POMO

A comparer avec les performances de Butler sur la protection des présidents américains. Un crime sale avec des flics durs opérant à la « gangsta » et des méchants qui ressemblent certes à des tueurs, mais qui savent toujours avoir une longueur d'avance sur les défenseurs de la loi. Une bonne idée scénaristique avec le principal braquage d'une banque (son lieu d'action), des fusillades réalistes et captivantes. Il copie beaucoup le classique Heat, mais plus de vingt ans après, et surtout - si c'est sa version « série B », alors c'est une sacrément bonne version « série B ».

En IMAX, c'était incroyable. Le spectacle spatial de l'année, avec un rythme effréné, des (digi)lieux étonnants, une caméra parfaitement utilisée et de la nostalgie, soutenue par les apparitions inattendues des anciens personnages. Lors de la confrontation finale, nous avons ressenti une force presque équivalente à la résistance finale de Sauron. Et enfin, j'ai apprécié Daisy Ridley. La révélation des nouvelles identités des anciens personnages n'avait pas beaucoup de sens pour moi, mais comme je ne me souviens pas exactement de ce qui s'est passé dans l'épisode précédent, cela m'était égal (je ne considère pas cette trilogie comme faisant partie de mes STAR WARS préférés, c'est juste une exploitation commerciale). Cependant, la deuxième projection sur un écran nettement plus petit, où on ne pouvait pas ne pas remarquer le manque de respect (dans la narration d'une histoire cohérente) envers le spectateur, a dévalué mon impression du film. C'est juste un tour de montagnes russes spectaculaire à usage unique, un appât pour la nouvelle section Star Wars de Disneyland.

Un thriller imprévisible sur la collision de couches sociales, formellement et psychologiquement souveraines comme chez Kubrick. Bong Joon Ho est un maître de la réalisation cinématographique - depuis la caractérisation chirurgicalement précise des personnages pour les besoins de l'histoire, jusqu'à leur placement dans un environnement intéressant (qui deviendra presque son prochain personnage), jusqu'à la jonglerie imprévisible avec les principes et les rebondissements du genre, ou des ajouts métaphoriques qui appuient cette manigance souverainement construite avec des points d'interrogation stimulants. Il est peut-être le seul frère créatif de David Fincher, par ailleurs culturellement plus exotique, dépassant les standards du genre américain universel. Pour cela, bien sûr, la volonté du spectateur d'accepter une logique sensiblement différente de l'issue des conflits est nécessaire, là où je me suis retrouvé coincé - tout comme, par exemple, avec l'issue d'Old boy. La conclusion de l’histoire de Parasite m’a semblé invraisemblable, insuffisamment motivée, exacerbée principalement pour fournir une éventuelle profondeur et une clôture de la réflexion.

Trois scènes du Seigneur des Anneaux, tournées dans une adaptation télévisée idiote de 105 minutes avec une affiche impressionnante. Les effets visuels sont plutôt bien, comme dans un conte de fées danois, mais les masques et les dialogues sont désastreux. Une monstruosité.

Un joli portrait souriant d'une brève flambée d'amour entre deux filles, avec des nuances délicates et subtiles d'émotions dans leur découverte mutuelle et leur promenade ultérieure dans l'amour. Et c'est tout. Les émotions sont tellement réprimées ici (comme dans « l'art supérieur ») que le spectateur devient uniquement un observateur, pas un participant. Sans parler de l'absence totale d'animalité. La comparaison avec Call Me by Your Name est justifiée, ironiquement, car c'est justement son animalité (si importante dans le portrait cinématographique de l'intimité entre deux personnes) que la grande majorité des spectateurs accueillerait volontiers ici. Les deux filles jouent de manière fantastique et cela se voit dans leurs yeux, mais nulle part ailleurs. Et la scène finale, bien qu'elle clôture magnifiquement leur triste histoire, ressemble trop à celle de Birth de Glazer.

