Filmmaniak

Cette critique sociale d'un genre hybride est la plupart du temps éclatée entre plusieurs thèmes et personnages. Le film souligne avant tout les lacunes d'un système dans lequel de nombreux pays post-communistes sont devenus de véritables marchepieds pour les entreprises capitalistes occidentales, lacunes perçues au travers de l'environnement des ouvriers du bâtiment travaillant au noir dans des conditions dangereuses et de leurs employeurs sans scrupules qui les exploitent pour mieux tromper les promoteurs étrangers. Comme lien entre les deux mondes, le film se sert d'une protagoniste principale, une gestionnaire à la morale ambiguë qui tente de subvenir aux besoins de sa famille tout en étant la maîtresse de son patron-courtier en immobilier, tout en étant de plus en plus poussée à la limite de ce qu'elle est prête à supporter dans son travail. Le film se tourne également vers le personnage d'un jeune homme simple d'esprit qui prévoit de partir à l'étranger avec sa bien-aimée après avoir fini son travail d'ouvrier. Ce film réaliste, empreint d'éléments satiriques marquants et au titre ironique (et présentant quelques fausses notes dans le jeu d'acteur de plusieurs personnages secondaires), commence comme un drame social, se termine comme un thriller et, entre les deux, se transforme plusieurs fois en comédie noire dans laquelle les ouvriers paresseux et alcoolisés font tout pour ne pas travailler. Le film met ainsi en avant plusieurs thèmes stimulants, certains donnant parfois la chair de poule, mais il faut néanmoins attendre la toute fin pour qu'ils soient vraiment mis en relation et suffisamment installés pour que le spectateur soit enfin porté.

Dans la première moitié, l'accent est mis notamment sur les confrontations d'Elvis le rebelle avec la commission de censure, qui considère ses mouvements contorsionnistes comme obscènes. La deuxième moitié traite principalement des conflits de Presley avec son entourage, qu'il refuse de satisfaire soit par principe, soit par incapacité à les satisfaire, ce qui le tourmente. Tout au long du film, le thème d'un effort incessant pour préserver son identité personnelle et musicale exceptionnelle se développe, car c'est la clé du succès et de l'immortalité de l'artiste. Austin Butler, charismatique et doté de talents de danseur et de chanteur, est absolument excellent dans le rôle principal. Non seulement il parvient à captiver sans ciller lors des numéros musicaux magnifiquement filmés, mais il parvient également naturellement et délicatement à exprimer toute une gamme d'émotions dans les moments calmes. La plupart des rôles secondaires et périphériques sont également parfaitement interprétés. En particulier, le personnage secondaire le plus important, Tom Hanks, est excellent dans le rôle de l'agent musical d'Elvis, qui est aussi le narrateur du film. Bien que, dans ses commentaires, il tente à plusieurs reprises de convaincre le public qu'il avait toujours de bonnes intentions envers son protégé, ses actes capturés par le film racontent tout le contraire. Sa perspective de narrateur peu fiable se complète naturellement avec la perspective d'Elvis, et le film se concentre fortement sur les transformations de leur relation amicale, familiale et commerciale. L'histoire suit une structure précisément rythmée, dans laquelle les performances d'Elvis sont toujours le point culminant des différentes périodes et segments isolés. Le réalisateur Baz Luhrmann est dans sa meilleure forme depuis Moulin Rouge, excellant également en tant que conteur audiovisuel phénoménal et maître du montage, à qui quelques plans de deux secondes et une bande son appropriée suffisent pour capturer instantanément l'ambiance parfaite du moment, de l'environnement et des circonstances. Dans le domaine des biopics sur les légendes de la musique, Elvis est un joyau qui présente son héros éponyme à travers de nombreuses situations et styles différents, qui vous captivera indépendamment de la connaissance de son destin ou de ses chansons, et ne remet pas en cause la talent de son réalisateur grâce aux nombreuses marques de fabrique et techniques de réalisation bien identifiables. C'est un voyage audiovisuel captivant qui vous embarque dès les premiers plans et qui appelle à être diffusé sur grand écran.

