POMO

« Un prélude décemment mis en scène à la vidéo Pornhub milf-stepmom-something » - voudrait-on écrire pour la première demi-heure. Et il y a aussi ce porno avec des détails et un naturalisme surprenant. Mais de ce caprice irresponsable d'une femme dans la cinquantaine, qui semble n'être qu'un divertissement pour les femmes au foyer qui s'ennuient, émerge un drame familial d'une ampleur inattendue avec des répercussions sur tous les participants. Les Danois ouvrent à nouveau avec précision psychologique le thème des nuances sombres de la nature humaine, cette fois-ci celles des femmes les plus dangereuses et manipulatrices. La scène de contre-attaque de la protagoniste principale lorsqu'elle est acculée dans un coin par les accusations de son mari est la plus ouvertement révélatrice du trait de caractère féminin le plus typique. Étonnamment ouvert et direct pour notre époque. Je suis surpris que Trine Dyrholm ait voulu jouer un tel rôle. [Helsinki IFF]

Les personnages unidimensionnels et les brutalités revanchardes dignes d'un film « guilty pleasure » ne me dérangent pas mais The Nightingale, avec son talent narratif très limité, veut être un témoignage thématiquement significatif de la cruauté de l'époque de l'occupation de l'Australie par les Anglais avec leur arrogance et leur traitement cruel aussi bien envers les aborigènes que les bagnards. Le meurtre d'un nourrisson, le viol, le massacre de familles de fermiers juste pour le plaisir. Après une introduction très puissante, laissant présager un film de vengeance brutale, le film se déplace progressivement vers un objectif plus spirituel, tout en donnant constamment l'impression d'être l'exercice coûteux d'un élève moyen en cinéma. [Helsinki IFF]

Une étude de caractère d'un policier islandais, père, grand-père et surtout récemment veuf, qui découvre les secrets de sa défunte femme. Pas une enquête policière, mais un drame intimiste sur l'amour après la tombe, la déception et le pardon. Le sujet en apparence simple est rendu inhabituel par le récit, où le spectateur doit lui-même répondre à certaines questions, ainsi que par des inserts créatifs du scénario/montage, qui le rendent intéressant et singulier (captures d'écran de la météo islandaise, moniteurs de la police, chute de pierre, etc.). Et avec l'excellent Ingvar Sigurðsson. [Helsinki IFF]

Un film sauvé par le travail de caméra « en noir et blanc », le cadrage et l'éclairage. Et une représentation de l'époque par les décors et les costumes. Cependant, la structure narrative est complètement monotone, dépourvue d'arc dramatique, de symbolisme artistique, de procédures de montage plus sophistiquées et de développement émotionnel interne, qui auraient pu être au moins partiellement fournis par la musique (malheureusement complètement absente). L'oiseau bariolé manque de la plupart des éléments dont ce genre de film a besoin. Les personnages ont des visages expressifs, mais ils ne restent que quelques minutes, ne parlent généralement presque pas et ne contribuent en rien au film. Ils ne font que contribuer avec leur laideur à la perte précoce de l'innocence du garçon dans un environnement déplaisant. Et c'est précisément cette perte que nous comprenons dans les dernières minutes, après près de trois heures d'épisodes monotones se succédant et se ressemblant.

Une analyse psychologique de l'esprit d'un astronaute qui n'a pas de relation apaisée avec son père décédé (?). Pas un thriller de science-fiction, mais un monologue d'introspection intelligemment écrit à travers le personnage de Pitt sur les doutes intérieurs quant au sens d'un dévouement absolu au travail au prix d'une déviation du chemin auquel son cœur aspire. Les voyages spatiaux, même s'ils sont joliment conçus à plusieurs niveaux, ne font que rendre l'ensemble visuellement plus attrayant et lui confèrent une dimension philosophique magique. Le final pourrait même décevoir les fans de rock et de science-fiction qui s'attendent à de grandes choses. Un petit frère proche du Premier Homme sur la lune de Chazelle, mais celui-ci était plus fragile et fort en émotion.

Une petite douceur. Ni suffisamment effrayant, ni sanglant, uniquement un travail de qualité avec l'environnement/décor bien réalisé et une bonne représentation des années 80 (dans lesquelles elle serait plus appropriée). Le spectateur d'horreur moderne - même le plus jeune - est habitué à des expériences de genre plus intenses, procurant de plus grands frissons et des sensations effrayantes plus fortes. Même dans des œuvres mal écrites et mal réalisées. Mais c'est à cause de leur intensité qu'ils viennent les regarder. Et ici, il n'y en a pas beaucoup.

En ce qui concerne la narration d'une histoire dramatique et la représentation des personnages c'est moins cohérent que le premier volet, ça fait davantage série B réchauffée (la quête d'artefacts personnels est le quart le plus faible du film). D'un autre côté, c'est plus dense en événements, avec plus de monstres, bien que cela soit insensément incorporé ou volé de quelque part (la tête d'araignée a enfin trouvé plus d'espace). Par moments, ça m'a amusé, par moments ça m'a ennuyé, et dans l'ensemble ça m'intéresse si peu que je n'irai pas voir le troisième opus.

Une boutique de fringues intemporelle comme temple multicolore des besoins et des faiblesses humaines, habité par une vampire gothique, un serviteur bizarre et des courtisanes. Un voyage mystérieux à travers les fétichismes humains et les angoisses intérieures, avec la perspective attrayante du giallo. La première moitié est captivante et stimule la curiosité. La seconde, qui tourne la page et observe d'autres victimes, est intéressante seulement au début, avant de se connecter au côté commun du mal. Ensuite, cela devient ennuyeux en rappelant les situations de la première moitié sans les faire avancer de manière significative. Et l'élan général du récit captivant va en s'affaiblissant. On dirait que Strickland ne savait pas quoi faire d'un jeu pourtant plein de bonnes cartes. Le format de la série, où dans chaque épisode la robe tueuse serait accueillie dans un foyer différent, lui conviendrait mieux. Ainsi, le créateur pourrait s'intéresser à des dizaines de constellations bizarres de personnages et à leur fonctionnement intime « à huis clos ».

Fritz Lang avait-il vraiment besoin de plagier Hitchcock de façon si bon marché ? Ce n'est ni un éloge, ni un hommage rendu à Rebecca, c'est un plagiat de qualité inférieure à tous points de vue. Sans la scénographie gothique censée lui donner l'atmosphère mystérieuse nécessaire, avec un personnage principal masculin sans le charisme nécessaire, avec le personnage potentiellement le plus intéressant, son fils, insuffisamment développé, et avec une révélation finale insatisfaisante et banale. [Noir Film Fest]

Ce qui importe avant tout c'est le plaisir d'une belle et élégante mise en scène du Hollywood des débuts avec des décors somptueux et des acteurs excellemment choisis et stylisés, davantage que l'histoire. Celle-ci ne parvient plus à captiver comme à l'époque de sa création et elle ne soulève le voile de l'enthousiasme du public qu'avec la révélation finale de la vérité. De plus, l'angoisse ressentie par l'héroïne est davantage perçue par le public féminin que masculin. Pour moi, Rebecca c'est avant tout le charisme de star de Laurence Olivier, le design et l'atmosphère sombre du domaine de Manderley et la silhouette noire de la mystérieuse gouvernante dans les intérieurs aux longs rideaux. C'est-à-dire des éléments que Hitchcock a ultérieurement utilisés dans des œuvres plus marquantes et plus importantes selon moi. [Noir Film Fest]