Goldbeater

Le début est très prometteur. Certaines idées concernant la perception du monde environnant par le protagoniste sourd et muet sont assez amusantes, bien que le film ne semble pas se soucier de les exploiter intelligemment. De même, les créateurs ne tentent pas un worldbuilding très élaboré, de sorte que l'univers intérieur paraît aussi superficiel que le niveau d'un jeu d'arcade (ce qui est possiblement intentionnel), peuplé de méchants totalement vains, ennuyeux et sans motifs (ça, ça ne pouvait pas être intentionnel) et on tombe vite dans des scènes d'action très répétitives sans aucune substance (clairement pas intentionnel). Le film se sabote lui-même avec un twist dans le dernier quart qui renverse complètement la situation et constitue pour le spectateur la tromperie la plus cheap qu'on puisse imaginer. On ne parle alors plus d'être stylistiquement surprenant, mais plutôt juste d'un travail scénaristique inapte. Et le reste n'est malheureusement pas assez captivant ni cool pour qu'on puisse pardonner cette médiocrité, même en fermant les deux yeux.

Comme recette de comédie d'action simple, on ne peut pas trouver mieux. Une fois l'aspect le plus discutable mis de côté, à savoir l'intrigue criminelle très basique et un peu niaise, on peut se pencher sur le cœur du film. Car ce qui porte vraiment le film, ce sont les scènes d'action remplies de cascades spectaculaires et, en particulier, le charisme des deux acteurs principaux. Ryan Gosling et Emily Blunt se complètent à merveille ; ils dégagent une alchimie palpable et leurs joutes verbales rappellent par moments les comédies romantiques loufoques classiques. En fait, c'est une tendre « love letter » que Drew Pearce et David Leitch ont adressée à tous les cascadeurs, aux membres « invisibles » des équipes de tournage et à l'industrie du cinéma en général. Cette idéalisation romantique de tout le processus créatif sans la moindre once de cynisme fonctionne très bien auprès du public.

Civil War, pour Alex Garland, marque un retour à un schéma éprouvé dans lequel un groupe de personnages traverse un paysage « inhumain » vers un but flou. Cela dit, contrairement à 28 jours plus tard, Annihilation et, dans une certaine mesure, Sunshine, le réalisateur britannique aborde ici un scénario assez terre-à-terre et tout à fait réaliste. Je l'ai toujours perçu comme un créateur de genre très doué et avec sa dernière œuvre, j'ai aussi reçu ce à quoi je m'attendais, c'est-à-dire un bon film de genre simple. N'attendez rien de complexe ou de trop profond. Mais la relative linéarité me convient en fait beaucoup plus chez Garland que la symbolique artistique de ses deux précédents films, ce qui ne signifie pas pour autant que Civil War ait complètement renoncé à celle-ci. S'il y avait des choses à reprocher, ce seraient pour moi certains choix visuels trop évidents ; dans un film qui, étant donné le thème, bénéficierait le plus d'une approche très brute et presque documentaire, le réalisateur essaie trop souvent de filmer les personnages dans une symétrie complète, au centre du cadre, comme s'ils étaient dans un film de Wes Anderson, ce qui ne correspond pas vraiment au concept. En revanche, j'apprécie que dans le scénario, Garland n'ait pas opté pour les solutions les plus évidentes et n'ait pas décidé de politiser le film de façon unilatérale, ce qui en fait en un spectacle équilibré et surtout nuancé.

De la science-fiction mature avec des thèmes réfléchis et qui tient compte de l'intelligence de son public. Pourquoi n'a-t-on pas ça plus souvent ? Avant d'aborder mes quelques réserves mineures, je dois insister sur trois points. Allez au cinéma  ! Allez au cinéma  ! Et en troisième lieu  : allez au cinéma ! Pour ce genre de films épiques, où tout est techniquement parfait et en plus totalement captivant et à une échelle incroyable, ça vaut la peine de payer pour un billet. L'expérience offerte par le deuxième Dune est de toute beauté. Et ça aurait pu dépasser les trois heures sans problème, parce que même à 166 minutes, ça paraît parfois trop condensé ; un quart d'heure supplémentaire n'aurait pas été de refus  ! Pour moi, le hic, c'est que Timothée Chalamet et Zendaya ont presque zéro alchimie entre eux et que leur relation, bien qu'elle soit un pilier central du film, semble précipitée et peu crédible. Émotionnellement, je n'ai tout simplement pas réussi à me connecter aux personnages. Quoi qu'il en soit, Denis Villeneuve, dans de nombreux autres aspects, traduit le modèle littéraire en langage cinématographique très efficacement et repousse encore une fois les limites de la science-fiction actuelle. Et, bien que le troisième volet n'est certainement pas pour demain, je suis très impatient et curieux de voir quel spectacle nous aura été concocté cette fois-là.

