POMO

Ciarán Hinds a reçu le rôle principal qu'il méritait, mais malheureusement de la part d'un débutant qui ne sait pas percevoir le sujet filmé à travers les yeux du spectateur. Le film est troué, dysfonctionnel. Il ne se fatigue pas à répondre aux questions fondamentales sur lesquelles il repose et auxquelles il aurait dû parvenir à sa propre essence. La seule chose dont vous vous souviendrez, c'est le personnage tourmenté de Ciarán dans une profondeur mélancolique feinte lors des plans sur l'océan.

Si vous voulez vous déplacer vers une petite île isolée de phare, où il n'y a pas de refuge contre un père tyrannique, et jeter un coup d'œil sur les destinées cruelles au nord de sa femme et de ses enfants, Učedník conviendra. L'histoire n'est pas originale, mais elle est bien racontée et l'atmosphère de l'environnement est impressionnante.

Une vue en noir et blanc poussiéreuse et amèrement comique sur le Berlin actuel à l'ombre d'une histoire allemande peu réjouissante, et sur un jeune homme qui se cherche sans avenir. Il rencontre quelques personnes (anciennes et nouvelles connaissances), bavarde un peu et essaie à nouveau (et sans succès) de commander son café préféré partout. Quelques moments agréables et un bon acteur principal, mais dans l'ensemble cela n'amuse pas beaucoup, ni ne révèle grand-chose. Et cette bande son jazz à la Woody Allen ne convient pas du tout. Comme remplissage dans un cinéma d'art en attendant le prochain Jarmusch, c'est OK.

Tout le temps, vous réfléchissez à la direction que cela prend et vous recherchez ce moteur, pour finalement partir dispersés et émus. En tant que premier film scénaristique et réalisé par un jeune acteur qui n'a jamais été pris au sérieux jusqu'à présent, Nous irons à la mer est une révélation. Un petit film tchèque qui a atteint un niveau mondial grâce à son originalité artistique. Avec des moyens limités, sans calcul et avec le désir de raconter une histoire intense avec des éléments autobiographiques.

Une cascaderie schizophrénique, certes compréhensible, mais grâce à un surréalisme sur-stylisé et mesuré, il est impossible de s'y connecter et de l'apprécier. Une forme intéressante avec un environnement sombre et noiresque, des acteurs de qualité, mais un contenu nul. Donnez la préférence à Lost Highway, moins compréhensible mais qui vous absorbera et ne vous laissera pas partir.

Le deuxième Captain America, intelligemment déplacé dans le "présent", est plus sérieux et rempli d'action physique. Celle-ci se déroule principalement dans les rues (voitures et fusillades) et est agréablement dirigée par Samuel L. Jackson dans la meilleure scène. Cependant, l'intrigue conspiratrice est prévisible et devient confuse dans la seconde moitié. La diversité initiale des scènes d'action disparaît également dans la seconde moitié. Et la conclusion des scènes d'action exagérées n'est pas aidée par des retournements invraisemblables (sauvetage de dernière minute de n'importe où / n'importe comment). La curiosité du spectateur quant à l'identité de l'antagoniste intéressant perdure jusqu'à la fin. Ses liens historiques avec Captain America sauvent tout le contenu. En tant qu'amusement grandiose basé sur des bandes dessinées pour s'évader de la réalité, c'est OK.

Présenté visuellement de manière captivante et avec une performance d'acteur limitante, la xème variation de l'histoire du psychopathe intrus dans une famille, telle que définie par Hitchcock en 1943, et ensuite adaptée dans toutes les séries télévisées policières. Sauf que cette fois-ci, elle est présentée sans émotion, sans tension et sans psychologie de personnages crédible, donc elle est complètement dysfonctionnelle et totalement inutile.

Dans l'esprit d'Eastwood, de manière un peu plus lente, plus étendue, plus attentive aux personnages et intellectuellement plus complexe, ce film puissant parle des gens, de leurs actions et de leurs conséquences, de responsabilité, de culpabilité et de pardon. L'implication du spectateur dans l'histoire se renforce avec chaque segment de dix minutes qui s'ajoute. La musique est non conventionnelle, voire hypnotique - des chorales silencieuses qui donnent une profondeur tragique à la dernière partie du film, ajoutant une dimension fatale que Terrence Malick, dans ses derniers films, ne fait que simuler avec des chorales. J'étais impatient de voir Gosling, mais Cooper l'a éclipsé. Il livre ici sa meilleure performance jusqu'à présent, très intime. Je suis surpris que le producteur Sidney Kimmel n'ait pas fait plus de lobbying auprès de l'Académie, car c'est un film américain indépendant de dimensions leoneesques.

La précision et la concision avec lesquelles Susanne Bier représente les émotions des personnages dans des plans rapides, avec des détails sur le visage des acteurs, sont peut-être les meilleures que j'aie jamais vues dans un film. Le développement inattendu de l'intrigue, la multitude de nuances relationnelles et leur complexité pourraient suffire à faire deux films indépendants et complets. Brillant. Aussi du point de vue des performances des acteurs. Les moments où les émotions du spectateur sont sollicitées peuvent être pardonnés grâce à l'intelligence sociale du film. Une histoire de relations famosse.

La vision de la vie d'un visionnaire, exprimée par des images cinématographiques et de la musique dans le cadre du genre de la science-fiction. La portée thématique est absolue, depuis la naissance de la pensée et de la conscience de sa propre personnalité jusqu'au tout début de l'humanité et à la menace de la domination de l'intelligence artificielle dans une civilisation avancée dans le futur. Le rythme du film exigeant de la patience, de manière évocatrice, évoque la durée de vie d'un être humain, ainsi que la profondeur et le mystère de l'univers et la distance des réponses à ses questions existentielles. Sauf pour les filtres inversés désuets lors des survols finaux du pays, c'est un sujet incroyablement intemporel. L'image de la version restaurée, qui entre dans nos cinémas grâce au Projet 100, est parfaite.