Dionysos

Quand les Italiens ont tourné Il était une fois dans l'Ouest à la même époque, ils ont réussi à créer le meilleur western, donc à remporter une discipline typiquement américaine. Dans ce cas également (et encore une fois avec Morricone), les Italiens ont été très proches de marquer sur le terrain de leurs adversaires, mais au final c'est plutôt un match nul. L'histoire de la lutte d'un loup solitaire contre la machinerie mafieuse est dangereusement similaire à la machinerie des gros poissons de l'économie mondiale (les réunions et les décisions de la famille mafieuse sont l'équivalent des réunions d'assemblée générale d'une entreprise, même le domaine des affaires est assez similaire, seuls les moyens sont plus directs) ou aux poids lourds de la politique mondiale. Le minable McCain sera écrasé tout comme un pays d'Europe centrale cette même année, comme nous le lisons dans les titres des journaux. Cependant, cela n'est pas une simple allégorie cinématographique, mais un film de gangsters avec des scènes palpitantes (grâce également à la superbe caméra d'Erica Menczer) et surtout à des acteurs charismatiques. De plus, Cassavetes a pu observer les performances de son collègue Falk pendant le tournage, qu'il a ensuite casté dans ses meilleurs films.

Japon, l'Afrique et d'autres coins divers du monde. Mais aussi la France, le meilleur de sa culture et de sa pensée. L'école historique des Annales a donné au monde le concept de "longue durée", qui, sous la surface des turbulences politiques, observe ce qui est important, "longue durée", des structures durables de la vie humaine, et Marker observe également les moments banals et les traditions dans lesquels il y a plus que dans les "grandes histoires" superficielles. Les passages ethnographiques (y compris le nom de Lévi-Strauss) sont présents dans "Sans soleil", qui est avant tout une belle avant-garde cinématographique avec de nombreux jeux avec l'image et le son, et ce n'est pas un hasard qu'il y ait aussi une brève mention de Godard dans le film. Si "La jetée" était un essai sur l'impossibilité d'échapper au temps, alors "Sans soleil" est un essai sur l'impossibilité d'arrêter l'échappée du temps. Le temps écoulé peut peut-être être capturé dans le souvenir, mais il échappe à notre pouvoir avec la même irréversibilité que ce qu'il était censé conserver, et il ne reste peut-être qu'une seule chose - capturer le temps sur une bande de film. Ce qui ne sera pas non plus utile, mais grâce à de tels essais de Chris Marker, nous pouvons ajouter cet auteur parmi les grands de la culture française.

L'histoire d'un homme traditionnel dans les coulisses d'un théâtre traditionnel semble exclure pour nous, êtres modernes, une compréhension réelle sans commettre d'anachronisme déformant. Et dans d'autres cas, ne peut-on qu'imaginer le monde disparu de l'ère des Lumières, séparé de nous par un mur (romantique ou désillusionnant) de l'imagination ? Pas du tout, car l'homme moderne est littéralement présent au cœur de l'action, même s'il est un personnage secondaire moins remarquable, comme le vieil homme fuissant son destin. La confrontation entre l'homme moderne et l'homme traditionnel prend donc des traits personnels. L'histoire de la mort de la vieille femme qui renonce volontairement à la vie et aux plaisirs qui lui restent (les dents) pour s'assurer les faveurs des dieux et mourir en paix, en paix avec les conventions, est confrontée ici à la lâcheté de l'homme âgé qui tombe dans le mépris de la communauté en violant la tradition. La dignité indéniable mais non moins lâche de la vieille femme s'oppose à l'indignité de l'homme âgé qui apparaît comme l'incarnation de la modernité, avec son évaluation et sa jouissance tant qu'il en a le temps, sans se soucier de la mort, qui apparaît avec toute son horreur après avoir quitté le confort de la tradition. De la pluie sous l'auvent ou l'histoire.

