Filmmaniak

David Attenborough raconte sa vie et, en arrière-plan des changements survenus sur Terre ces dernières décennies, présente un appel clair et compréhensible sur le thème de l'écologie. Le film sert non seulement de récapitulation parfaite de la carrière de ce célèbre documentariste, mais aussi de message important sur l'état de l'environnement, où sont présentées des propositions et des visions constructives au lieu de chercher des coupables.

Un documentaire coup de poing et précis qui après les vingt premières minutes est déjà cent fois plus dense et enrichissant que toute l'affaire du méthanol. Ce qui commence comme un désastre total dans un hôpital roumain se termine par une désillusion totale à l'égard du système de santé local, rongé par la corruption, la tromperie et les mensonges au sein de l'appareil d'État. Une observation génialement réalisée par des journalistes d'investigation qui, malgré des menaces anonymes, se plongent dans les coulisses de l'histoire des soins de santé socialistes qui, au lieu de guérir les gens, les assassinaient. Cela ne rend personne heureux, mais il est d'autant plus important que de telles choses existent.

Mank attire le public principalement en démêlant l'enchevêtrement des influences qui l'ont conduit à écrire le célèbre Citizen Kane à travers le personnage titre, un scénariste alcoolique. Cependant, l'écriture même de ce scénario est reléguée au second ou troisième plan par Mank, sans aucun tournage, le grand Tom Burke dans le rôle d'Orson Welles n'apparaissant que trois minutes au total, et Mank ne s'en tient pas beaucoup aux faits historiques - il présente par exemple l'implication de Wells dans la création du scénario comme un mythe depuis longtemps démenti. En fait, Mank s'intéresse plutôt au fonctionnement général d'Hollywood dans les années 1930 et pendant la Dépression, puis il nous parle de l'ambiance politique de l'époque et de l'affaire de l'élection du gouverneur de Californie en 1934 dans des proportions à peu près égales, ce qui, on le comprend, n'attire pas tellement l'attention du public. Mais là n'est pas le problème. Le problème, c'est que rien de tout cela n'est traité de manière très engageante. Si je comprends parfaitement le désir de Fincher de réaliser un film basé sur le scénario longtemps retardé de son père, il s'agit malheureusement d'un scénario rempli de personnages inintéressants et mal définis qui, s'ils prononcent souvent des répliques pleines d'esprit et mesurées avec précision, ne sont guère utiles lorsqu'il n'y a personne à l'écran avec qui construire une quelconque relation. La seconde moitié perd d'ailleurs fondamentalement de sa force et, à l'exception d'une scène d'ivresse lors d'un dîner mondain, ne contient même pas d'éléments particulièrement remarquables. Le film Ed Wood de Tim Burton, par exemple, a été réalisé avec une intention similaire et s'est avéré bien meilleur. Mank se rapproche également de Citizen Kane par sa tentative de rétro forme audiovisuelle, qui est impressionnante mais peu cohérente (après tout, le film a été tourné en écran large numérique), une structure narrative compliquée pleine de flashbacks (qui sont parfois interrompus de manière assez étrange) et un certain nombre d'allusions différentes (citations visuelles, références au traîneau et au bourgeon, par exemple). Citizen Kane est donc à voir impérativement à l'avance. S'orienter vers les personnages clés de la société hollywoodienne de l'époque n'est heureusement pas nécessaire, mais c'est un avantage certain.

Un thriller d'action qui se transforme en une comédie absurde après quinze minutes, attaquant les neurones cérébraux avec des rebondissements complètement débiles, une intrigue tirée par les cheveux et des stéréotypes clichés - voyez les passagers de l'avion, parmi lesquels un médecin musulman barbu, une petite fille qui vole retrouver son père, des amoureux essayant d'avoir des relations sexuelles dans l'avion, un expert en informatique capable de programmer un message infecté en huit minutes et une femme qui gagne la confiance totale du héros simplement en étant assise à côté de lui. Liam Neeson est comme d'habitude le dur à cuir ultime, mais son adversaire sous la forme d'un « terroriste invisible » devrait être mille fois plus fort pour réussir un plan si sophistiqué, basé sur une estimation parfaite des réactions du héros principal, une connaissance parfaite de la situation et une quantité infinie de coïncidences infernales. Grâce à son rythme effréné, il se passe toujours quelque chose et grâce à une caméra dynamique et des séquences d'action bien réalisées, cela se regarde bien, mais cela reste juste un film d'action sans cerveau pour une utilisation unique, offrant un artisanat cinématographique de qualité et plus de cent minutes de divertissement démentiel, mais aussi une histoire si dysfonctionnelle et illogique que cela devient en fait intéressant.

