Dionysos

Le film ne traite certainement pas de la révélation des visages évidents ou cachés du stalinisme, mais plutôt de l'observation de la vie de l'enquêteur de police Lapšin et de ses amis, et oui, une observation des années 30, mais je préférerais ne pas faire de jugements complexes sur cette époque à partir de ce film. Ici, il s'agit moins de l'époque que de l'individu. De l'individu en quête de bonheur et de certitude face à un monde dur et insensible qu'il connaît par son travail quotidien et sa vie passée (et c'est là que "l'époque" joue un rôle). De l'individu pour lequel nous attendons de voir si l'amitié et l'amour l'aideront finalement à sortir de la solitude. Malgré une caméra principalement en noir et blanc et l'hiver russe omniprésent ainsi que la grisaille qui engloutit le spectateur (malgré la première moitié peu organisée), l'atmosphère nostalgique, sensible et réceptive du film est probablement mieux illustrée dès la scène d'introduction où la caméra examine familièrement et parcourt une série de détails dans l'appartement du narrateur de l'histoire (le fils de l'ami de Lapšin), laissant le "grand" monde extérieur derrière ses fenêtres.

Olmi reconstruit l'Europe disparue dans un esprit délicat et paisible, qui était prise entre l'époque agricole et industrielle, tandis que les usines et le monde qui les accompagne se dessinent seulement vaguement et un peu sinistrement à l'horizon pour nos héros. L'Européen d'aujourd'hui ne peut qu'imaginer à quoi cela ressemblait lorsque d'innombrables fermes, moulins, champs et jardins, églises, routes et sentiers étaient dispersés dans tout le paysage et que chaque jour, on travaillait et vivait avec un rythme inchangé de génération en génération. Cependant, l'idéalisation n'est pas appropriée (et il est honorable que le réalisateur ne la pousse pas dans le film) - les gens souffraient de l'injustice de l'ordre social, étaient prisonniers de croyances superstitieuses, ne rejetaient certainement pas les avantages et l'argent, et le travail était surtout un devoir. Mais que faire lorsque tout cela était fait dans leur vie avec une telle simplicité et honnêteté que personne n'a plus aujourd'hui !

Un documentaire classiquement monté, traitant du cinéaste écossais John Grierson. Le film retrace toute la carrière de ce créateur important de ce que l'on appelle aujourd'hui un "documentaire", grâce à cet homme. Depuis ses débuts difficiles et visionnaires chez lui en Grande-Bretagne, en passant par son travail fondateur et innovant à l'Office national du film du Canada, jusqu'à la période de l'hystérie anticomuniste en Amérique du Nord après la guerre, à laquelle Grierson n'a pas échappé - un jeune défenseur des idées fortement gauchistes de l'Occident, qui l'ont toujours poussé à travailler sur la représentation en profondeur de la réalité de la société. Après la guerre, il y a eu une période d'accalmie, mais ce créateur progressiste a finalement été largement reconnu, bien qu'à un âge avancé.

Il n'y a rien de plus simple que de vivre avec l'idée de l'évidence de tout ce qui nous entoure. Et que se passe-t-il lorsque l'on commence à réfléchir à tout cela ? Que se passerait-il si les processus automatisés commençaient à s'enrayer, si la reproduction quotidienne de nos relations sociales (et de production) commençait à vaciller ? Eh bien, je vais allumer une cigarette. Ou je vais regarder la télévision - elle est accessible à tous grâce à la modernisation (même à ceux qui n'ont pas d'argent pour le LSD). Les rêves publicitaires sont aussi des rêves et on les oublie facilement. Ensuite, on ne se rend même pas compte que la maison dans laquelle on vit n'est en réalité qu'une autre boîte de lessive... /// Le regard sociologique/ethnographique traditionnellement godardien sur les héros du film, déterminés par l'environnement dans lequel ils vivent (dans les banlieues parisiennes pour les plus bas, dans la formation sociale capitaliste pour les plus hauts), est enrichi par une approche révolutionnaire de la relation auteur-artiste à son œuvre. Grâce à son unique entrée par le biais de la voix off dans le film lui-même, il établit de nouvelles connexions et pose des questions entre lui-même et le spectateur, des questions autrement impensables par une approche conventionnelle. Ou plutôt une sociologie filmique réflexive, dans laquelle JLG étudie l'objet saisi par la représentation artistique presque comme s'il s'agissait d'un intérêt scientifique, et à travers ce processus il se découvre lui-même en tant que créateur de l'œuvre – un artiste ancré dans son époque, tout comme Marina Vlady. /// L'originalité de la forme et de la mise en scène est poussée à la perfection - suffit de prendre l'exemple célèbre du détail de la mousse du café symbolisant la fugacité de la conscience humaine ou du réveil matinal de M. Vlady lorsque le drapeau français est formé par son oreiller et sa couverture - ce qui montre que ce que le film nous montre à travers l'exemple de la banlieue parisienne ne concerne certainement pas seulement cet endroit.

