POMO

Une autre tentative de drame social d'horreur, assise dans l'ombre du The Mist de Darabont. Ce constant échange entre deux plans temporels devient monotone après une heure de narration. D'une certaine manière, sa « signification relationnelle » et ses clichés auxquels il incline deviennent très peu probables pour surprendre le public ou apporter quelque chose de nouveau au sujet, qui rappelle déjà certains récents films du genre. La prémisse attrayante pour le public avec un excellent démarrage manque donc du potentiel d'un événement du genre décent, et le film ne laisse derrière lui qu'un drame grand public sûr, avec quelques scènes effrayantes, des enfants en danger et la charmante Sandra. Ce n'est pas que je n'ai pas réussi à regarder cela avec intérêt. Je considère simplement que c'est une grande chance gâchée.

Monsieur Shy a fait beacoup d'effort avec celui-ci. Travaillant constamment avec le potentiel dramatique des trois personnages principaux et leurs interactions d'approfondissement/d'approche à l'intérieur d'une seule maison. Il explore et révèle la nature brillante du concept qu'il a créé il y a 19 ans et qu'il a poursuivi il y a 3 ans (l'idée magique de la présence de superhéros de bande dessinée dans la réalité). Il le fait avec sa jouissance habituelle de créativité visuelle, de références thématiques et finalement, de deux lignes directrices. Mais même si tout s'emboîte dès la première et devient proprement conspirateur, original et audacieux par rapport aux attentes du spectateur, je ne suis pas tout à fait sûr de l'avoir voulu ainsi. Sans parler de la deuxième qui ne devrait tout simplement pas être présente du tout, car le film n'est absolument pas construit en fonction d'elle.

Une piquette sans l'entrain dramatique nécessaire. Intéressant uniquement en raison de la personnalité d'Eastwood et de son vieil homme au caractère douteux qui, en tant que mari, père et grand-père, tentera d'améliorer les relations au sein de la famille. Ce plan n'apporte rien de fort et certainement pas d'originalité, et la ligne de thriller avec la contrebande bien qu'elle paraisse sympathiquement surannée au sein des standards du genre actuels, ne captive pas. Les méchants ne sont pas assez effrayants et nous n'avons pas vraiment peur que notre « héros » soit en danger à cause d'eux. Peut-être aussi parce qu'il ne manquerait à presque personne dans son histoire.

Une version plus académique de The Thing dans la jungle verte (et sur la plage). Une idée initialement grand public avec une touche légèrement B-movie mais avec des idées intéressantes, qui atteint son apogée dans une rencontre rapprochée du troisième type jamais vue auparavant, fascinant par sa fantaisie étendue et son besoin stimulant de trouver le plus de réponses possible. La scène finale est un retour aux règles du genre mais fonctionne délicieusement. Garland n'est pas un faiseur à succès, c'est un hardcore de la science-fiction. Premier contact parlait de la relativité de la perception du temps, Annihilation parle de la relativité des formes biologiques de la vie. Une science-fiction complètement différente, mais dans les deux cas brillante, ambitieuse et innovante en termes de contenu.

Le canon du jeu d'acteur dans une histoire étonnamment prévisible qui, même si vous espérez que cela ne se produira pas pendant que vous la regardez, ne surprend finalement en rien. Cependant, les émotions du désir de vengeance fonctionnent chez le spectateur, elles ne sont certainement pas ennuyeuses. J'attendrais simplement d'une équipe appropriée une portée narrative/intellectuelle plus large. Et je ne peux pas percevoir Harrelson comme un méchant ultime, même s'il fait beaucoup d'efforts. Pour moi, il restera toujours un bohémien, un fainéant défoncé.

Le plan final de la plus belle montagne de l'Himalaya, Ama Dablam, qui est repris de manière récurrente dans le film, confirme que les créateurs du film veulent avant tout exprimer leur admiration humble pour les montagnes, les œuvres majestueuses du plus grand artiste de notre planète - mère nature. C'est pourquoi il est peut-être regrettable qu'ils empruntent également des images bien connues des succès sportifs (The Art of Flight) et d'autres séries documentaires, et qu'ils essaient de faire un récapitulatif thématique rétrospectif de type « Best of » (y compris en soulignant l'utilisation de montagnes par les civilisations), plutôt que de se concentrer sur le piano et les réflexions exprimées par Dafoe. Certains d'entre eux pourraient être écrits par n'importe quel spectateur d'entre nous, mais d'autres élèvent le film vers des hauteurs philosophiques auxquelles il aspire de manière ambitieuse.

Un aperçu rapide de plusieurs parcs nationaux américains, avec des exemples d'activités sportives appropriées (escalade sèche, cyclisme, escalade sur glace). De plus, un rappel agréable que le terme « Parc national » a été inventé par l'amoureux de la nature John Muir et légalement établi par son ami et âme sœur, le président américain Roosevelt. Visuellement magnifique : plus grand est l'écran, meilleure est l'expérience.

Un film fragile, introverti pourrait-on dire, sur le fait de dire au revoir à une personne aimée. Avec dans ce cas, une douleur exacerbée par l’impossibilité de lui dire au revoir dignement et par la prise de conscience qu’il serait presque impossible de trouver une autre personne tout aussi proche. De la même manière que dans les films artistiques sud-américains, il ne s'agit pas de rechercher les émotions des spectateurs, mais plutôt de privilégier une décence académique. Par exemple, la bande originale symphonique ne se fait entendre que rarement, de manière minimaliste, sans motifs mélodiques.

La deuxième moitié le sauve, en le déplaçant à la campagne et en faisant entrer des personnages locaux dans l'histoire, ce qui la rend plutôt amusante. Mais la découverte et la rencontre constantes et complètement illogiques de personnages à tout moment et en tout lieu, sans même chercher à paraître absurdement aléatoires, ramènent le film au niveau d'une poubelle bon marché. Ce qui est réjouissant dans le film, en revanche, c'est que les Lituaniens, avouant leur admiration pour Guy Ritchie, ont réalisé avec la star d'action britannique un film de genre rageur et frénétique, qui se déroule en partie à Londres. Et qu'ils n'avaient pas peur de caricaturer leur pays en le décrivant comme un « trou du cul de l'Europe de l'Est » plein de voleurs, de pervers et des rustres les plus grossiers.

Un plaisir coupable de pervers mignonnet. Seuls les acteurs qui surjouent et les dialogues ridicules peuvent être blâmés. C'est principalement le signe distinctif d'un chef d'œuvre de type eurotrash dans son genre. Il ne s'agit ni de sang ni de gore, il n'y a pas de meurtres ici. Le « pervers pécheur » n'est pas mauvais. Il est simplement dépravé. Il s'agit de nudité, de sexe et de perversion. La version non censurée contient quelques minutes de scènes pornographiques régulières avec une coloration d'image très différente, qui à la fois attirent l'attention mais lui confèrent également un charme unique de bête d'exploitation impitoyable, agrémentée par la poésie de l'innocence enfantine sous la forme de jouets mécaniques. Irrésistible.