Un documentaire expérimental artistiquement et visuellement très hostile tourné dans la désagréable Antarctique, qui ne raconte aucune histoire concrète, mais auquel vous pouvez probablement donner de nombreuses significations et interprétations. Les 73 minutes apparemment modérées demandent un certain effort pour être supportées, notamment en raison d'une piste audio cacophonique intentionnellement composée de bruits divers, de mouvements et de respirations. Objectivement, il ne se passe pas grand-chose dans le film - l'introduction est basée sur quelques minutes de vidéo personnelle avec des commentaires narratifs, la vivisection amateure d'une biche et un peu d'abstraction, les 65 minutes restantes étant constituées de longs plans muets de la nature antarctique capturés par un drone volant dans différentes directions. De temps en temps, un animal apparaît, et dans la seconde moitié, un scientifique solitaire fait également son apparition, certaines images sont même visuellement captivantes et hypnotiques, mais la plupart sont simplement trop longues. Un troupeau de dinosaures est numériquement inséré dans un plan, et à la fin, il y a également un trou noir menant à l'espace (peut-être des rappels métaphoriques du passé et du futur, peut-être pas). Selon les réalisateurs, le film reflète la crise de l'identité humaine et la vague de réflexion post-humaniste causée par le développement des technologies et de l'intelligence artificielle ainsi que le changement climatique. Je suis reconnaissant de cette information, car je n'aurais jamais pu le déduire par moi-même.

En moins de quatre-vingts minutes, le talentueux et très compétent réalisateur débutant Bartosz Kruhlik a réussi à faire entrer beaucoup de choses dans le film - des performances émotionnelles, une atmosphère dense d'un dimanche d'été paisible interrompu par une tragédie soudaine, une chaîne d'événements en escalade avec des conséquences fatales pour les personnages qui agissent sous l'effet du stress et de la pression, le motif de la demande sociale de justice dans un monde d'autorités policières incompétentes et de riches escrocs se cachant derrière une immunité politique et des relations puissantes, ainsi que la polémique sur le caractère éphémère de la vie et l'approche d'un triste événement à partir de différentes perspectives. Mais au bout d'un moment, le drame en temps réel de la sécurisation d'une scène de crime, d'abord réaliste et habilement rendu par de longues séquences procédurales, cède la place à un mélodrame fortement exagéré et artificiel dans lequel des liens familiaux et amoureux insoupçonnés sont progressivement révélés, et qui, au lieu d'une supernova émotionnelle, finit dans les bras de métaphores littérales, de raccourcis simplistes et de flirts maladroits avec la métaphysique. Ce qui gâche un peu la bonne impression et le plaisir d'un film qui, par ailleurs, réussit à donner du spectacle avec peu de choses.

J'apprécie vraiment la demi-douzaine de gags et de scènes particulièrement drôles et imaginatifs, mais sinon c'est assez faible, surtout comparé au premier Borat si génial. Les confrontations avec les Américains « qui ne se doutent de rien » (qui cette fois-ci sont étonnamment résignés et se laissent tout faire) sont malheureusement fades, par endroits elles donnent l'impression d'être mises en scène artificiellement et surtout elles dégagent un désir désespéré de créer une intrigue sur le thème de la relation entre un père et sa fille, qui est malheureusement mal dirigée, forcée et ne fonctionne pas. Tant que Cohen provoque avec des costumes bizarres, ça peut encore aller, mais dès que l'intrigue jouée apparaît à l'écran, ou que quelqu'un d'autre que lui apparaît à sa place, le film perd immédiatement de son rythme. On ne peut parler de satire de haut niveau que sporadiquement, la plupart du temps il s'agit d'une comédie relativement standard avec de l'humour limite et beaucoup de scènes creuses.

