Dionysos

Un autre documentaire expressif non documenté capture la modernisation / soviétisation des régions sous-développées de l'URSS, dont il y en avait beaucoup non seulement en périphérie de l'État - un film similaire est "Turksib" (1929) sur l'introduction du chemin de fer en Asie centrale, mais aussi généralement l '"invasion" du tracteur dans les villages russes et ukrainiens dans "La Ligne générale" et "La Terre". Dans ce genre de construction spécifiquement soviétique, le documentaire se mêle à l'ethnographie, à une excursion dans les conditions de vie et les traditions locales, avec la fiction - des histoires spécifiques de personnes qui révèlent cependant (du point de vue des auteurs) la nature de leur communauté. Par exemple, le destin de la femme abandonnée par la société n'est pas tant une partie d'une histoire racontée, mais une métaphore intemporelle, un contraste avec la vie quotidienne et les traditions dans un village géorgien (personne ne pense peut-être que le contraste entre une mère affamée et son enfant et des festivités religieuses futiles se déroule en un instant). C'est donc un montage parallèle, et non un montage croisé, que nous suivons! Et cela s'applique précisément et surtout aux images finales de construction - nous pouvons, en tant qu'utilisateur de Filomena.I, nous indignez touchants devant la non-correspondance du film et de la réalité, seulement lorsque nous ne comprenons pas le film et son message comme un montage parallèle (une promesse, une possibilité, l'avenir de la Géorgie potentiellement contenu dans Říjen et ses constructeurs), mais comme un simple montage croisé.

Film de sensibilisation féministe, qui révèle la grandeur et la tragédie du cinéma soviétique de l'époque. Il est indéniable que le thème méritoire et progressiste de la lutte de la femme-employée d'Elektrozavod pour la reconnaissance de son droit au travail (c'est-à-dire de l'émancipation de la sphère "naturelle" de la "réalisation féminine") ne peut être critiqué sur le plan du contenu. La question de l'émancipation des femmes a été soulevée dans l'URSS des années 20 - également en raison de cette laide "idéologie totalitaire" toujours criminelle qui y régnait à l'époque... - comme un problème à résoudre rapidement / "révolutionnaire" - et nous pouvons en outre constater que contrairement à l'Occident, de tels problèmes "féministes" étaient souvent davantage posés de cette manière dans le discours public. Alors, en quoi consiste cette tragédie ? Dans le fait que la lutte de l'héroïne principale, au cours de laquelle elle démasque son mari et des personnes haut placées en tant que partisans de vieilles opinions machistes bourgeoises, ne devient que peu de temps après la norme pour les purges stalinistes et la dénonciation des ennemis - mais cette fois-ci politiques. /// Dzigan a également parfaitement maîtrisé l'aspect formel des choses - son sens de la composition des grandes entités, également filmées en studio, ou du montage dynamique (qui, bien que n'atteignant pas la sophistication des techniques de l'école de montage classique, est néanmoins esthétiquement très impressionnant) mérite d'être souligné.

Pouvoir capturer les choses de manière belle, originale et évocatrice est un art, mais trouver de nouvelles relations encore inconnues ou inaperçues entre ces choses est un chef-d'œuvre. Eisenstein a non seulement réussi à capturer la beauté immobile des choses, de la nature et des visages paysans (sinon effrayants...), mais il a également réussi à capturer les relations entre eux. Et c'est dans la relation entre deux choses ou plus que naissent la tension et le mouvement, auxquels il a non seulement su donner vie par son ingéniosité, mais aussi les capturer. C'est pourquoi il y a à la fois de beaux détails et du dynamisme dans les scènes de telles situations, qui, entre les mains d'un autre réalisateur, en train de filmer pendant deux heures muettes la construction d'une ferme collective, auraient été ennuyeuses. L'analogie avec l'humour et la gravité, la capacité de créer une expérience visuellement époustouflante à partir de scènes des plus ordinaires comme la fauche du foin ou la mise en marche de la centrifugeuse à lait, c'est simplement un chef-d'œuvre selon moi. On ne peut qu'être d'accord avec un autre maître de l'ère muette, Griffith : "Ce qui manque au cinéma moderne, c'est la beauté - la beauté du vent qui souffle dans les arbres, du léger mouvement d'une belle brise sur les fleurs des arbres. Cela, ils l'ont complètement oublié. À mon avis arrogant, nous avons perdu la beauté." Et compte tenu de la situation historique du film dans le contexte de l'histoire russe et de la trahison de l'engagement de l'auteur envers le stalinisme, c'est une beauté tragique.

