POMO

Un documentaire visuel ennuyeux sur l'eau, ses formes, ses humeurs et sa collaboration avec les températures et le vent. Et sur des figurines de personnes inconnues « en guerre » avec elle dans différentes conditions hostiles. Le but du film n'est pas de montrer des images captivantes ou belles, il ne rivalise pas avec le meilleur plan de Notre planète. Il n'explique rien, ne commente rien, ne prédit rien. Et ces inserts métalliques, censés s'harmoniser avec la sauvagerie de l'océan déchaîné, sont un affront pour les yeux. Faible 3*

Une conversation agréable où vous verrez le pape regarder Rex, chien flic ou se régaler à un stand de pizza. En le représentant comme un être humain qui a lui aussi besoin de se confesser et qui peut aussi avoir des doutes sur sa mission, Meirelles gagne le spectateur. L'amitié que créent progressivement ces deux prêtres initialement incompatibles devient la ligne principale du film. Très bon casting des deux personnages principaux. Hopkins incarne le radical allemand avec son enthousiasme typique et Pryce n'a besoin que de son naturel pour représenter son opposé plus doux.

Franco réalise mes rêves, mais il le fait de manière terne et bas de gamme, donc son travail n'a aucune valeur cinématographique. Le seul film similaire et généralement reconnu est Salo, mais il va trop loin devenant plutôt répugnant et diabolique que divertissant. Franco le prend à la légère, avec un sourire lascif, l'indolence méridionale espiègle et bon marché devenant son atout irrésistible. Les opus « Eurotrash » de sa filmographie atteignent toujours un maximum de deux étoiles, mais je les regarde avec plaisir - une fois tous les trois ans, à chaque fois avec au moins deux pauses de plusieurs jours.

Portrait d'une famille de banlieue américaine dont le fonctionnement s'effondre de jour en jour. Une fille stupide, un fils pervers agressif, un père sans caractère et une mère bienveillante, hystérique, dépendante de tous. Le film de Waters est un bizarrerie culte dans certains cercles, qui divertit avec son microcosme de personnages bizarres, mais sans les obscénités mignonnes qu'il a servies dans Pink Flamingos, il ne laisse pas une trace aussi marquante.

Un travail de qualité avec l'environnement et les personnages, un sujet intéressant, mais quelque peu sous-développé pour ce qu'aurait mérité quelque chose de plus grand.

C'est comme ça quand on oublie qu'on regarde un acteur, un film, et qu'on vit avec dévotion la situation que vivent les principaux protagonistes. Basé sur des dialogues habiles, tout en racontant une histoire, il fonctionne aussi à merveille avec la caméra et le montage. La première confession de Scarlett à son avocat est peut-être la scène la plus brillante du film. A égalité avec la performance à couper le souffle de Naomi Watts lors de la scène d'audition de Mulholland Drive. En outre, par exemple, le montage escalade avec une approche progressive des visages tendus dans une dispute avec un point culminant dans lequel la pire chose est dite, ce qui doit être regretté par la suite. Ce ne serait pas pareil au théâtre sans les détails des visages. Des dialogues si authentiques et la nature des personnages façonnés si précisément que les jouer a dû être une extase créative. Et pas seulement Driver avec Scarlett font du patinage artistique ici. Laura Dern fait son grand retour sur petit écran, et Ray Liotta compense superbement son absence dans Irishman sur un écran encore plus petit. Comme le meilleur de Woody Allen, avec une touche du cœur de La La Land. Pour moi, l'incontournable Oscar du meilleur scénario.

Un « feel good movie » bien sympathique dans l'ensemble, dépoussiérant les anciennes stars Murphy et Snipes. On est attiré par sa qualité cinématographique et ses plaisanteries vulgaires, mais cela finit peu à peu par glisser vers un cliché prévisible et sans autre but que de divertir avec légèreté.

A comparer avec les performances de Butler sur la protection des présidents américains. Un crime sale avec des flics durs opérant à la « gangsta » et des méchants qui ressemblent certes à des tueurs, mais qui savent toujours avoir une longueur d'avance sur les défenseurs de la loi. Une bonne idée scénaristique avec le principal braquage d'une banque (son lieu d'action), des fusillades réalistes et captivantes. Il copie beaucoup le classique Heat, mais plus de vingt ans après, et surtout - si c'est sa version « série B », alors c'est une sacrément bonne version « série B ».

En IMAX, c'était incroyable. Le spectacle spatial de l'année, avec un rythme effréné, des (digi)lieux étonnants, une caméra parfaitement utilisée et de la nostalgie, soutenue par les apparitions inattendues des anciens personnages. Lors de la confrontation finale, nous avons ressenti une force presque équivalente à la résistance finale de Sauron. Et enfin, j'ai apprécié Daisy Ridley. La révélation des nouvelles identités des anciens personnages n'avait pas beaucoup de sens pour moi, mais comme je ne me souviens pas exactement de ce qui s'est passé dans l'épisode précédent, cela m'était égal (je ne considère pas cette trilogie comme faisant partie de mes STAR WARS préférés, c'est juste une exploitation commerciale). Cependant, la deuxième projection sur un écran nettement plus petit, où on ne pouvait pas ne pas remarquer le manque de respect (dans la narration d'une histoire cohérente) envers le spectateur, a dévalué mon impression du film. C'est juste un tour de montagnes russes spectaculaire à usage unique, un appât pour la nouvelle section Star Wars de Disneyland.

Un thriller imprévisible sur la collision de couches sociales, formellement et psychologiquement souveraines comme chez Kubrick. Bong Joon Ho est un maître de la réalisation cinématographique - depuis la caractérisation chirurgicalement précise des personnages pour les besoins de l'histoire, jusqu'à leur placement dans un environnement intéressant (qui deviendra presque son prochain personnage), jusqu'à la jonglerie imprévisible avec les principes et les rebondissements du genre, ou des ajouts métaphoriques qui appuient cette manigance souverainement construite avec des points d'interrogation stimulants. Il est peut-être le seul frère créatif de David Fincher, par ailleurs culturellement plus exotique, dépassant les standards du genre américain universel. Pour cela, bien sûr, la volonté du spectateur d'accepter une logique sensiblement différente de l'issue des conflits est nécessaire, là où je me suis retrouvé coincé - tout comme, par exemple, avec l'issue d'Old boy. La conclusion de l’histoire de Parasite m’a semblé invraisemblable, insuffisamment motivée, exacerbée principalement pour fournir une éventuelle profondeur et une clôture de la réflexion.