POMO

Un drame d'horreur intensément raconté avec la mise en scène attrayante de l'environnement exotique d'un village indonésien isolé et de ses environs, une atmosphère mystérieuse de malédiction de sa communauté de résidents et des scènes souvent brutales que Hollywood ne peut pas se permettre. Tara Basro dans le rôle principal est non seulement belle, mais aussi l'attraction principale du long-métrage. Les Indonésiens me surprennent vraiment, ils maîtrisent l'art de raconter une histoire captivante, formellement agréable et axée sur les personnages. Peut-être que la réaction de certains personnages à la fin est un peu exagérée, mais pas au point de gâcher l'expérience globale.

La version de Lyne de Lolita est plus complexe dans la représentation des émotions du personnage principal, Humbert, que la version de Kubrick. Le spectateur reçoit son récit tragique de manière plus poétique, à travers l'expression rêveuse et la voix de Jeremy Irons, soulignées par la mélancolie de Morricone. Le prologue se marie si harmonieusement avec l'épilogue après toutes ces souffrances émotionnelles… Le deuxième atout de Lyne est une représentation plus ouverte mais toujours délicate de la relation intime du couple. Le choix de moins se concentrer sur la mère de Lolita et sa relation avec Humbert était également judicieux, car cela n'avait de sens chez Kubrick que comme substitut à ce qu'il ne pouvait pas montrer à son époque. J'apprécie aussi le personnage plus discret du démoniaque Quilty. Dans l'ensemble, un film plus convaincant et satisfaisant que l'« original ».

Ce n'est pas vraiment captivant, mais toujours suffisamment divertissant de regarder où mènera la relation entre un homme attentionné avec des désirs cachés et une adolescente découvrant sa part de séduction féminine naturelle. Une histoire racontée calmement et de manière fluide, psychologiquement détaillée et subtile, avec des moments surprenants et comiques et le personnage mystérieusement ambigu de Peter Sellers. Ce qui manque cruellement dans la version de Lolita de Kubrick, c'est un spectre plus ouvert ou du moins implicite de leur rapprochement intime, que nous ne pouvons qu'y imaginer. Le personnage principal, Humbert, apparaît plutôt comme un amoureux platonique malheureux et impuissant, qui retient désespérément son objet de désir simplement parce qu'il ne peut lui-même l'avoir.

Un drame familial de tous les jours sur une famille avec quatre enfants, une mère folle et un père alcoolique. Une famille comme il en existe des millions dans le monde civilisé, rendant leur histoire dépourvue d'intérêt. L'effort pour mettre en avant des valeurs de vie plus réalistes que l'inclusion dans le système commercial mondial est à la fois cliché et, de plus, manque d'effet car son porteur est censé être un homme intelligent mais par ailleurs irresponsable, un déchet alcoolique. En bref, juste une autre plainte « basée sur des événements réels » sur la difficulté que quelqu'un a pu avoir dans son enfance.

Stupide de la tête aux pieds, et il en plus prétend avoir une grande idée à la fin.

Un budget plus important et une bataille mieux conçue l'auraient amené encore plus haut, mais même sans eux, le film est excellent. Par un récit lent, il suit psychologiquement le changement de réflexion et d'attitude du pacifiste bohème devenu guerrier cruel qui veut préserver son honneur. Amitié, ambition, intrigues, perte de quelque chose de cher pour obtenir quelque chose de moins précieux mais prédéterminé par le destin. En même temps, il capture de manière précise et historiquement belle la « nature politique » anglaise et française. Des acteurs formidables dans les quatre rôles clés. Edgerton, en tant que coscénariste et coproducteur, est le père de cette œuvre. Excellent.