Dans le plus faible épisode de la série, Johnny English se présente comme un agent secret de l'ancienne école analogique, soudainement confronté aux technologies numériques modernes telles que les smartphones ou la réalité virtuelle. Ses affrontements cinglants avec les commodités contemporaines sont cependant sporadiques dans le film, de sorte que la majorité de l'humour, largement tiré des deux précédents épisodes, est de nouveau véhiculée par la comédie classique à la Mister Bean en plus des parodies de films d'espionnage. Cependant, les sketchs vieillissants et les gags physiques depuis longtemps dépassés (le héros principal se coince un parapluie dans le nez en buvant un cocktail, se brûle lors de la flambée des crevettes et les renverse sur le sol...) semblent déjà fatigués et prévisibles. La réalisation généralement routinière et fatiguée ne les aide certainement pas avec son manque de bon sens concernant le rythme d'une comédie. De plus, les créateurs du film apparaissent comme des conservateurs rétrogrades et des technophobes, présentant les nouvelles technologies comme des outils du mal que la plupart des personnages du film ne comprennent absolument pas, y compris le héros principal dont l'inadaptabilité à tout ce qui est moderne est célébrée comme une vertu - à la fin, il est même revêtu d'une armure médiévale pour souligner encore plus le fait qu'il est le héros des bons vieux temps. Un héros généralement considéré comme un idiot incapable qui gâche tout à chaque fois, ne réussit que par hasard grâce à des circonstances fortuites, mais qui est néanmoins loué par la première ministre dans les scènes finales en tant que représentant des bonnes valeurs et qualités britanniques. Rowan Atkinson est généralement capable de sauver beaucoup de choses avec son sourire, mais cette fois-ci, sa prestation ne suffit malheureusement pas à sauver cette comédie paresseuse et dépassée, sans imagination, avec un humour faible, attendu et mainte fois rebattu.

Une production de plus parmi les comédies grand public tchèques qui insultent les hommes et les femmes ainsi que l'intelligence en général. Rien de plus qu'un défilé sexiste de stéréotypes destructeurs qui, au lieu d'être réfutés, sont confirmés et normalisés et sont encore plus grotesques que dans le précédent opus. Jiří Langmajer, en tant que femme dans un corps masculin, joue une caricature extrêmement exagérée de féminité (ce qui contredit le comportement de l'héroïne au début, quand elle a encore un corps de femme), elle porte des leggings roses pour l'entraînement sportif, commande une « petite limonade au citron » au restaurant et découvre pour la première fois ce que cela fait de recevoir un ballon dans les parties intimes. Cependant, il devient vraiment un homme quand il s'effondre avec une bière sur le canapé pour regarder du football et qu'il commence à péter. Beurk ! Mais surtout, c'est une comédie qui, sous le couvert de l'humour, suggère aux femmes que des choses que le manque d'hygiène ou le besoin nécessaire de cracher au loin (mais aussi l'infidélité, la jalousie ou le machisme) font partie de la nature masculine et devraient être excusées et tolérées par les femmes. Les femmes sont présentées comme étant à l'origine de tous les problèmes et défauts masculins, y compris les flatulences, car lorsqu'elles cuisinent des gâteaux pour les hommes, elles mettent trop de levure dedans. Les seuls personnages féminins importants dans le film sont une thérapeute incompétente qui déteste les hommes et transmet son mépris à toutes ses clientes, son amie qui lui recommande sans hésitation de trouver un amant comme solution pour une relation épanouie, et la serveuse du bar, dont le destin est de se taper régulièrement des fans de football plus âgés et d'ignorer leurs propos agaçants. Les hommes, quant à eux, sont le plus souvent dépeints comme des primitifs paresseux et malodorants qui souffrent principalement du fait que leurs femmes/partenaires exigent toujours quelque chose d'eux et qu'ils ne peuvent jamais savoir exactement quoi, car l'esprit féminin est tout simplement trop complexe pour être compris d'eux. L'achat d'une fleur est ensuite une excuse universelle pour tout et une solution à toutes les crises relationnelles, tout comme un dîner aux chandelles occasionnel, qui est également la promesse quasi garantie d'une nuit passionnée. De plus, c'est paresseux, attendu, sans imagination et désespérément incohérent et mal pensé. Cela se termine par une conclusion extrêmement précipitée où le happy end survient soudainement d'un claquement de doigts. Rudolf Havlík, bien qu'il semble capable et intelligent en tant que cinéaste, n'avait vraiment pas besoin de ça. Ne le regardez pas, sinon une troisième partie en résultera.

