Filmmaniak

Dans le cadre de la nature numérique de l'ensemble de la série, il est plus ou moins logique de considérer le nouveau volet après une pause de dix-huit ans comme un « redémarrage du système » et de le compléter par une mise à jour moderne qui différencie fondamentalement le film des précédents, tant sur le plan de l'atmosphère générale que de la forme. Cependant, le traitement final soulève néanmoins plusieurs doutes. Le quatrième Matrix sera sans aucun doute accueilli de manière mitigée, car les raisons justifiant son existence proviennent principalement du fait qu'il ne s'agit pas tant d'un bon film que d'un film narrativement intéressant, audacieux sur le plan cinématographique, très atypique dans le contexte des suites de séries de films célèbres, et unique par son approche de lui-même et du phénomène matriciel dans son ensemble, qu'il suit de très près. D'un côté, le film déçoit par ses scènes d'action lamentables, sa ligne relationnelle avec les principaux héros de la trilogie originale est étonnamment vide émotionnellement, et le développement de la mythologie fictive est fragmenté et inachevé (y compris plusieurs impasses). D'autre part, il combine également de manière assez amusante de nombreux styles narratifs, allant d'une méta approche légère et ironique de la conscience de soi à la réminiscence nostalgique et une routine de l'action tendancieuse, en passant par la romance de science-fiction, ce qui permet de percevoir Matrix Resurrections comme un film conceptuel qui présente progressivement différentes versions bêta stylistiquement différentes d'une suite potentielle de la trilogie Matrix, et les rassemble en un tout narratif. Il peut donc être recommandé non pas nécessairement pour ses qualités changeantes et discutables, mais pour sa forme narrative remarquable et stimulante.

Il est essentiel de souligner que ce n'est pas un portrait de Kamil Fila (tout comme Super Size Me n'est pas un documentaire sur Morgan Spurlock, même s'il en est le protagoniste principal). C'est un documentaire d'observation sur une crise existentielle, provoquée par une rupture avec sa petite amie, son incapacité à faire face à cela et les dépressions qui en ont résulté, simultanément à une crise de la quarantaine, de la masculinité et des émotions immatures, et cette personne est par coïncidence Fila. C'est un documentaire artistique qui traite des contradictions dans la vie d'un homme dont les actions sont en conflit direct avec les valeurs qu'il défend, dont la présentation publique diffère de sa véritable personnalité et de sa vie privée, et dont le désir de s'améliorer conduit au contraire à l'autodestruction. C'est un film sur une vie plongée dans les contradictions, où Fila est en réalité une simple figure sur laquelle ces contradictions sont révélées, et l'évaluation du film ne devrait donc pas être basée sur l'évaluation de ses traits de caractère et de ses lacunes morales, car ce ne sont pas les sujets du film. Cependant, cette forme artistique d'observation (en combinaison avec des commentaires explicatifs et des extraits littéraires sélectionnés à des fins spécifiques) ne convient pas à ce film, et il est évident que, dans un premier temps, il a été créé dans un autre but - filmer l'expérience de quelqu'un se transformant physiquement à l'aide de stéroïdes, mais cela n'a été que partiellement réalisé car les priorités de Fila ont changé par la suite. Et pendant la réalisation, il a été décidé que cela deviendrait un film offrant aux spectateurs la possibilité de réfléchir sur leur égoïsme ou leur hypocrisie et de voir s'ils vivent également des contradictions ou des incohérences, mais ce n'est pas non plus un sujet suffisamment porteur. C'est une sorte d'hybride étrange, mêlant documentaire, film de fiction, autothérapie, portrait artistique d'une crise personnelle et d'un comportement contrasté, et une tentative de se dégager d'un essai infructueux de réaliser l'objectif initial. 50%.

Un mélange bizarre et chaotique d'hallucinations, de flashbacks rétro, de scènes théâtrales, d'images industrielles et d'animations, traitant expérimentalement du thème des traumatismes de la cruauté d'après-guerre dans la région frontalière entre la République tchèque et l'Allemagne. Un peu de Stalker et un peu du Habermann, mais réalisé à la façon d'un clip vidéo punk psychédélique, complètement englouti dans une symbolique confuse et incompréhensible. C'est très déviant et non conventionnel, ce qui peut être théoriquement un avantage pour certains, mais on ne peut pas vraiment y trouver de valeurs autres.