Pour un film d'horreur, Christine ne vous effraiera pas complétement. C'est presque impossible de faire un film d'horreur sérieux sur une vieille voiture rouge qui se répare elle-même comme un Transformers. Mais vous allez tout de même profiter d'une belle sensation de peur et de tension grâce à ce concept absurde mais étonnamment efficace. Carpenter a réussi à capturer la magie bizarre du concept, typique des œuvres de King. Ici, l'histoire se concentre sur l'obsession fétichiste d'un adolescent outsider pour une voiture qui devient son idole et l'aide à se retrouver lui-même. Ce sur quoi Christine se base également et ce qui fonctionne bien dans le film - un élément narratif que les créateurs contemporains de films d'horreur abandonnent - ce sont les personnages, leur transformation, leur motivation pour sauver un ami, etc.

Un amas improbable et complètement foireux de destins, accompagné d'une voix-off inutilement fréquente et littérale. Dans l'histoire, il y a déjà plusieurs connexions de destins prévisibles, et la voix-off constante, qui explique tout, enlève aux spectateurs la possibilité de réflexions pertinentes. L'explication littérale des émotions des personnages a sa place dans un livre où nous ne voyons pas les visages des acteurs. Ici, c'est superflus et inutile. Mais si vous acceptez ce récit trop commode et monotone, vous vous retrouverez face à un drame solide avec beaucoup de souffrance, les vilains fruits du fanatisme religieux, une utilisation un peu cynique d'une musique d'époque (qui évoque les frères Coen) et d'excellents acteurs. Jason Clarke et un excellent Pattinson en particulier, dans des rôles secondaires négatifs, atypiques pour eux. Paradoxalement, le personnage principal, Tom Holland, m'a semblé en retrait, ce que je n'attribuerais pas à l'acteur lui-même, mais plutôt au réalisateur. Trois étoiles et demi.

Une intrigue banale dans laquelle deux personnages (un homme et une femme avec de la chimie) parlent normalement tandis que tous les autres utilisent des codes afin de développer subtilement un spectacle plein de rebondissements et d'attractions visuelles inattendues, d'une manière ultra sophistiquée. Ou plutôt, une attraction inédite dans laquelle lors d'un plan, certains personnages courent en avant et d'autres en arrière, et cela ne semble ni drôle ni étrange, mais plutôt répétitif et impressionnant. Nolan a dévoilé son fétichisme pour les paradoxes temporels de manière claire et significative dans Inception, et désormais il le décline simplement avec de nouveaux éléments théoriques qu'il intègre avec de nouveaux éléments de sous-genres (ici, des éléments à la James Bond). Et plus il brouille les pistes, feint, complique artificiellement et amplifie les choses autant que possible pour aller plus loin et plus haut que jamais tout en cachant habilement l'absence d'un fil conducteur solide (comme c'était le cas avec les rêves dans Inception). Les clins d'œil aux spectateurs réfléchis avec des phrases du type « Tu ne sais même pas de quoi je parle… Réponse : Non, mais ça semble extrêmement important. » peuvent être considérés comme des excuses, mais je les perçois plutôt comme une demande de tolérance envers les lacunes logiques intentionnelles et en même temps, une appréciation de son audace et de son progressisme exceptionnel dans le genre. En effet, TENET est vraiment un techno-thriller d'une autre dimension. La dernière scène avec Pattinson m'a rappelé Casper Van Dien dans Starship Troopers qui, de par son absurdité m'a fait parfois rire, et c'était le meilleur moment que je pouvais vivre avec TENET, si je devais l'apprécier. P.S. Göransson est excellent, il a donné une tonalité plus dynamique et novatrice que ce que nous aurions pu attendre de Zimmer (bien que cela aurait été plus agréable à écouter en soi).

La vivacité et la rapidité de la narration, ainsi que les bonnes performances des acteurs, sont divertissantes, mais dans le dernier quart, les arrestations répétées, les emprisonnements et les évasions deviennent ennuyeuses avec leur répétitivité, et dans l'ensemble, le film semble beaucoup plus long qu'il ne l'est. Il y a surtout un florilège de scènes comiques ou de romantisme kitsch entre les personnages homosexuels, notamment dans la première moitié, et que Carrey et McGregor jouent de manière bizarre, mais on s'y habitue.