Al Capone décrépit, atteint d'une démence qui s'aggrave et aux prises avec les effets de crises cardiaques et de maladies vénériennes, passe la dernière année de sa vie dépendant des soins de ses proches, affrontant ses péchés passés et son passé brutal dans de nombreuses hallucinations. Malgré ce sujet peu attrayant, cela aurait pu être au moins un drame biographique contemplatif intéressant et remarquablement conçu, mais sa réalisation est très malheureuse. Les motifs répétitifs et les visions délirantes de Capone n'ont pratiquement aucun sens et le film dans son ensemble ne traite donc de rien et se désintègre tout comme l'esprit du héros principal. Heureusement, grâce aux acteurs, ce n'est pas gênant et involontairement drôle. On pourrait résumer cela comme une attente insatisfaisante pour savoir si Capone se souviendra finalement où il a caché ses millions, cependant, un mystère bien plus grand est de savoir comment Tom Hardy a été convaincu d'accepter un rôle où, en tant que gangster le plus célèbre de l'histoire, il ne fait que glousser et marmonner des jurons italiens, sucer des carottes et avoir l'air répugnant.

Alors que la structure narrative du livre « Cloud Atlas » ressemble plutôt au démontage et à l'assemblage d'une poupée russe, dans le film, les différentes lignes narratives sont entrelacées et racontées simultanément, de sorte qu'elles ne culminent pas graduellement mais toutes en même temps. Grâce à un montage fantastique, passant d'un moyen mnémotechnique à un autre, les dialogues, les différents détails et similitudes, ainsi qu'à la réalisation et à la direction très maîtrisées, toutes les histoires peuvent atteindre un point culminant aux mêmes endroits et donner l'impression d'un ensemble complexe, sans pour autant tomber dans la confusion et le chaos. Cette œuvre ambitieuse et audacieuse ressemble à une adaptation de six livres à la fois, combinant l'aventure historique en mer, le drame d'époque, le thriller d'espionnage, la comédie enjouée, la science-fiction dystopique, ainsi qu'un mythe postapocalyptique et le thème central de la réincarnation et de l'interdépendance des personnages est souligné par l'utilisation de masques ingénieux et par le casting de chaque acteur et actrice dans une demi-douzaine de rôles, indépendamment du sexe, de la nationalité ou de la couleur de peau. La collaboration entre les Wachowski et Tom Tykwer était apparemment un aspect clé pour que le film puisse fonctionner dans tous les styles et avoir une impression d'unité. Une superbe production, une musique exceptionnelle, une forme cinématographique révolutionnaire et inégalée, une réflexion à plusieurs niveaux, un travail interconnecté avec les motifs et les thèmes, l'une des meilleures adaptations de livre jamais réalisées.

Un film d'horreur quelque peu déséquilibré mais intéressant sur le vieillissement et les maladies neurodégénératives à l'apparence trompeuse. Dès le début, il est tourné comme une affaire de fantôme standard dans une maison hantée, ce qui se reflète dans l'utilisation des thèmes habituels du genre pour créer une atmosphère (des ombres mystérieuses dans les couloirs, une chose cachée sous le lit…), qui, cependant, n'ont pas de sens du point de vue de l'histoire et sont un peu superflus dans le film (comme tous les personnages secondaires). En effet, le scénario du film est ancré dans une réalité brutale (et lui donner la forme d’un film d’horreur sur une malédiction familiale est parfaitement logique), et sa résolution repose sur une seule métaphore visuelle qui balaye tout le reste. La joie des personnages, conçus de manière non triviale, et le travail réussi sur les intérieurs sont donc gâchés par une fixation inutile sur quelques indices insuffisamment liés et surtout trompeurs de la présence de certains fantômes qui n'ont rien à voir avec le thème central du film.