POMO

Le cousin de la famille Opus, comme dans "Vrah Rosemary" (1981) ou "The Toolbox Murders" (1978) - c'est-à-dire un slasher brutal et sanglant, se délectant perversément des homicides les plus brutaux possibles sur des victimes choisies au hasard. Le film est centré sur le tueur, avec un aperçu de son esprit à travers ses ronflements incessants... ehm. Une scène impressionnante (saut sur une voiture avec un fusil à pompe), une scène excitante (les toilettes du métro) et une fin inattendue et étonnamment bonne - voilà ce qui fait relever ce désordre de série B à 2 étoiles.

Mon amour platonique d'enfance, le film le plus drôle ou le deuxième plus drôle que j'ai jamais vu de ma vie. Par un heureux hasard, aussi le plus sanglant. Regarder Braindead c'est comme regarder une nonne de 50 ans en chaleur, perdant sa virginité avec Rocco Siffredi - un voyage ultime dans la décadence et l'humour le plus dépravé. Je suis allergique aux animaux domestiques, mais je veux absolument avoir un singe de Sumatra à la maison, quoi qu'il en coûte. Et plus jamais le pudding ne me goûtera comme avant.

Odysea humaniste dans l'âme d'une personne monstrueuse à l'extérieur, mais belle à l'intérieur. Un travail de maître avec la caméra et la lumière, des performances d'acteurs exceptionnelles. Une approche de réalisation aussi sensible que si celui-ci s'inclinait à genoux devant le sujet. Un événement cinématographique avec l'une des plus belles conclusions de l'écran.

Dans Million Dollar Baby, Clint Eastwood ne bouge pas du ring, ici il ne bouge pas de la véranda de sa maison. Gran Torino marche dans les pas intimes de son récent opus de boxe et donne au spectateur un coup encore plus fort. Clint réalise l'un de ses personnages les plus intéressants dans ce film, qui se déroule sans accrocs. Dans un environnement clair d'histoire simple, la continuité parfaite des scènes individuelles est mise en évidence, servie à vos yeux sur un plateau dans l'étude curieuse du caractère de Clint. Même un plan court de tonte de pelouse a du sens dans ce film. Tout a un sens et sa place. Sans parler de la chanson pendant les crédits de fin...

Sitcom américain de mauvais goût sur une famille dysfonctionnelle présentée en long métrage. La moitié des blagues ne sont pas drôles, le reste passe. Heureusement, vous avez le temps d'apprendre à connaître les personnages et de vous accrocher jusqu'à la fin du film, mais la majeure partie du temps précédent souffre précisément du fait que vous ne comprenez pas ce qui est censé être drôle dans ces scènes. Une comédie identique mais beaucoup plus inventive est le film de Frank Oz "Death at a Funeral" (2008).

Un sombre thriller criminel de style film-noir dans l'esprit des films de Fincher comme Se7en ou Zodiac. Une atmosphère sombre et désespérée, avec un excellent Daniel Auteuil, la belle et fragile Olivia Bonamy, des dialogues avec des serviettes sales dans le cendrier, arrosé de whisky froid. Techniquement brillantement maîtrisé. Mais le scénario aurait pu être plus retenu dans l'immersion de Auteuil dans l'alcool. Il en boit peut-être plus que Nick Cage dans Leaving Las Vegas et le film semble donc être 20 minutes plus long qu'il ne l'est réellement. Malgré tout, quatre étoiles méticuleusement déprimantes.

Bagarre historique pour le spectateur consumériste. Une caractérisation simplifiée des personnages, les émotions entre les deux personnages sont créées ici par une mise en lumière kitsch et un flou d'image en dehors de leurs visages. Comme dans le pire des telenovelas. D'un autre côté, l'histoire avance à un rythme rapide et Bratislava et Prague, peintes avec la musique de Philip Glass, ont un charme irrésistible, presque historiquement féerique. Il est un peu surprenant que le personnage le plus marquant (et la performance d'acteur) ne soit pas Edward Norton, mais Paul Giamatti. Si ce n'était pas pour l'effort ridicule de nous choquer avec une conclusion que tout spectateur un peu pensant découvrira (au moins) dix minutes plus tôt, et surtout si ce n'était pas pour son incohérence totale et son manque de finition, je lui donnerais 4 étoiles "coupables".

La photo aurait pu être encore un peu meilleure si elle s'était davantage concentrée sur les causes de l'état de Lars et avait exploré plus en profondeur sa psyché (voir Le temps du réveil). Mais la voie plus simple que les créateurs ont choisie, celle d'une charmante visite dans le village où un original reçoit le soutien maximal de voisins compréhensifs et bienveillants, n'est pas à jeter. L'approche des créateurs est originale, elle s'adresse à un spectateur plus sensible, elle dispose d'un charmant recul humoristique et d'un subtil équilibrage entre la réalité et un monde idéaliste enjolivé. Et cela demande un talent scénaristique et réalisateur non négligeable. J'accorde quatre étoiles non seulement à l'excellent Ryan Gosling, mais à TOUS les acteurs. Sans eux, cela ne fonctionnerait pas. Et aussi pour cette sage définition de l'âge adulte par Paul Schneider.

Dans le cadre de la filmographie de Lucia Fulci, qui est jonchée de quelques films d'horreur merdiques, c'est ironiquement ceux-là qui l'ont le plus "célébré" (et plongé dans l'ombre d'un réalisateur de série B), Les Portes du silence sont un exemple supérieur de son talent pour créer une atmosphère et travailler avec la caméra et les décors. Dans ce cas, surtout les extérieurs. Dommage que la chute soit claire dès les premiers génériques et que le film commence à traîner dans le dernier tiers. Mais cela est en grande partie compensé par le solide John Savage, que la caméra ne quitte pratiquement pas des yeux.

La fantasmagorie frontalière, qui enchante simultanément par une régie sentimentale magistrale de Neil Jordan et tue par l'innocence virginale de son histoire, emmêlée de manière contradictoire dans un enchevêtrement ennuyeux de trois lignes narratives entrelacées. Une expérience incroyable et douloureuse en un seul film, que vous ne verrez certainement pas beaucoup ailleurs. Une belle expédition, un caméo sympathique de Terence Stamp.