Filmmaniak

Un film de zombies expérimental, intellectuel et ironique réalisé par un réalisateur qui méprise les films de zombies commerciaux standards, et ça se voit. La déconstruction volontaire des règles du genre des zombies, le renversement des conventions et des stéréotypes semblent plus être le fruit d'une mauvaise humeur que d'une démarche novatrice, et le résultat est un film clairement anti-divertissant qui semble être fait au hasard, avec un scénario délibérément paresseux rempli de répétitions et de personnages sous-exploités se réduisant à une satire sociale épuisée et superficielle ainsi qu'à quelques méta-blagues, avec un rythme plus paresseux que la marche traînante des morts-vivants, et qui cible les spectateurs qui, dans la plupart des cas, ne vont probablement même pas le regarder en raison du sujet choisi.

Les animateurs ont fait un excellent travail en ce qui concerne l'authenticité de la représentation des animaux vivants et de la nature, de sorte que l'animation est absolument captivante et de nombreuses séquences ressemblent à celles d'un documentaire animalier. Le problème est que Le Roi Lion n'est pas un documentaire sur la savane africaine, mais une comédie musicale de Disney dans laquelle les animaux parlent et chantent, ce qui ne s'accorde pas vraiment avec l'animation photo-réaliste. De plus, afin d'atteindre un maximum de crédibilité, toute expression « humaine » a été retirée des héros animaliers, ce qui fait que seule la voix de leurs doubleurs porte les émotions dans leurs dialogues, mais cela ne suffit pas sans le support de visages d'animaux. L'histoire (essentiellement « Hamlet ») ne diffère en rien de la version animée (elle est simplement plus longue d'une demi-heure) et reste évidemment géniale, juste qu'elle n'a pas grand-chose de surprenant si vous avez déjà vu Le Roi Lion original. Le nouveau Roi Lion est donc seulement une copie technologiquement parfaite, mais sinon un peu dénuée d'âme par rapport à son prédécesseur bien meilleur.

La version filmique d'Aladdin perd beaucoup par rapport à l'original animé, mais regarder ce film demeure une expérience globalement agréable, principalement grâce à ses décors somptueux et remplis de couleurs, bien que leur conception soit un peu hétéroclite, influencée par tout ce qui est imaginable. Les éléments arabes se mêlent aux influences du Bollywood indien (y compris la séquence de danse à la fin) et à l'esthétique des carnavals brésiliens, mais malheureusement, il y a aussi des scènes de breakdance et de beatbox. En ce qui concerne l'histoire, il ne s'agit pas exactement d'une copie, car il y a plusieurs passages supplémentaires, deux nouvelles chansons, et certaines scènes ont été réorganisées et leur contenu modifié (parfois pour le mieux, parfois pour le pire). Will Smith incarne le génie de manière ludique, drôle et émouvante avec aisance. Comparés à lui, Mena Massoud et Naomi Scott, dans les rôles d'Aladdin et de la princesse Jasmine, ont plus de difficultés à gagner la sympathie des spectateurs, et Marwan Kenzari est carrément tragique dans le rôle négatif du conseiller du sultan Jafar, avec son expression de cire et son manque de charisme.

La vérité fait parfois mal, mais malheureusement, celle-ci ne fait pas mal du tout. Ce drame aborde l'ambiguïté et la relativisation de la vérité, ainsi que la mémoire peu fiable qui peut altérer la vérité cachée dans nos souvenirs au fil du temps. Il se concentre sur la relation entre une mère, célèbre actrice arrogante et suffisante en fin de carrière, et sa fille qui a préféré fuir à l'étranger et lui reproche sa constante négligence et son mépris. Cependant, ce conflit prometteur et potentiellement très puissant ne donne pas grand-chose, car le film s’en tient à une atmosphère paisible du début à la fin et, au lieu de confrontations cathartiques, il s’enveloppe de métaphores littérales et de relations entre la réalité et le monde du cinéma de fiction. Bien que les personnages révèlent progressivement plus d'informations sur leur passé, les différends mutuels ne sont pas résolus et ils se confortent plutôt dans la nécessité d'utiliser la dissimulation, le mensonge et la manipulation, car c'est selon eux un moyen fonctionnel de maintenir la famille unie (une famille illusoire et seulement en apparence cohérente, dont les membres prétendent en privé être une famille et prétendent le contraire en public). Le message du film, défendant le bien-fondé de tels comportements et encourageant même la plus jeune génération à les adopter, peut être qualifié au minimum de déformé. Malgré une réalisation sensible et de brillants acteurs, à la fin de La vérité, reste un goût amer, non seulement en ce qui concerne le traitement du sujet lui-même, mais aussi du grand film que cela aurait pu être si Hirokazu Kore-eda s'était sérieusement attaqué aux reproches mutuels entre une mère dominante et sa fille offensée.

