POMO

Un film banal avec des personnages banals dans un cadre banal, mais si bien distribué, si bien joué, et suivant avec tant de subtilité et de précision les nuances dramatiques du conflit entre deux personnes nouvellement amoureuses qu’il en devient émouvant. Un film qui a du cœur et surtout une actrice fantastique dans le rôle principal, Pavla Gajdošíková. C’est elle qui lui permet d’atteindre 4 étoiles.

Prenez la belle héroïne de It Follows, ajoutez des forêts impressionnantes, un scénario moyen avec des idées éculées et vous obtenez de la bouillie cinématographique de genre pour les abonnés de Paramount+. C’est intéressant pendant un moment, mais sinon c’est ridicule, complètement fade et sans intérêt.

Black Panther: Wakanda Forever est spectaculaire et coloré : grâce à ses personnages, ses décors, ses costumes et aux excellents arrangements de Göransson, le compositeur de la bande originale. Mais il est également trop long, avec des dialogues répétitifs ressassant les mêmes élements, un « méchant » puissant mais sans véritable personnalité, un monde sous-marin loin d’être aussi élaboré que celui d’Aquaman, et des idées reprises d’autres films Marvel qui ne fonctionnent pas ici (comme les armures d’Iron-Man et le fait de voler à l’intérieur). Le premier Black Panther avait surpris par son esprit distinctif, et par sa mystique africaine convaincante sur les racines ethniques d’un nouveau mouvement de super-héros qui fonctionnait très efficacement. Il s’agit là d’une formule Marvel toujours digne d’intérêt, mais modifié uniquement pour la forme.

Babylon propose une représentation subjectivement non pertinente et esthétiquement décousue des débuts d’Hollywood, avec des personnages principaux éculés (Brad Pitt), inintéressants (Diego Calva) ou ennuyeux (Margot Robbie). Chazelle a dépassé toutes les bornes. Sans les interludes de jazz qui accompagnent le film, on n’y reconnaîtrait même pas l’œuvre du réalisateur. Les fêtes endiablées et les scènes chaotiques de tournage sont divertissantes, mais on y perçoit déjà une forte théâtralité. La séquence du tournage de la première scène parlée est la meilleure de tout le film, à la fois pour sa chute et pour sa dimension cinéphilique. Mais lorsque Babylon s’éternise et vire à la complainte funeste sur l’incapacité d’évoluer avec le progrès, le film se détériore progressivement jusqu’au Los Angeles présenté comme un véritable trou à rats, soit la scène la plus « n’importe quoi » du film.

M. Night Shyamalan, adepte superstitieux des valeurs traditionnelles, est à court d’idées pour ses retournements finaux, alors il se préoccupe au moins ici de problématiques sociales plus complexes. En l’occurrence, l’adoption par des personnes de même sexe. L’intention dramaturgique à l’égard du public est claire, sauf que pour que cela fonctionne, il faudrait que nous soyons convaincus de la gravité de la situation de violation de domicile (qui est divertissante dans le contexte du genre cinématographique du « home invasion », mais qui ne peut simplement pas être prise au sérieux) et que nous ne croyions pas à la théorie avancée par les intrus (ce que nous n’avons aucune raison de faire, puisque tout est possible avec une constellation de personnages aussi bizarres, et dans un film de Shyamalan de surcroît).

« J’ai passé une coloscopie le mois dernier, et c’était comme admirer une peinture de Jackson Polyp. » Un si beau début... pour un résultat si terne. Le couple central est entraîné dans une descente aux enfers par le biais d’un symbolisme sinistre, d’une sexualité aguichante et d’un accident tragique. Infinity Pool associe onirisme lynchien, physicalité cronenbergienne, et punk kubrickien. Mais ce sont les fulgurances à la Orange mécanique qui constituent les dernières choses à fonctionner de manière intéressante dans la seconde moitié du film. L’énorme potentiel des premiers motifs introduits reste inexploité : il aurait été formidable d’explorer la psychologie de la relation du couple central (elle ne sait pas ce qui a changé et le découvre progressivement avec horreur), de dévoiler le monde bizarre de l’île avec ses règles terrifiantes, et d’entrelacer métaphoriquement le tout avec le thème de la recherche d’inspiration par un écrivain épuisé. Au lieu de cela, le fils Cronenberg et son héros restent prisonniers de la vanité antagoniste non justifiée d’une bande de personnages déconnectés de toute empathie ainsi que de leur propre identité.

The Whale offre un mélange équilibré de psychologie intimiste et d’émotion touchante. Le film est captivant, en particulier grâce à un personnage principal comme le cinéma n’en avait jamais connu auparavant, choquant par son apparence mais dont on prend plaisir à explorer l’intériorité. Brendan Fraser, avec un maquillage incroyable, est excellent, et il est parfaitement secondé par Sadie Sink dans le rôle de sa fille. Leurs rencontres à l’écran débordent d’émotions non exprimées, de colère causée par les blessures subies d’un côté, et de regrets de l’autre. Alors oui, le personnage de Fraser s’apitoie trop sur son sort et sa découverte de l’importance de l’honnêteté dans la vie est risible, mais malgré cela, The Whale reste un film beau et sensible, qui ne manque pas d’apports artistiques de la part de son auteur.

Sick est le nouveau long-métrage du scénariste de films d’horreur qui s’est fait connaître avec la franchise Scream. Il s’agit d’un « slasher » classique, mais suffisamment incisif, rapide et bien ficelé, avec des éléments volés à d’autres films mais aussi des moments surprenants. Le thème du Covid est plutôt risible mais potentiellement réaliste. Les gens sont fous.

Vu dans le contexte des films d’action génériques et niais mettant en vedette Gerard Butler, Mayday est agréablement rafraîchissant par son cadre asiatique exotique et ses « méchants » auxquels nous avaient plutôt habitués les films de Rambo. Le capitaine s’estime responsable de ses passagers et son passé militaire lui permet de savoir tenir une mitraillette entre les mains. Le film joue sur le thème du « buddy movie », le héro passe des appels longue distance à sa fille, etc. En revanche, les effets spéciaux lors de l’atterrissage d’urgence de l’avion sont médiocres.

Un beau sujet pour l’étude psychologique de l’esprit d’un enfant qui déraille dans sa relation avec sa propre famille. Mais le cinéaste le présente de la manière la plus creuse possible. Le format 4:3 et la musique minimaliste suggèrent des ambitions artistiques (avec son personnage principal, le film rappelle Elephant de Gus Van Sant) et une tentative de susciter l’interrogation et le débat chez le spectateur, mais pour cela, le film aurait dû contenir au moins quelques éléments sociologiques et motifs de comportement qui fassent sens.