Digne conclusion de la pentalogie dans laquelle James Bond est crédible non seulement en tant que héros d'action sauvant le monde, mais aussi en tant qu'homme mélancolique, déchiré et vulnérable, qui aspire à la proximité amoureuse et à la stabilité. Fukunaga est solide dans les scènes d'action et sur l'accentuation d'une ligne de relation mélodramatique mettant en valeur les qualités d'acteur de Daniel Craig. Malgré une plongée intime et réussie dans l'intériorité du héros, ce niveau subtil d'intimité n'a pas l'effet émotionnel et satisfaisant qu'il devrait en raison d'une légère naïveté scénaristique et parfois de la stérilité des dialogues. Le caractère terne du principal méchant est tout à fait décevant, le film n'accordant que peu d'attention à sa personnalité complexe par rapport au héros principal et n'en fait simplement qu'un support peu intéressant et ambigu pour des plans diaboliques. En revanche, l'agent incarné par Ana de Armas est excellent, bien qu'elle n'apparaisse que brièvement, et mériterait tout un film. L'intention de réaliser la conclusion de la saga Bond et tout ce qui l'accompagne est évidente et les marques de fabrique familières sont donc à nouveau utilisées, mais lorsque Bond prononce sarcastiquement des répliques humoristiques en liquidant ses ennemis, cela efface de manière quelque peu contreproductive cette tentative de rendre son personnage plus sensible et civilisé. Par son style global, le film ne se démarque pas particulièrement des précédents opus de la série avec Craig, cependant, les créateurs n'ont pas manqué d'audace en apportant un ou deux éléments supplémentaires qui secouent considérablement la tradition des Bond et portent, malgré quelques lacunes, l'expérience de visionnage du film Mourir peut attendre dans la catégorie des inoubliables.

Un film érotique sur des nonnes se déroulant dans un couvent italien au 17ème siècle, sur fond d'épidémie de peste. Il s'agit d'une tentative assez déséquilibrée de mettre à niveau un film de catégorie B, s'inspirant principalement de la tradition des productions italiennes mettant en scène des nonnes (appelée « nunsploitation »), pour atteindre le niveau d'un film de catégorie A., Paul Verhoeven y appose sa marque de fabrique et ses obsessions préférées, parmi lesquelles on retrouve notamment l'ironie mordante, le sadisme et la perversité, ainsi que le féminisme, ici agrémentés d'une critique moqueuse de l'Église en tant qu'institution hypocrite dirigée par des intérêts de pouvoir et faisant obstacle à la liberté sexuelle. Son héroïne, une jeune nonne aux visions très vivantes de la révélation du Christ et connaissant un éveil lesbien avec une novice, est suivie depuis son enfance dans une série d'escapades sacrilèges dont l'origine mystérieuse (peut-être un véritable miracle de Dieu, peut-être seulement une pièce de théâtre jouée avec des motivations égoïstes) est le moteur-même du film. Pendant la majeure partie du film, l'intrigue oscille entre une farce dépravée sur l'abus de confiance des croyants (avec des flatulences, des scènes d'excréments, des motifs pornographiques taquins et une représentation de Jésus-Christ en protecteur qui coupe impitoyablement les têtes des ennemis et des bêtes) et un drame sérieux et troublant avec une musique grave et une violence naturaliste, traitant d'une femme délirante ayant une propension à l'automutilation ainsi que des effets négatifs de la foi fanatique. La confrontation de ces deux approches tonales contradictoires est problématique et insatisfaisante, ce qui ne dérange probablement pas Verhoeven, car il voulait certainement juste se défouler, provoquer et choquer un peu, ce qu'il a réussi à faire. Benedetta tombe également à la limite de la catégorie du divertissement de type « plaisir coupable », adapté aux projections de minuit des festivals qui diviseront le public, et dans lequel les performances les plus éclatantes ne proviennent pas du couple d'amants, mais de Charlotte Rampling dans un rôle secondaire (mais essentiel et remarquable) de mère supérieure sceptique.

Le film est centré sur l'entente inattendue qui se développe entre un metteur en scène de théâtre d'âge moyen et une jeune chauffeuse privée qui pourrait être sa fille et qui lui a été assignée contre son gré par la compagnie de théâtre. Grâce à l'établissement d'une confiance mutuelle, ils peuvent confier l'un à l'autre leurs traumatismes et leurs secrets, qui font partie d'une histoire complexe et multicouche, traitant entre autres des relations amoureuses et des douleurs causées par la perte d'un proche ou d'une personne aimée. Tout cela se déroule sur fond de répétitions « d'Oncle Vania » de Tchekhov dans une version multilingue (y compris la langue des signes coréenne), les dialogues de cette pièce étant souvent présents dans d'autres parties du film. Malgré le fait que l'intrigue ne se mette vraiment en place qu'après plus de 40 minutes (lorsque le générique d'ouverture apparaît enfin), la durée du film n'est en aucun cas un obstacle. De plus, le film est superbement écrit et réalisé du début à la fin, se distinguant non seulement par l'importance accordée à la communication formelle entre les personnages, mais aussi par une série de scènes inventives et fascinantes, ainsi que par l'intégration de plusieurs micro-récits oniriques.

