la relation du réalisateur avec la montagne et susciteront un sentiment de déjà-vu chez certains spectateurs – c’est pour ces petits éclats magiques dans notre perception subconsciente de la nature alpine que nous y revenons encore et toujours pour y trouver une tranquillité d’esprit. La caractérisation des personnages est précise, avec un protagoniste parfaitement interprété par l’homme de théâtre Stefan Gorski. La scène dans laquelle il conduit sa future épouse dans un chalet de montagne et lui montre et explique pourquoi il s’est installé là est le cœur du film. Il y a le thème intéressant de la construction des premiers téléphériques et de l’arrivée de l’électricité qui en découle dans les villages de montagne, mais aussi celui des accidents mortels qui surviennent au cours d’un travail physique particulièrement dur. La caméra est superbe, constamment « flottante », et la belle musique toujours parfaitement adaptée. Et l’épilogue...

Un film classique, mais avec une histoire forte et deux championnes de l’interprétation, Jodie Foster et Annette Bening, pleinement impliquées dans une œuvre à laquelle elles croient. Une amitié et un soutien à toute épreuve, une volonté et une conviction inébranlables qui font bouger le monde. Du point de vue de l’histoire, le film laisse entrevoir des possibilités d’Oscar, mais il passera probablement inaperçu, tout comme l’excellent Thirteen Lives d’Howard l’année dernière. Je suis heureux de voir Jimmy Chin percer dans le domaine du long métrage.

Dommage que le mal soit, par ses capacités physiques et ses mouvements, si déconnecté de la réalité, alors que le film essaie au contraire de s’y accrocher fermement. Et dommage pour tous ces moments bizarres et mal conçus dans le comportement des personnages ou dans la façon dont ils sont placés de manière générale dans l’enchaînement des scènes. Car sinon, ce « sous-sol de la peur de Holdenfield » manie les clichés du genre d’une manière très intéressante, parvenant à surprendre et à ravir par une cinématographie, un montage et une bande son des plus raffinés.

L’influence du Loup de Wall Street perdure. Marchands de douleur raconte une autre histoire, basée sur des faits réels, de réussite commerciale qui n’était pas tout à fait légale. Emily Blunt est agréable à regarder dans de beaux costumes, et Andy Garcia est bon dans le rôle d’un patron milliardaire. Mais le film repose sur des formules, manque d’une touche artistique dans sa réalisation et, bien qu’il ne soit pas ennuyeux, son intérêt réside uniquement dans le fait d’expliquer comment fonctionne le commerce des médicaments, depuis le fabricant jusqu’aux pots-de-vin versés aux médecins qui ne prescriraient pas ces médicaments autrement. La cupidité et l’égoïsme ruinent la vie des patients. Le personnage d’Emily Blunt est le seul à éprouver des remords et des regrets. Et c’est tout.

Le monde est à toi est un film de gangsters français divertissant qui se déroule en grande partie dans la station balnéaire espagnole de Benidorm, dont le caractère urbain trash et l’ambiance de plage se prêtent à un affrontement entre les membres d’un groupe hétéroclite de criminels. Karim Leklou est bien choisi pour le rôle du petit escroc meurtri et Isabelle Adjani se distingue dans le rôle de sa mère manipulatrice avec un côté voleuse de haut rang. Le personnage de Vincent Cassel est étonnamment peu développé, mais le mafieux britannique joué par Sam Spruell est délectable, malgré ses rares apparitions. Le dynamisme du film repose sur les personnages et leur stylisation intéressante. L’intrigue peut être résumée en une seule phrase et elle est loin d’être aussi sophistiquée et percutante que ce à quoi Guy Ritchie nous a habitués.