Dionysos

Quand vous regardez dans un gouffre, le gouffre vous regarde aussi. Et quand vous regardez la machine huit heures par jour, la machine entre en vous. Petri esquisse clairement dans la première moitié une étude géniale de l'interaction mutuelle entre l'ouvrier et "sa" machine. Le temps où être simplement l'annexe de la machine ne suffit plus, mais où il faut aussi l’aimer, Lulu le prend au sérieux - la machine et son rythme deviennent pour lui un lieu où il libère sa frustration, réalise ses désirs, où il devient meilleur que les autres. Sans réfléchir, il a réussi à se concentrer sur la monotonie de la machine, sans remarquer que son rythme passe directement en lui. Et Lulu, joué par Volonté, est, comme dans le précédent film de Petri, un personnage au bord de la folie. La nécessité de s'adapter à la régularité du monde de l'usine est semblable à celle d'une vie d'asile, à la différence que le fou voit le mur qui le sépare du monde, tandis que l'ouvrier construit brique après brique autour de sa chaîne de montage et finalement en lui-même. Et quand on essaie de résister au rythme, de ne pas suivre le pas ? Tant que vous donnez tout à la machine, elle vous renvoie quelque chose, mais si vous ne lui donnez qu'un peu, elle vous prendra tout. L'ouvrier a un doigt pour le sacrifier à tout moment, le "patron" a un doigt pour vous montrer où est votre place.

Il semble qu'il soit simple de sortir dans la rue et de s'engager dans une conversation avec un Parisien serviable, de développer avec lui un dialogue par le biais d'une douce maïeutique (le film pourrait s'appeler "Le joli maïeutique"), de tout filmer avec des cameramen qui comprennent qu'un plan documentaire ne se réduit pas à planter un trépied dans le sol et à seulement filmer une tête parlante, puis de rafraîchir le film avec quelques réflexions plus profondes pour méditer. Mais comme plus de 50 ans se sont écoulés et que personne n'a encore réussi à égaler cette œuvre en termes de qualité ou de portée, tout cela parle en termes de simplicité de la tâche qui se posait aux auteurs. À l'époque, le film complétait le courant cinématographique émergent (français) du cinéma-vérité, en particulier le célèbre Chronique d'un été de Rouch/Morin. L'âme de la France, traquée dans les rues parisiennes, se débarrassant du poids du passé et cherchant un autre avenir. P.S. Le film d'origine dure environ 160 minutes, mais dans la version anglaise (initialement destinée aux États-Unis), le contenu a été réduit à moins de deux heures. Certaines scènes importantes ont été supprimées, en particulier celles ayant une portée politique (comme les souvenirs de torture pendant la guerre d'Algérie). Cette version est également disponible sur uložto.

Le cliché de l'unité du contenu et de la forme dans toute sa beauté, qui prouve qu'en réalité ce n'est pas du tout un cliché. Donc, quand quelqu'un a une telle sensibilité cinématographique comme Varda. L'intrigue elle-même n'est pas spectaculaire en soi, jusqu'à ce que nous soyons éblouis par la couleur des images cinématographiques et ce sont justement les couleurs qui colorent tout le film. Elles ne sont pas du tout seulement un ornement esthétique, elles jouent également un rôle (et peut-être même principalement!) dans le sens. Le jeu entre quelques couleurs principales (jaune, vert, bleu, rouge) crée l'axe du film dans de nombreux aspects. D'abord, la symbolique que chaque couleur acquiert en relation avec l'environnement et les objets sur lesquels elle apparaît (ex. 1: le rouge = lors de la conversation avec la maîtresse dans le café, il y a un panneau rouge en arrière-plan avec l'inscription "tentation", mais lors des transitions, il y a un panneau "confiance" sur une façade rouge, puis, dans un autre plan, un mur blanc avec l'inscription "certitude" - suivi d'un montage de la femme en robe rouge et blanche; ex. 2: le bleu = la robe bleue de la maîtresse, le bleu prédominant dans la ville où le héros s'en va de sa femme). Les couleurs ont également une signification en relation avec les personnages, qui deviennent leurs porteurs. Le bleu prédominant de la maîtresse, qui se transforme progressivement en bleu de l'amant au cours du film. Le bleu (symbole de la ville) qui se fond de plus en plus dans le vert (symbole de la nature et aussi du lieu du bonheur familial et des scènes presque bucoliques). Le jaune (ici la couleur du "bonheur" et traditionnellement la couleur de la trahison) = comparez la dernière scène avec la maîtresse en pull jaune à la première scène du film avec la femme en robe jaune (donc principalement jaune avec des éléments de vert et de rouge, en matière de couleurs nous devons être précis ici!).