Quelle drôle de publicité pour Pepsi c'était... Sony continue de produire des absurdités de bande dessinée de troisième catégorie qui semblent ignorer tout ce que les cinéastes de blockbusters ont appris au cours des 20 dernières années, préférant plutôt suivre les traces de films tels que Catwoman de 2004. Certaines décisions créatives, que ce soit en termes de caméra, de son ou de montage, sont tout simplement incompréhensibles (sans parler des effets CGI désolants), mais le scénario et la manière de raconter l'histoire, alors là, mes amis… Pour une raison inconnue, tous les flashbacks dans le film se répètent systématiquement deux fois à l'identique, tout ce qui est clairement expliqué visuellement devant ensuite être déclamé à haute voix par un personnage, au cas où. Systématiquement ! Il faut croire que Sony considère ses spectateurs comme des crétins finis. Et même ainsi, les choses n'ont pas plus de sens. Morbius, au moins, était plus marrant.

Malheureusement, les films biographiques musicaux sont l'un des genres les plus épuisés et les plus stéréotypés et, pour captiver à un niveau plus profond, moins hautement superficiel, ils ont besoin soit d'une histoire assez riche pour transcender le cadre conventionnel, soit d'un créateur très talentueux qui les aborde avec un style dynamique et original. Eh bien, ce film n'a ni l'un ni l'autre. C'est encore une mosaïque de drames de vie, de sages paroles fleuries et d'échantillons des chansons les plus célèbres de l'interprète, distribués à une certaine régularité pour que le film ne soit pas ennuyeux et réponde aux attentes basiques du public. Mais il lui manque une narration fonctionnelle qui pourrait justifier l'existence de flashbacks dans le passé, ainsi qu'un conflit intéressant qui élèverait l'histoire au-dessus d'une simple extraction d'informations de Wikipédia – sans parler des nombreux clichés de genre qui l’agrémentent. Kingsley Ben-Adir a soigneusement appris les manières de Bob Marley et il est plaisant de le regarder, mais ça ne suffit pas à porter le poids du film. De plus, comme bien souvent, son personnage est lissé et dépourvu d'aspects problématiques, car les producteurs du film sont les descendants de Marley et ne veulent évidemment pas créer une image de lui qui ne soit pas entièrement flatteuse. Bohemian Rhapsody avait été critiqué pour des raisons similaires, mais au moins, ce film débordait d'une énergie créative incroyable et pouvait se vanter de scènes de concert brillamment réalisées. Ici, de telles scènes sont – curieusement – presque absentes. Et pour ne rien arranger, tout le film mène à un concert spécifique que les créateurs ne nous montrent pas, car le film coupe aux crédits de fin juste au moment où ça aurait dû vraiment commencer. Un jour après la projection, ça s'était presque évaporé de ma mémoire.

Une variation sur Les Femmes de Stepford superficielle, idiote et indiciblement ennuyeuse. Une durée de deux heures, c'est tout bonnement accablant étant donné le vide absolu de l'histoire. En plus, le film est aussi facile, artificiel et superficiel que le monde qu'il prétend décrire de manière satirique. Je suis choqué par la haute appréciation dont il fait l'objet.

Une série policière dysfonctionnelle et prévisible qui, après trois épisodes laborieux esquissant quelques thèmes intéressants, se transforme en une farce totale dans le quatrième épisode. Et l'idéalisation des relations entre étudiantes et professeurs semble en dire plus sur la personnalité des scénaristes qu'une tentative de traiter le problème.

Adam Ondra repousse peut-être les limites, mais ce documentaire ne le fait certainement pas. En tant que portrait d'une personnalité, il est réalisé de manière compétente, mais pour l'apprécier en tant que spectateur, il manque encore beaucoup.

Un film d'horreur urbain très intéressant avec une ambiance excellente. Le fait que Wolfen soit le seul film réalisé par le documentariste et caméraman Michael Wadleigh, connu pour le légendaire Woodstock de 1970, n'est pas anodin. Wadleigh imprime sa sensibilité à la capture des sous-cultures, à l'esprit d'une époque révolue et à un environnement unique (ici, les ruines à l'infini du sud du Bronx et, par extension, tout New York City à la fin des années 70 et début des années 80). Plus on regarde de tels anciens films où la ville est pratiquement un personnage à part entière, plus on réalise combien cet élément manque aux films contemporains, à part pour quelques exceptions notables. L'intrigue peut être un peu lourde, et il est évident que le studio a pris le contrôle du film à Wadleigh en postproduction pour le modifier à sa guise, mais ça reste une expérience assez unique pour ceux qui recherchent quelque chose qui a de la profondeur et pas juste un bête film d'épouvante. C'est une œuvre rafraîchissante. Un bémol : le recycleur notoire James Horner présente ici pratiquement la moitié de ses motifs pour Star Trek II : La Colère de Khan de l'année suivante et d'Aliens sorti cinq ans plus tard ; ce n'est pas forcément une mauvaise chose (ça reste une superbe musique), mais c'est un élément légèrement distrayant.