Une adaptation grandiose d'une comédie musicale classique, qui, par rapport à son modèle, présente l'avantage d'un traitement moderne de premier ordre, ce qui lui donne plus d'accroche et plus de rythme dans l'ensemble. Des acteurs fantastiques, des séquences de danse et de chant phénoménales, et des chansons non seulement sur l'amour et la célébration de la vie, mais aussi sur la discrimination et la violence, qui n'ont rien perdu de leur force et de leur actualité au fil des années. De plus, mises au service d'un excellent film qui n'a rien à envier aux qualités de son prédécesseur, dont le thème des conflits raciaux est toujours aussi pertinent en tant que question sociale.

Le film s'accroche mordicus à son sujet, à savoir la prémonition d'une mort imminente (et tout ce qui s'y attache) et justifie son titre dans le sens où il ne s'agit que d'un message, un message particulièrement brut. Le film, raconté lentement voit s'empiler des dialogues répétitifs et des plans narratifs vides, tandis que des scènes délibérément mesurées et dépouillées sont capturées en mettant l'accent sur l'objectivité factuelle dans des plans soigneusement composés, produits dans un format d'image vertical considérablement rétréci. Le thème du machinisme est remarquable, transmis en insistant sur la présence de différentes machines (des appareils maintenant l'homme en vie jusqu'à la machine à café et l'ascenseur parlant), dans lesquelles sont finalement inclus les deux personnages principaux, assis près du lit d'hôpital d'un homme inconscient et répétant comme des robots environ six répliques différentes à intervalles réguliers. De plus, le film tente d'atteindre une transcendance spirituelle à travers divers jeux de mots et une symbolique marquante, mais il le fait sans aucune substance notable. Malgré l'utilisation de l'expérience personnelle du réalisateur et de sa main directrice, le film Sauver qui est mort devient un concept complètement inanimé, purement académique et artificiellement percutant, qui a des chances de susciter l'intérêt d'un groupe marginal du public festivalier se balançant au bord de la contemplation méditative, mais pour la grande majorité des spectateurs, cela représentera probablement un spectacle extrêmement hostile et maladroit, suscitant principalement un ennui écrasant lors de sa visualisation.

Dans une certaine mesure, les héros du film excusent le cinquième volet de Scream d'être un simple un recyclage de schémas et de motifs déjà utilisés plusieurs fois (ce qui est le cas), car c'est ce que les fans dévoués veulent. Et il est possible que cela suffise vraiment aux fans du genre et en particulier aux fans de cette série. Cependant, un film aussi usé, qui sert pratiquement la même chose aux spectateurs que ses prédécesseurs et n'a pas besoin de se démarquer en quoi que ce soit, aura du mal à sauver le fait que ses créateurs sont conscients de son usure et le soulignent parfois de manière amusante. De même, les héros du film peuvent plaisanter indéfiniment sur les différentes règles du genre de l'horreur et sur toutes les erreurs que commettent les personnages de ces films, mais à quoi bon s'ils ne peuvent pas éviter eux-mêmes ces erreurs. Dans une certaine mesure, le jeu qui consiste à deviner qui, parmi les personnages, est le tueur, tout en réduisant progressivement les possibilités, peut encore être amusant, mais par ailleurs cela ne permet pas vraiment de susciter l'intérêt ni pour les nouveaux (et pas particulièrement sympathiques) personnages, ni pour les anciens, ni pour les meurtres sanglants (mais sans imagination).

Rien ne s'oppose à l'intention de recycler un modèle éprouvé dans le but de créer un autre succès commercial après Women on the run, tant que le résultat est un produit de qualité et amusant (ce qui n'est pas le cas ici). Cependant, il y aura certainement des spectateurs qui seront très satisfaits et ne seront pas dérangés par le fait que le film donne l'impression d'être un essai paresseux pour emprunter une voie sûre sur le plan scénaristique, avec des dialogues débordant de naïveté, de l'humour réussi qui n'apparaît que sporadiquement et une intrigue romantique multigénérationnelle excessivement prévisible, fade, banale et émotionnellement insignifiante. Les acteurs et les protagonistes animaux méritent des éloges pour leurs performances agréables, et la plupart des aspects techniques du film peuvent également être qualifiés de solides (à l'exception de la musique répétitive à l'infini), mais sinon, Heart to heart ennuie simplement par sa simplicité (voire sa primitivité) et ne contient rien qui puisse susciter un intérêt marqué.