Deux écrivains méritants partiront, évidemment dans une Volga sombre, à la campagne, bien sûr dans une datcha (avec télévision couleur et téléphone). Les rangs de récompenses et le respect du public sont une évidence, tout comme l'appartenance honorable à des organisations artistiques. L'un d'eux attend déjà avec impatience une bouteille, une vie aisée de bourgeois dans un pays socialiste a triomphé de la période exigeante d'incertitude, la période d'effort et de progrès est déjà loin derrière, comme la guerre. L'autre n'a pas encore oublié qu'il y avait autre chose en lui autrefois, il pressent que la racine de la vie n'est peut-être pas encore tout à fait recouverte par la sécurité confortable du travail dans la médiocrité. C'est un phénomène typiquement russe - sous la coquille sarcastique et amère arrosée de vodka et de résignation bouillonne le mécontentement. Il essaie de trouver un moyen de s'échapper (en arrière), que ce soit au départ par curiosité, ensuite par vanité et peut-être finalement par amour, le projet se déroule à travers la muse. Plutôt un film intime, mais qui cache plus qu'il n'y paraît (par exemple, les quatre types de vie d'un artiste - le conformiste qui crée pour sa subsistance ; le "martyr" prêt à sacrifier son art lui-même ou sa position sociale (ici, le poète paysan) ; l'artiste intraitable mais fier qui veut faire connaître son œuvre et lui-même (ici, le fossoyeur émigrant) ; et enfin le héros principal, qui cherche consciemment ou inconsciemment une œuvre de qualité et une reconnaissance, et comme le montre la fin typiquement optimiste russe, il est impossible de tout concilier...).

L'histoire se déroule au début du 13ème siècle à la périphérie occidentale de la Russie de Kiev en déclin. Le film peut être divisé en trois parties (demi-heures) : la deuxième partie est probablement la plus intéressante, reflétant la situation historique réelle de la décomposition des structures familiales du Haut Moyen Âge au détriment des relations féodales entre seigneur et vassal. Elle est également enrichie par une "collaboration" historiquement fidèle de la classe féodale montante avec les "occupants" tartares. La troisième partie est un simple affrontement entre les défenseurs et les attaquants. Et pourquoi n'ai-je pas commencé par la première partie ? Parce qu'elle est inutile et surtout (justement pour cela) la plus faible. Il s'agit d'une demi-heure où l'on assiste à l'émergence de l'amour entre la fille traîtresse d'un Boyard et un héros positif du camp des défenseurs "ukrainiens". Ce motif à la Tristan n'est pas du tout développé de manière intéressante et la première partie ne fait que ralentir le reste du film.

Les noms des œuvres d'art ne peuvent pas être sous-estimés. Lorsque nous nous attardons sur un film, par exemple, le titre de Griffith, "Intolérance", est la seule explication et le lien de l'ensemble du film de trois heures. Ici, un changement de titre a modifié notre perception de l'œuvre dans son entier : du vague existentiel de "L'Inconnu", il est devenu une histoire de modernité aliénée avec sa découverte spécifique - des relations de travail déshumanisées, où tous les autres rapports humains se reflètent fidèlement. Au lieu de constater de manière générale la situation absurde et anonyme de l'homme contemporain dans un monde en constante expansion, par lequel de plus en plus de personnes se sentent impuissantes, une histoire tout aussi pessimiste nous est présentée, mais maintenant avec une illustration claire de l'une des manifestations et des causes de cet état - le vide des relations humaines engendre la course aux privilèges de classe, l'attachement à son propre statut, l'humiliation des subordonnés, ce qui construit encore plus de barrières entre les gens. Kafka devient ainsi un écrivain socialement critique, du côté non générique, non philosophique des choses. Après tout, le récit de Tereza semble tout droit sorti d'un roman du réalisme socialiste du début du XXe siècle ; le "Procès" de Karl diffère donc de celui de Josef K., car ici, il s'agit d'un processus de licenciement, mais tout aussi absurde et sans espoir pour l'accusé. La simplicité formelle a permis aux auteurs de préserver l'esprit de l'œuvre originale (Kafka décrit principalement les relations et les conversations humaines dans son roman, les transitions et les descriptions de l'environnement jouant un rôle secondaire, ce qui permettait également aux auteurs indépendants d'économiser sur les coûts !)