Le film suit le schéma narratif assez bien établi d'un nouveau venu intégrant une communauté fermée et divisée, qu'il finit par rassembler involontairement, mais qui ne peut échapper à son passé - et sa forme est relativement classique quant à la majeure partie du film. Ce qui n'est pas si habituel, c'est la performance incroyablement marquante et presque démoniaque de Bartosz Bielenia, qui réalise une performance exceptionnelle dans le rôle principal et porte tout le film sur ses épaules, ainsi que la perspective de son personnage qui voit le monde à travers Dieu tout en se découvrant lui-même. Le film est également remarquable pour son traitement complexe de la foi religieuse et pour sa caméra statique, qui surprend cependant par un mouvement soudain mais justifié à un moment clé de la fin. Ce remarquable drame se distingue également par son scénario élaboré et sert de preuve supplémentaire que même un film intime avec un petit budget et quelques décors seulement peut être filmé de manière à offrir une expérience forte et exceptionnellement impressionnante au spectateur.

Un excellent drame sur la (non)mort, avec des personnages parfaitement crédibles, filmé de manière réaliste, civile et sans pathos et sans trop pousser. Grâce à un scénario formidable et à des acteurs exceptionnels (parfois époustouflants), il offre des moments forts à la fois dans les moments émotionnellement intenses et dans les passages plus calmes. Une course désespérée dans les hôpitaux et les consultations avec un personnel pas toujours compatissant pendant la période des fêtes de Noël et du Nouvel An, racontée jour après jour, qui est étonnamment plus qu'une plongée dans la dépression et la morosité car le film, dans sa seconde moitié, essaie de compenser le chagrin distillé auparavant par une quantité énorme de mièvreries touchantes, ce qui entraîne paradoxalement une perte d'émotion. Il s'agit néanmoins d'une étude relationnelle souverainement dirigée et précise à tous égards, dans laquelle il est également intéressant de noter que le couple constitué des protagonistes principaux initialement assez éloignés se retrouvent et que leur amour flétri prend un second souffle grâce à l'idée de la mort imminente de l'un d'eux.

La tentative de Garrone de revenir aux sources du célèbre texte littéraire a pris la forme d'un mélange de conte de fées fantastique moderne et de réalisme artistique, basé principalement sur la représentation poétique de la pauvre campagne italienne et sur des scènes sombres, rendues dans la stylisation visuelle traditionnelle et distinctive du réalisateur, dont il a également doté Tale of Tales : Le Conte des contes et ses drames bruts. Cependant, les épisodes allégoriques du protagoniste vilain, distrait et trop confiant, qui lui causent des traumatismes temporaires et lui donnent ensuite des leçons de morale, semblent contradictoires et décousus, et certaines de leurs leçons se contredisent même entre elles, sans parler de la présence de personnages secondaires carrément infantiles et d'une morbidité insupportable. La fée magique et le grillon n'apparaissent que sporadiquement dans le film et n'ont donc pas d'impact sur la formation du compas moral du Pinocchio titulaire, dont la représentation est un défaut fondamental, car il n'est pas assez intéressant et il est pratiquement impossible de susciter de la sympathie pour lui, comme si Garrone avait trop misé sur la perfection de son apparence physique et n'avait plus cherché à charmer le public avec sa personnalité, son comportement et ses sentiments. Ainsi, outre quelques accrocs à l'intrigue, le film souffre d'un manque d'émotion et, compte tenu de la lenteur de la narration, il est souvent décousu. Il est porté par les acteurs et l'excellente réalisation technique, mais le résultat tient grâce à quelques moments inédits plus pour sa remarquable bizarrerie que pour ses qualités.