Film en noir et blanc sans paroles et sans intrigue pertinente, pourtant le film n'ennuie pas. Une caméra fixe à un rythme lent et apaisant passe des grands ensembles de la réalité lituanienne désolée aux détails des visages humains. Un de ces films où il est vain et surtout inutile d'essayer de reconstruire n'importe quel point ou relation entre les personnages, il s'agit ici de la force même de l'image et de ce qui se cache derrière elle. Il s'agit de la force métaphysique de l'image avec la même urgence que celle des photographies en noir et blanc - leur gel du temps nous plonge directement devant le poids des objets qu'ils représentent. Et tout comme eux, ce film est également insuffisant, car tout comme une photographie muette, un film muet est encore moins capable de saisir la réalité avec son œil rectangulaire 4:3 que ne le font les films où les personnages parlent. Parce que contrairement aux animaux, l'homme a non seulement une voix, mais aussi la parole.

Normalement, je ne m'en rends presque pas compte, mais ici sur csfd, il y a parfois une colonne intitulée "Tags" qui réussit, d'une certaine manière, à caractériser le message du film : police, journalistes, intrigues, fausses accusations, médias, injustice. La réalité est toujours différente de celle qui nous apparaît, mais la police et les médias agissent dans le sens opposé : leur perception des choses constitue leur réalité. C'est pourquoi nous, en tant que spectateurs, pouvons bien sûr observer la "réalité" colorée de la narration cinématographique (qui, comme toute autre réalité, est ouverte à différentes interprétations, de l'engagement politique des auteurs à d'autres opinions), mais la réalité créée par la machinerie policière-médiatique unifiée ne permet qu'un seul point de vue. C'est celui des images en noir et blanc des caméras des services secrets et des photographies de presse (à l'époque) en noir et blanc et des titres, rappelant aux gens du XXIe siècle que l'on peut devenir terroriste du jour au lendemain, non seulement par nos propres actes.

Apparemment, le préféré de Staline, ce qui est très possible - Staline choisissait toujours ses actions de manière à rehausser son image aux yeux des habitants de l'URSS et dans l'intérêt de l'État, selon son avis... Le cas célèbre du drame Les Jours des Turbins de Bulgakov, qu'il aurait personnellement regardé plus de dix fois, et pourtant Bulgakov a été persécuté de sa propre initiative. Bulgakov a pu travailler relativement librement dans les années 20, mais plus dans les années 30, lorsque l'influence de Staline était déjà bien établie, simplement parce que l'œuvre de Bulgakov n'était pas en accord, donc elle ne pouvait pas être en accord avec les intérêts de l'État. La Volga, la Volga est déjà dans l'esprit de cette influence, et donc Staline ne pouvait que l'aimer, car cela reflétait son esprit. De plus, l'histoire d'un bureaucrate stupide et arrogant qui était plus un fardeau pour le peuple qu'une aide (encore moins un service), était l'objet idéal dont Staline pouvait se distancer, évidemment au moment même où le régime bureaucratique-autoritaire qu'il avait contribué à créer atteignait l'un de ses "sommets"....

De quoi peut rêver un petit garçon enfermé dans une chambre pour avoir fait des bêtises ? Giulio rêvait d'un monde sans autorité. Quand il est sorti symboliquement de sa chambre en tant qu'adulte, il a immédiatement pointé son fusil contre l'autorité suprême - l'État. Cependant, sa lutte a conservé quelque chose d'enfantin, l'idée d'une rébellion romantique à laquelle tout le monde voudra se joindre tôt ou tard, et qui construira un monde libre dès demain. Et ce monde applaudira son libérateur. Avec cette confiance, on peut être libre même dans une cellule vide, car l'imagination ne reconnaît pas l'autorité. Le problème survient lors du retour dans le monde réel (quand Giulio sort de sa chambre une deuxième fois, où il a rêvé de lui-même et de l'avenir). Parce qu'une personne qui a établi la reconnaissance des autres comme condition de sa propre liberté ne peut pas supporter de ne pas être vraiment reconnue pour ses mérites. Sa liberté s'échappe lentement... Les grands points positifs sont la belle et calme caméra de Maria Masini et la performance de Giulio Brogi.