Discours sur le prologue, les douze chapitres et l'épilogue de la vie de Julie, bientôt 30 ans, qui cherche sa place dans la vie et cherche à se comprendre elle-même, ses émotions et ses relations amoureuses. Une tentative relativement réussie de témoignage générationnel, qui tente également d'aborder plusieurs autres sujets sérieux et qui séduit grâce aux performances naturelles des trois personnages principaux ainsi que par une mise en scène électrisante et un humour sympathique. Les dialogues intelligemment écrits sont parfois légèrement prétentieux et le récit se décompose un peu, non seulement en raison de la division en chapitres, mais aussi en raison d'un trop grand va-et-vient entre les différents thèmes, en particulier vers la fin. Le film est donc le plus fort dans quelques détails et passages très impressionnants et marquants, tels qu'un flirt innocent au bord de l'infidélité lors d'une fête, le passe-temps avec l'amour de sa vie lors d'une journée dans une ville temporairement à l'arrêt, ou encore la prise des champignons hallucinogènes. Bien que l'émotion attendue à la fin ne se produise pas et que les deux heures soient peut-être un peu trop longues en raison du rythme lent et qui ralentit progressivement, il s'agit tout de même d'un moment très agréable et enrichissant.

Le méditatif et spirituel Memoria d'Apichatponge est considéré comme son film le plus accessible, ce qui signifie toujours qu'en raison de son rythme extrêmement lent de narration, de la longueur de certaines prises de vue contemplatives, statiques et sans narration et de la symbolique ambiguë, environ un pour cent des spectateurs potentiels l’appréciera seulement (auquel je n'appartiens pas moi-même). Le réalisateur thaïlandais s'est aventuré pour la première fois hors de son pays et s'est éloigné de la mythologie et de la culture asiatiques, mais il a conservé ses marques de fabrique et son approche indéniablement poétiques. L'histoire d'une veuve (Tilda Swinton joue de manière intentionnellement atténuée) qui tente de percer l'origine des coups sourds qui lui résonnent parfois dans la tête est ancrée en Colombie, où l'espagnol et l'anglais sont parlés. En plus de la quête spirituelle de la signification d'un son aléatoire et de son analyse, le film se concentre également sur des motifs métaphoriques contrastés qui font référence soit à la décomposition et à la fin de la vie (les restes millénaires, la maladie inconnue de la sœur de l'héroîne), soit à sa préservation à long terme (le réfrigérateur contenant des orchidées). Dans l'ensemble, il est difficile de maintenir un état d'attention tout au long du film, et ni la plongée curative et purificatrice dans les bras de la nature dans la deuxième moitié, ni l'étrange pointe finale de science-fiction n'y parviennent.

Un film incroyablement élégant qui explore les amours et les destins croisés de trois trentenaires parisiens. Le cinéaste expérimenté Jacques Audiard montre qu'il est toujours au fait des tendances de notre époque et de la modernité du cinéma, et qu'il possède le talent pour écrire des dialogues intelligents et crédibles, ainsi que pour développer des personnages convaincants et bien travaillés. Il dirige également brillamment les acteurs et travaille la musique avec excellence. La caméra en noir et blanc est magnifique, offrant une esthétique érotique très captivante. Certains sujets traités peuvent sembler un peu superflus, mais dans l'ensemble, le film fonctionne exceptionnellement bien.

Début extrêmement mûr et solidement maîtrisé, le talentueux Panah Panahi ne renie pas son père. Fondamentalement, il s'agit d'un drame sur les adieux d'une famille à son fils adulte qui quitte son pays natal. Malgré la gravité de la situation, le film appartient plutôt au genre très divertissant et amusant de la comédie road-movie, dans lequel l'humour et l'amertume sont parfaitement équilibrés. Dès la première scène, le film déborde d'idées de réalisation, de situations comiques (parfois tristes) judicieusement placées et d'interactions verbales amusantes entre les membres de la famille - à bord de la voiture de location, le fils aîné introverti côtoie le fils cadet extraverti et extrêmement énergique (l'une des meilleures performances d'acteur enfant que je n’ai jamais vues), le père bavard avec une jambe cassée, la mère inquiète qui a promis de ne pas pleurer et le chien malade. Les espaces intérieurs étroits alternent avec des plans extérieurs étendus et soigneusement composés. La caméra est globalement magnifique. Quelques défauts mineurs - l'humour loupe parfois sa cible (la moquerie constante du fils aîné n'est pas aussi drôle qu'elle aurait pu l'être), la raison pas clairement contextualisée du voyage du fils - diluent légèrement les émotions et la fin est inutilement calculée pour être sentimentale. Mais néanmoins, une immense surprise et une curiosité piquée au vif quant aux prochaines réalisations du réalisateur.