Filmmaniak

Qui aurait cru qu'un film d'animation sur la fabrication du whisky serait émouvant. Le protagoniste principal est un jeune journaliste chargé d'écrire un article sur une distillerie japonaise, mais finit par écrire une série d'articles en continu, au cours desquels il élargit ses connaissances sur le whisky et plonge progressivement dans les secrets de l'entreprise familiale qui a traversé de nombreuses crises. L'effort des personnages pour atteindre le mélange parfait de saveurs, qui serait la continuation d'une tradition interrompue il y a des années, est étroitement lié à la dynamique des relations familiales, à la responsabilité envers la réputation de l'entreprise, à la solidarité avec des employés déterminés et à l'honneur personnel. Le jeune journaliste apprend également à aimer son travail et découvre que beaucoup de gens ont vécu une situation similaire à la sienne, finissant par être heureux dans un autre emploi que celui dont ils avaient rêvé. Ajoutez à cela une animation agréable, des personnages sympathiques et bien écrits et toute une série de moments émotionnellement tendres.

The only thing worse than finding a spider in your apartment is losing a spider in your apartment. Just such an event in the film results in the infestation of a whole apartment building with venomous fiddlebacks (or whatever they were) from the basement to the attic, where the spiders multiply at a startling rate, each time growing significantly larger than their antecedents, in which case the film flirts a bit with science fiction at the end. The realistic setting of an apartment building in a social housing estate and the fresh, energetic approach of the young filmmaker are exactly what the arachno-horror genre need. After the long exposition with the introduction of the characters, the action gains proper intensity, which it constantly escalates so that some scenes border on being unbearable, especially for people who are repelled by spiders. Absolutely everyone will squirm in their seats. Vermin is the best spider horror movie since Arachnophobia from 1990.

A remarkable yet rather simple satire about fame and its transmutations, renown on social networks, internet celebrity, over-sensitivity in today’s world and cancel culture. Nicolas Cage excels in the role of the ordinary bored professor who suddenly starts to appear in millions of people’s dreams. It’s as if he is a living meme who is capable of being funny, scary, sorrowful and embarrassing. It’s also worth mentioning the entertaining dream sequences and surrealistic atmosphere, though the whole high-concept metaphor is only partly effective, as it doesn’t go very deep and is exceedingly literal.

Un drame avec des éléments d'horreur sur une femme de ménage philippine et mère célibataire qui parviennent à trouver un emploi et un logement dans une maison britannique somptueuse, qui cache cependant de nombreux secrets lorsqu'on y regarde de plus près. Ce film est une critique sociale singulière et stylistiquement marquante qui aborde le thème des immigrants cherchant à s'intégrer dans la société ainsi que des problématiques liées au post-colonialisme. Vous trouverez ici des techniques cinématographiques typiques des films d'horreur sur les maisons hantées, mais elles sont utilisées comme moyens de mettre en évidence les vraies horreurs vécues par les immigrés, qui font régulièrement face aux préjugés, aux généralisations et au mépris. Ce film, né de la colère envers le comportement de la société face aux minorités, dont le réalisateur débutant d'origine philippine formule clairement et de manière percutante les thèses malgré quelques embûches dans la narration, rend hommage à la culture de ses ancêtres et raconte les conditions de vie de nombreuses personnes à travers les personnages de la mère et de la fille, ce qui conduit à des performances d'acteurs authentiques.

Cela ressemble un peu à un film noir réalisé dans les années 60 par Orson Welles d'après un scénario de Fritz Lang, qui joue avec le thème mystérieux du meurtre lors du congrès annuel des physiciens théoriques et le transformé en un thriller métaphysique mystérieux dans les Alpes suisses. Le film traite, entre autres, du multivers, mais tandis que d'autres cinéastes l'utilisent souvent pour construire des histoires frénétiques pleines d'idées folles, ici il fait partie de la narration elliptique et détendue destinée à un public plus exigeant. Le multivers est également abordé du point de vue visuel et stylistique, car grâce au travail de la caméra, de la lumière et des ombres, toutes sortes de formes de film en noir et blanc provenant de différentes décennies se rencontrent ici. Les personnages, bien écrits, interagissent ensemble dans une histoire de plus en plus incohérente, qui devient délibérément confuse, en particulier dans le dernier quart du film. Dans l'ensemble, c'est stimulant sur le plan de l'interprétation, mais cela soulève également les limites du moment où le spectateur est encore disposé à imaginer les liens et le sens de l'entrelacement des différentes lignes.