Un film de gauche ironique et auto-ironique, qui peut aussi être satirique dans un ton plus léger (et je ne parle pas seulement de la scène très dense de l'avortement qui a sûrement été censurée à l'époque). La première moitié du film est entièrement "féministe" : la protagoniste principale soutient financièrement les hommes et les enfants, ce qui ne lui laisse pas de temps pour sa propre vie et son épanouissement personnel. Elle est la quintessence de la "double journée" des femmes, qui était acceptée socialement à l'époque. Après que Roswitha est forcée de quitter son emploi (notons qu'elle ne le fait pas d'elle-même, mais qu'elle est contrainte par des circonstances extérieures), sa transformation personnelle commence, qui contredit presque son mode de vie précédent. Roswitha est en réalité la seule à entreprendre une action authentique tout au long de l'ascension, et elle surpasse les hommes (au pluriel), y compris son propre mari (au singulier), lorsque son énergie personnelle est dirigée non pas vers l'intérieur de sa famille, mais vers le monde extérieur et les questions sociales brûlantes. Son idéalisme naïf est à l'origine de nombreuses situations tragico-comiques, et la conclusion avec le maintien de la production dans l'usine de son mari est un exemple typique du fonctionnement de notre société : l'usine n'est finalement pas fermée, les employés peuvent être satisfaits, mais comme il est démontré, le pouvoir arbitraire exercé par la direction des entreprises fait des gens de simples objets passifs, qui doivent seulement attendre de savoir s'ils pourront ou non nourrir leur famille demain. Comme le dit un gardien d'usine : "Il y a de nombreux endroits où le public peut se déplacer librement. Les rues, les places, les grands magasins, les toilettes publiques, les parcs..." Mais les usines n'en font pas partie... /// Le style unique de Kluge - combinant le documentaire critique social avec les innovations formelles de la Nouvelle Vague de Godard, avec toute sa / leur intertextualité, son ironie par le biais des techniques cinématographiques (par exemple, les références contrastées à "Tchapaïev", le film révolutionnaire soviétique) ou (maintenant uniquement klugeesque) la confrontation entre le passé et le présent, qu'il soit artistique ou historique.

Avec le film suivant "Mamma Roma" et son tout premier livre de prose "Ragazzi di vita" (de 1955, intitulé "Darmošlapové" en tchèque, publié en 1975), il s'agit du regard contradictoire de Pasolini sur la vie du lumpenprolétariat romain. Et quand je dis contradictoire, je ne parle pas formellement, mais de la contradiction de la vie elle-même (et de la vie et de l'œuvre de l'auteur, en particulier). Les héros sont sincères et fourbes, on ne peut pas douter de leur paresse, ils volent les autres et eux-mêmes, mais ils peuvent être généreux comme peu de "bons" gens, et ainsi de suite à l'infini. Comme s'ils avaient conservé en eux quelque chose d'enfantin (camaraderie, le désir de vacances éternelles) qui, en le conservant à l'âge adulte, se révèle incompatible avec notre société (du moins celle "honnête"). Et les héros en souffrent, on peut dire en partie à juste titre, mais cela ne signifie pas que leur vie ne soit pas trop chèrement payée. Pasolini s'arrête dans ces œuvres sur le fait que les victimes de ces personnes sont plus grandes que leurs péchés.

Comme l'a dit l'auteur lui-même, "Marie" est le point culminant d'une série de ses films ("Sauve qui peut (la vie)", "Passion", "Prénom Carmen") du début des années 80, avec lesquels il est revenu à la réalisation de films traitant de questions personnelles ou intimes après les années politiques des années 70. Et "Marie" est véritablement l'accomplissement de cela, car son hésitation individuelle et sa décision sur le chemin choisi sont le cœur et le sommet de tout le film. Comme un exemple typique de la série décrite ci-dessus, le film semble également se révéler par sa beauté (autonome) retrouvée de l'image cinématographique, qui était (surtout dans les années 70, mais bien sûr aussi dans les autres phases de la création de l'auteur) affaiblie par l'effort de trouver de nouvelles relations fonctionnelles entre l'image et le son, ainsi que des objectifs allant au-delà de l'expérience esthétique. C'est pourquoi il peut y avoir des plans kitsch de la nature, etc. Ce qui fonctionne moins bien dans le film, c'est la ligne narrative secondaire du penseur-émigrant tchécoslovaque, qui est peut-être censée contraster avec les actions de Marie (son humilité, son hésitation et son sacrifice de sa sexualité par rapport à l'intellectuel arrogant avec plusieurs femmes) ou la ligne qui traite de la création (de la vie) en opposition au concept biblique. Il est intéressant de noter que Godard ne cherche pas à actualiser l'histoire de la Vierge Marie, encore moins à la situer dans le contexte actuel (athée, etc.), mais respecte le contenu spirituel du modèle biblique.