Sweethearts est un mélodrame traitant entre autres de la prostitution, de la drogue, de l'infidélité, d'une tumeur au cerveau, de tendances suicidaires, de fugues de la maison et de nombreuses grossesses, étonnamment présentés comme un divertissement, léger et égayé par des passages comiques. Il s'agit d'un film tchèque qui tente encore de se présenter comme une histoire douce-amère sur la vie, mais qui en réalité reste complètement détaché de la réalité (la représentation de la relation entre une prostituée et son souteneur, ainsi que les conditions de travail dans les multinationales relèvent d'un autre univers) et dont les personnages ne sont que des figures primitives, définies par un ou deux stéréotypes (tous les hommes adultes sont des salauds égoïstes et insensibles, tandis que les héroïnes féminines sont leurs victimes tourmentées et naïves). Malgré la banalité et la sottise du contenu, on ne peut pas nier la brillante réalisation de Sweethearts et son sens de la narration, ainsi que sa conception formelle solide (montage, caméra, musique, acteurs investis). De plus, le rythme de Sweethearts est correct, le dénouement remarquablement mis en scène en un seul plan, et même le déroulement progressif des relations entre les différents personnages est assez divertissant. Dans l’ensemble, il s’agit donc d’un film dont la superbe réalisation est à plusieurs niveaux meilleure que ce que méritent son intrigue lamentablement écrite et ses personnages plats.

Tenet est le film le plus complexe de Nolan en termes d'histoire et de structure narrative. Il exige de l'attention et de la concentration, mais malgré tous les efforts des spectateurs, il laisse des questions et des incertitudes après le premier visionnage. Bien qu'il ait tendance à jongler entre la compréhension générale et le chaos confus en raison de la surabondance de stimulations, d'informations et d'expérimentations temporelles, il ne tombe jamais dans le désordre inintelligible, ce qui est clairement signe des qualités de réalisation et de narration de Nolan. Le motif central du temps est exploité de manière inventive, donnant lieu à de nombreuses scènes spectaculaires et enrichissant constamment le récit de nouvelles possibilités inattendues, ce qui fait monter l'action à des dimensions très imprévisibles et complexifie constamment l'intrigue. Cependant, il s'éloigne de plus en plus de l'explication de ce qui se passe réellement à l'écran, de ce qui devrait être compris et de ce à quoi il faudrait prêter attention. Il n'est pas nécessaire d'analyser en détail la structure du film et sa séquence événementielle, on peut le lire tranquillement de manière intuitive et basée sur l'expérience physique, soutenue principalement par une composante sonore et musicale intense et une action filmée de manière réaliste. Comparé à certains des films précédents de Nolan, Tenet est loin d'être parfait (surtout en ce qui concerne le traitement froid des personnages principaux et quelques motifs quelque peu banals et maladroits), mais il est tout de même admirable et absolument magnifique. Il maintient un rythme rapide et constant, pas une seconde de trop, il est bien assemblé et ne laisse pas beaucoup de répit dans de nombreuses séquences. C'est fascinant, visionnaire, révolutionnaire sur le plan narratif et assez unique. C'est l'un de ces films dont vous auriez pensé qu'il était impossible à réaliser si quelqu'un vous en avait parlé. Christopher Nolan l'a accompli avec une précision absolue et un talent cinématographique remarquable.

Bien que ce soit une comédie estivale, la seule chose drôle à propos de cette comédie est que Jaromír Hanzlík, âgé de soixante-dix ans, s'est lui-même assigné le rôle d'un séducteur charismatique et mystérieux qui séduit des femmes beaucoup plus jeunes avec des poèmes romantiques et des promenades le long des méandres de la Vltava. Cependant, il semble plus être un psychopathe lubrique venant dans les villages pour séduire les femmes mariées et la seule raison pour laquelle il peut être considéré comme un personnage relativement solide est parce que tous les autres personnages masculins du film sont des ivrognes avachis et déplaisants. Le casting du personnage principal féminin est également extrêmement bizarre, car elle est jouée par une actrice quarantenaire alors qu'elle devrait être plutôt sexagénaire. Une histoire déjà assez misérable est en plus entrecoupée d'épisodes absurdes sans lien avec l'intrigue principale (comme des débats entre villageois sur la gestion des égouts ou essayer de faire passer un cortège funèbre à travers la place avec des forains). Le film insinue ouvertement aux femmes que souffrir en tant que victime dans un mariage toxique fait partie de leur destin, parce que « tout est mieux que le divorce ». Le sexisme dégoulinant se combine ici avec un humour considérablement déplacé et la scène finale qui accompagne le générique de fin dans laquelle de la merde est déversée dans un champ, résume le mieux l'ensemble du film.