S'attendre à un thriller catastrophe ordinaire est fondamentalement une erreur. Vingt secondes de destruction digitale et quelques plans de décombres servent uniquement de toile de fond pour raconter l'allégorie de la désintégration de la société et de la morale en réaction à une crise soudaine, où les gens commencent à se comporter en égoïstes, en hypocrites et en monstres insensibles. Mais pour que cette allégorie fonctionne tant bien que mal, le scénario tord tout le reste. L'idée même qu'après un terrible tremblement de terre qui a rasé Séoul, il ne reste qu'une seule tour d'appartements intacte est absurde. Les millions de morts ne sont pas du tout pris en compte, personne ne se soucie de la perte de ses proches ou de ses amis, personne ne se soucie de la situation dans le reste de la Corée (encore moins dans le reste du monde). L'histoire se concentre uniquement sur les événements à l'intérieur de l'immeuble, où un système de classes se met immédiatement en place, divisant les survivants entre les propriétaires d'appartements et ceux qui ont perdu leur logement, condamnés à mourir dans les rues en ruine. Tous les défauts possibles des inégalités sociales sont ensuite intégrés de force dans l'histoire, accompagnés d'une critique du capitalisme (par exemple, un chef est élu parmi les résidents, créant immédiatement un environnement corrompu). Une curiosité totale est la scène où les propriétaires d'appartements chassent impitoyablement tous les autres résidents de l'immeuble, les envoyant en réalité à la mort, puis organisent une fête en plein air avec karaoké et banquet avec les provisions pillées dans le commerce voisin dont ils ont tué le propriétaire. On peut seulement sympathiser avec une femme qui est la seule à réfléchir éthiquement parmi les résidents, et il est donc bon que le film raconte une grande partie de l'histoire et la plupart des intrigues de son point de vue. Sinon, c'est une manipulation grosse comme une montagne.

A Muslim woman’s struggle against patriarchal laws and her greedy brother-in-law, who could take her apartment away from her after the death of her father and husband, is coincidentally also the subject of this year’s Jordanian co-production drama Inshallah a Boy, which handled the same theme better. Here the main protagonist is the daughter of the woman in question. She is an adolescent medical-school candidate who is consumed with feelings of guilt over the death of her boyfriend. Thanks to that, this social drama about the shared hardships of a mother and her daughter is unconventionally enhanced with horror-like visions that appear to both women. However, these visions ultimately don’t lead to anything, are not in any way scary and, as a result, come across as rather needless. The film also isn’t helped by its characters’ odd behaviour or the strange climax with a nonsensical outcome that doesn’t make any kind of point.

Le plus extravagant Lanthimos jusqu'à ce jour, ce qui est déjà beaucoup dire. L'un des réalisateurs les plus singuliers de notre époque s'est complètement lâché et a en plus reçu beaucoup d'argent pour réaliser ses visions originales et déjantées. Le résultat est une comédie bizarre et complexe, incroyablement amusante et chargée de sens, avec des motifs « frankensteiniens », sur le voyage émancipateur d'une femme à la recherche de la connaissance du monde et d'elle-même. Une femme avec un corps d'adulte et le cerveau d'un enfant à naître, que nous suivons dans un récit en chapitres, lors de son voyage à travers l'Europe, où elle enfreint toutes les conventions sociales imaginables, ridiculise progressivement le patriarcat et finalement lui plante un couteau dans le dos, tout en traversant une évolution complète, de bébé curieux à adolescente naïve et enfin à intellectuelle éloquente avec une opinion claire sur l'état des choses. Des dialogues intelligents, un concept réfléchi, un sujet actuel, des images visuellement envoûtantes, des performances d'acteurs captivantes, des idées diaboliquement morbides, beaucoup de nudité, un film artistique comme du vin, des nominations aux Oscars inévitables.

It was said that The Wind Rises would most likely be Miyazaki’s last film, but that turned out not to be the case. And The Boy and the Heron will not necessarily be the final chapter of his career either, though it is possible to see from it a bit of creative repetition as he looks back to his own work and passes the torch to the younger generation in the end, which is also presented in the story. In any case, the master of animation and film narrative has not eased up in terms of the number of ideas, the diversity of his visions and the depth of the ideas presented; his film looks beautiful and overflows with the magical, dreamlike, fairy-tale elements that can be alternately cruel and tender. The introduction of the film is uncomplicated and practically devoid of the supernatural, but as soon as the titular heron smiles and begins speaking with a human voice and the main (unfortunately not very interesting) protagonist falls into the fantasy world, in which he must come to terms with the loss of his mother and with feelings of pain, loneliness, anger and sadness, Miyazaki’s powers of imagination and playfulness kick into high gear. However, the effort to say as much as possible in the space of two hours leads to the fact that the film is very dense in places and doesn’t let some of the scenes fade out properly. At the same time, Miyazaki returns to his tried-and-try story formulas (he most noticeably draws from his own Spirited Away) and frequently used trademarks. The Boy and the Heron is practically a catalogue of everything that can be associated with Miyazaki’s films, but it doesn’t reach the level of his best works.

No words, and yet so much emotion. The friendship between a dog and a robot in 1980s New York has only just begun when the two protagonists are separated from each other (due to consumer negligence and underestimation of the effects of corrosion) and the film tells their stories separately. However, each of them has the same dreams about the other, from which the film gets its title. After the initial joy, the plot takes a quite sad turn, so the prevailing feeling from the film is rather melancholy, which is reversed in the end, though that does not entirely involve a fairy-tale happy ending. Though the animation is simple, it contains a very large number of endearing and funny details and works very effectively with the characters’ facial expressions and body language. The film will also be appreciated by adults (perhaps even more than children) who have life experience and are aware that true friendship requires a joint effort and is a commitment to looking after one another. Robot Dreams is deeper and emotionally more complex than it may appear at first glance.