Dans le cadre de la nature numérique de l'ensemble de la série, il est plus ou moins logique de considérer le nouveau volet après une pause de dix-huit ans comme un « redémarrage du système » et de le compléter par une mise à jour moderne qui différencie fondamentalement le film des précédents, tant sur le plan de l'atmosphère générale que de la forme. Cependant, le traitement final soulève néanmoins plusieurs doutes. Le quatrième Matrix sera sans aucun doute accueilli de manière mitigée, car les raisons justifiant son existence proviennent principalement du fait qu'il ne s'agit pas tant d'un bon film que d'un film narrativement intéressant, audacieux sur le plan cinématographique, très atypique dans le contexte des suites de séries de films célèbres, et unique par son approche de lui-même et du phénomène matriciel dans son ensemble, qu'il suit de très près. D'un côté, le film déçoit par ses scènes d'action lamentables, sa ligne relationnelle avec les principaux héros de la trilogie originale est étonnamment vide émotionnellement, et le développement de la mythologie fictive est fragmenté et inachevé (y compris plusieurs impasses). D'autre part, il combine également de manière assez amusante de nombreux styles narratifs, allant d'une méta approche légère et ironique de la conscience de soi à la réminiscence nostalgique et une routine de l'action tendancieuse, en passant par la romance de science-fiction, ce qui permet de percevoir Matrix Resurrections comme un film conceptuel qui présente progressivement différentes versions bêta stylistiquement différentes d'une suite potentielle de la trilogie Matrix, et les rassemble en un tout narratif. Il peut donc être recommandé non pas nécessairement pour ses qualités changeantes et discutables, mais pour sa forme narrative remarquable et stimulante.

Il est essentiel de souligner que ce n'est pas un portrait de Kamil Fila (tout comme Super Size Me n'est pas un documentaire sur Morgan Spurlock, même s'il en est le protagoniste principal). C'est un documentaire d'observation sur une crise existentielle, provoquée par une rupture avec sa petite amie, son incapacité à faire face à cela et les dépressions qui en ont résulté, simultanément à une crise de la quarantaine, de la masculinité et des émotions immatures, et cette personne est par coïncidence Fila. C'est un documentaire artistique qui traite des contradictions dans la vie d'un homme dont les actions sont en conflit direct avec les valeurs qu'il défend, dont la présentation publique diffère de sa véritable personnalité et de sa vie privée, et dont le désir de s'améliorer conduit au contraire à l'autodestruction. C'est un film sur une vie plongée dans les contradictions, où Fila est en réalité une simple figure sur laquelle ces contradictions sont révélées, et l'évaluation du film ne devrait donc pas être basée sur l'évaluation de ses traits de caractère et de ses lacunes morales, car ce ne sont pas les sujets du film. Cependant, cette forme artistique d'observation (en combinaison avec des commentaires explicatifs et des extraits littéraires sélectionnés à des fins spécifiques) ne convient pas à ce film, et il est évident que, dans un premier temps, il a été créé dans un autre but - filmer l'expérience de quelqu'un se transformant physiquement à l'aide de stéroïdes, mais cela n'a été que partiellement réalisé car les priorités de Fila ont changé par la suite. Et pendant la réalisation, il a été décidé que cela deviendrait un film offrant aux spectateurs la possibilité de réfléchir sur leur égoïsme ou leur hypocrisie et de voir s'ils vivent également des contradictions ou des incohérences, mais ce n'est pas non plus un sujet suffisamment porteur. C'est une sorte d'hybride étrange, mêlant documentaire, film de fiction, autothérapie, portrait artistique d'une crise personnelle et d'un comportement contrasté, et une tentative de se dégager d'un essai infructueux de réaliser l'objectif initial. 50%.