Le documentaire très visuellement captivant de Viktor Turin a eu une grande influence sur les créateurs occidentaux, notamment sur les documentaristes britanniques et anglo-saxons. Richard Leacock a vu le film à l'âge de 11 ans (1932) et cela l'a profondément choqué, de sorte qu'il a décidé intérieurement de s'exprimer à travers la caméra. Selon Martin Čihák, il a également eu une influence considérable sur le travail de John Grierson lors de la projection à Ponrepo. Après une introduction plus longue et plus descriptive sur le plan ethnographique et géographique, le spectateur est complètement immergé dans la lutte de l'homme contre la nature extrême. Ou plutôt, "la nature est tenace, mais qui est plus tenace ? - L'homme !"

Il est simplement caractéristique qu'un des membres de la grande famille des films documentaires ait été créé dans un but qui ne correspond pas du tout à la tâche que le bon sens dominant lui impose encore aujourd'hui - refléter la réalité de manière neutre, raconter objectivement l'histoire. "La chute de la dynastie des Romanov", le père du documentaire de montage, a hérité de sa double mère, E. Šubová et de la Révolution d'Octobre, une motivation sociopolitique claire. La description des faits se mélange à une interprétation particulière qui nie l'objectivité universelle et - ajoutons la sagesse populaire - "déforme criminellement la réalité". Si cette opinion naïve qui nie obstinément que chaque interprétation est un crime commis contre "la réalité", mais avec cette précision qu'il est impossible d'éviter l'interprétation et qu'elle est un complément nécessaire à chaque événement, à chaque texte, et dans ce cas, même au matériel d'archive, peut être facilement réfutée, c'est possible en se référant à ce film. Parce que le documentaire de montage, qui était le plus adapté à la structure du film documentaire sur l'histoire plus récente en général, et est donc devenu depuis lors (avec quelques ajustements mineurs : les intertitres remplacés par des voix off et complétés par des têtes parlantes) son modèle le plus fréquent, a trouvé son premier portrait dans un film à fonction clairement idéologique. Il appartient seulement à chaque spectateur moderne de comprendre que le contenu idéologique (idéologique également au sens idéologique, idéologique, etc.) du document peut changer, mais cette fonction idéologico-interprétative est et restera invariable. Après tout, dans le visage indifférent de Nicolas II Romanov, il n'y aura toujours que ce que nous ou l'époque voulons voir et ce que la composition de montage y mettra, le connectant avec "la brutalité" une fois et avec "la sainteté" une autre fois.

G. Kozincev a réussi à réaliser des films de très bonne qualité tout au long de sa carrière et il convient de souligner qu'il était capable de réaliser de manière excellente dans différents styles de l'histoire du cinéma européen. Dans "Le Manteau", nous sommes témoins de la réception particulière de Kozincev/Trauberg des éléments de l'expressionnisme allemand : en effet, Saint-Pétersbourg hivernal est recouvert de nuit, où à la lumière des lampes à gaz, de longues ombres de criminels et de bureaucrates rappellent un certain vampire de Murnau, et il a également une affinité avec la classe de surnaturel des classiques allemands eux-mêmes. Et il est étonnant qu'en 1929, ce duo de réalisateurs tourne le même "Nouveau Babylone", qui se distinguera par une réception de qualité (bien que pas au niveau des meilleurs) des éléments de l'école de montage de leurs compatriotes, où, contrairement à "Le Manteau", la stylisation marquée, le petit monde fictif serré et le jeu avec la caméra céderont la place au jeu de montage et aux grandes scènes politico-historiques exigeantes pour le réalisateur. Et il est inutile de rappeler que Kozincev terminera sa carrière en tant que maître des adaptations cinématographiques les plus fidèles et réalistes des drames classiques de Shakespeare.