C'est comme si quelqu'un voulait lancer une nouvelle équipe d'action Netflix à la manière de M:I. Bay, cependant, ne considère malheureusement pas comme important de créer des sympathies pour les personnages, qui sont la deuxième chose la plus importante dans ce genre après l'action. Ou du moins leur donner une caractérisation plus étendue que les voitures, les bateaux ou les canards roses inanimés. Si quelqu'un de l'équipe crie, c'est réglé en trois plans rapides et on continue. Même Reynolds ne fait pas aussi bien dans tout ce que nous aimons chez lui. Les dialogues sont généralement insipides, il serait mieux que personne ne parle du tout. Le meilleur du film est l'introduction de poursuite en voiture, à la fois par son style inimitable et par le contenu des blagues « bayesques ». Ici, on se retrouve comme chez Bay à ses meilleurs moments avant les Transformers. Le reste du film s'amuse traditionnellement avec des filtres d'effets, une épilepsie de montage, des costumes féminins et des lieux d'action excessivement glamour. Et cela souffre d'une absence infinie de sensibilité pour quoi que ce soit et d'ennui.

Syndicats vs. gouvernement américain des années 70, ça ne me concerne pas tellement. Mais grâce à la vivacité de la narration et à la représentation captivante du monde de la mafia, c'est presque aussi génial que Les Affranchis. De plus, nous évoluons ici beaucoup plus haut, parmi les plus hauts gradés de la mafia américaine de l'époque. De Niro a le plus de difficultés avec son visage artificiellement jeune et ses vieux yeux, au début il faut s'habituer à la digitalisation. Il joue son rôle de tueur de manière traditionnelle, comme nous avons l'habitude de le voir dans ce type de rôle. Pacino est plus original, incarnant Hoffa de manière excentrique, avec un enthousiasme politique, une fierté énorme et les intentions les plus pures moralement de tout le groupe. La performance d'acteur la plus notable du film. Pour moi, cependant, le plus grand plaisir a été Pesci, l'eau tranquille qui décide des vies. Du fou apathique avec un couteau à la main (Les Affranchis) à un joueur très influent avec un sens du jeu dans le monde de la mafia, sur lequel toutes les parties peuvent compter. Brillant dans chaque scène. Keitel a un minimum d'espace, mais dans le rôle de l'un des chefs les plus respectés de l'époque. Les marques de réalisation se font encore plus visibles lors d'une relecture. La scène phare, qui glace le sang, n'est pas accompagnée d'une musique tendue, mais d'un dialogue absurde sur les poissons. La durée n'est pas du tout un problème, ce « road-movie » est un plaisir nostalgique composé du style unique de Marty et de l'interaction d'acteurs légendaires, une expérience que nous ne retrouverons plus dans un autre film.

A propos de filles américaines et de leurs valeurs. Au début, quand elles dansent encore autour de la barre, cela vaut au moins le coup d'œil. Ensuite, c'est juste difficile d'écouter (les dialogues).

Pour se rapprocher de Braveheart, il manque quelque chose d'important dans la manière de raconter l'histoire. La portée du travail avec les personnages et le poids de l'histoire sont quelque peu limités, on pourrait parler de « téléfilm » comme à l'époque ancienne. L'impact émotionnel sur le spectateur fonctionne à la fin, mais il ne reste rien pour que le film soit mémorable. JEREMIE

Un autre rôle formidable pour Christian Bale et comme tant d'autre, encore brillamment joué ! Ce rôle et l'acteur lui-même, constituent la moitié des virages de cette balade amusante, légèrement parfumée d'intimité. Mangold apporte une direction claire à chaque scène et ce jusqu'à la ligne d'arrivée, et dans le final, il sert généreusement trois résumés de l'histoire. Cependant, il est possible de discuter de leur équilibre et de leur lien émotionnel et intellectuel, ce qui nous amène au handicap fatal du film.