Un film très bien réalisé, mais personne parmi les utilisateurs conscients ne se plaint du préjugé idéologique ? Étrange. En effet, ce film n'est rien d'autre qu'un récit hagiographique du bien et du mal, c'est une sorte de film de construction inversé, où au lieu du socialisme et des ouvriers satisfaits, une vie démocratique morale est construite à travers des ouvriers mécontents. Lorsque quelque chose est renversé de la tête aux pieds, seuls les signes sont échangés, mais la structure reste la même... Mais ce qui était l'idéologie et la propagande dans les films de construction (communistes), est ici - dans une situation inversée de 180 degrés - le reflet de véritables histoires, bien sûr. Wajda semble clairement, en tant que vrai Polonais, s'efforcer systématiquement de construire des légendes sur son peuple à travers ses films, ce qui peut peut-être impressionner les Polonais, mais pour les personnes qui voient à travers les discours sur "la vie dans la vérité", sanctifiés en outre par le constant (adoration, pour certains moralement difficile) "au nom du père, du fils et du Saint-Esprit", cette propagande apparaît, également en raison de sa durée, comme une expérience pas très agréable.

C'est vraiment plus littéraire que cinématographique, cependant, Rohmer a réussi à créer une atmosphère de vacances au bord du lac (Annecy en France, pas du lac Léman, d'ailleurs) de manière remarquable. Le jeu de dialogue sans fin entre Jérôme, un homme plus âgé et sérieux (joué avec une assurance joyeuse appropriée par Brialy), et Aurora, une auteure intrigante, ou entre Jérôme et ses demi-soeurs adolescentes. Jérôme, intelligent et tolérant, ne considère pas l'amour comme une obligation qui entrave, ou le mariage comme un acte de renoncement volontaire à d'autres femmes, mais plutôt comme la volonté volontaire de deux personnes de rester ensemble. Cela lui permet de "faire connaissance" avec d'autres femmes. Mais où se trouve la frontière entre la liberté et l'infidélité? Est-il possible de justifier des intérêts à court terme en négligeant l'assurance que je ne désire que cette seule personne à long terme? Et devons-nous croire à la conception de l'amour de Jérôme, qui refuse tout accès possessif à celui qu'il aime, est-elle vraiment valable, lorsqu'elle a réussi à éveiller en lui le désir réel seulement après des années de possession = propriété d'un seul petit genou? Et peut-on croire à la déclaration d'une personne selon laquelle il valorise le caractère plutôt que le physique, lorsque son véritable "intérêt" ne suscite pas chez lui celle qui est prématurément intelligente et donc charmante, mais celle qu'il a vue et observée auparavant, avant même de lui parler vraiment.

Deux jeunes frères et deux approches différentes de la vie, respectivement de son entrée. Le premier, autour duquel l'histoire tourne principalement, est déjà marié et essaie de lancer sa propre petite entreprise. Il incarne la morale capitaliste "protestante", essayant de se battre avec renoncement et travail acharné, mais il se rend rapidement compte que pour les petits entrepreneurs, il est assez difficile de percer chez les grossistes (parce qu'ils peuvent se permettre de changer les conditions du contrat en cours, ils ont déjà des contrats de longue date...). Le frère insouciant, communiste universitaire, au contraire, consacre son temps à l'avenir de la société et à cultiver des relations avec sa petite amie (fille d'un grand capitaliste, cette astuce bon marché aurait pu être évitée par les auteurs...). L'entreprise finit par se lancer avec succès, mais il s'avère que ce qui devait seulement être un moyen de mener une vie familiale épanouie s'est transformé en un but en soi, asservissant son prétendu maître et réservant tout le temps pour lui-même. Et peu à peu, elle mine la famille elle-même... Dans l'atmosphère de la fin des années 60, on pouvait voir la volonté des auteurs de ne pas se pencher résolument de chaque côté - probablement un appel à la synthèse entre le capitalisme et le socialisme, l'est et l'ouest, à laquelle la Finlande "finlandisée" pouvait être extraordinairement proche.

Hommage à Louis Feuillade et aux films muets de l'époque. Mais le respect exprimé n'est pas du tout superficiel, il ne s'agit pas d'un simple transfert mécanique de Judex (série originale de 12 épisodes de 1916) dans un monde qui serait 50 ans plus vieux, où les sons sortent de la bouche des gens. Le film est souvent auto-ironique et délibérément nostalgique, avec pour objectif de nous rappeler/évoquer en nous le côté féerique de l'original. Cependant, c'est un film tourné précisément 50 ans plus tard et il montre que le conte de fées cinématographique d'il y a 50 ans ne correspondait pas au monde féerique. L'original a été créé pendant la Première Guerre mondiale. Le conte de fées à l'écran était donc accompagné d'une époque qui n'était pas du tout féerique. C'est pourquoi Franju a également réalisé un film - un conte de fées triste. C'est pourquoi il y a à la fois le détective Cocantin drôle et le héros masqué mystérieux d'enfant, ainsi que des héros qui meurent. C'est pourquoi il y a une histoire fantastique pleine de rebondissements, ainsi qu'un rythme lent et mélancolique. Ainsi, aucun remake coloré (je ne parle pas de la couleur du film) n'a été créé, mais un véritable hommage à Feuillade et à son époque.