Lutter contre le fascisme en Espagne est difficile, mais lutter contre un fascisme mondial amorphe, sans nom et sans frontières, est encore plus difficile. Il n'est donc pas étonnant que dans cette bataille paranoïaque et désespérée, les gens commencent à se suicider. Car pour lutter contre un ennemi apparemment inexistant, il faut une force intérieure, une résilience et une détermination intérieure encore plus grandes, que tout le monde ne peut pas supporter. L'épreuve peut arriver bientôt, peut-être même lors de la répétition d'une pièce de Shakespeare sans perspective. Qui triomphera ? L'effort pour faire une pièce selon ses propres convictions, même si cela peut être difficile à digérer et économiquement non rentable pour le public, ou la soumission au dictat des forces extérieures ? Peut-être que ce sont ces forces que nous essayons de voir tout ce temps. (Ou peut-être pas, qui sait ce que Rivette voulait dire...)

Katrin Lotová, épouse de l'officier de marine Richard Lot, décide après des années de mariage de demander le divorce. Elle prend cette décision car elle ressent que leur relation a complètement perdu son amour et que maintenir cette relation nécessiterait inévitablement des mensonges et de la dissimulation. Son mari, quant à lui, ne souhaite pas divorcer principalement par peur de compromettre sa carrière prometteuse et se cache donc derrière le masque de la morale, qui devient ainsi une fausse et superficielle couverture. Malheureusement pour elle, la majorité des gens de l'entourage de Katrin se place derrière le même rempart moral par commodité ou par rancœur, ce qui transforme son combat pour le divorce en un combat contre les préjugés de la société. Après une première moitié de film très faible et languissante, qui ne se dynamisait que par quelques jeux formels, la qualité surprenante s'améliore lorsque Katrin se retrouve en conflit avec ses collègues, la loi et les tribunaux.

Film comme un avertissement pour ceux qui ont oublié comment vivre après Mai, tout comme ils vivaient en Mai. Et en même temps, comme un défi pour ceux qui veulent vivre selon Mai, même après, même s'ils ne savaient pas encore ce que cela signifiait. Parce que Mai 1968 ne devait jamais être une fin, mais un début (de la même manière que les événements de "Číňanky" devaient être les premiers pas pour les étudiants découvrant des idées révolutionnaires). De même, l'histoire de Lui et Elle est un mouvement du printemps "révolutionnaire" vers la réalité grise de l'année 1972, où Mai sert principalement à prendre conscience de ce qui s'y est passé. Cela a révélé la volonté de certains de se battre pour quelque chose de nouveau, et la volonté des autres de maintenir le statu quo. La désillusion face à l'échec des syndicats, du parti communiste et l'incertitude quant à ses propres idéaux de Mai sont donc à l'origine de ce que chacun (dans ce cas, l'intellectuel de gauche) doit réaliser - il s'agit de chercher de nouveaux contenus et de nouvelles formes, en dehors du cadre du système capitaliste de consommation. P.S. De la paire d'auteurs, la plus grande part de responsabilité pour ce film revient plutôt à Gorin qu'à Godard.

Celui qui veut regarder ce film comme un banal thriller criminel sur la disparition d'une personne dans une ville abandonnée quelque part au fin fond de la Russie sera certainement déçu, car étonnamment, la description du film ne révèle rien de suffisamment mystérieux ni criminel, mais plutôt un drame. En effet, il vaut mieux chercher autre chose dans ce film que simplement la tension de l'enquête, ce ne devrait certainement pas être l'élément principal selon moi. La chanteuse à succès Ljuba, après avoir gravi les échelons de la société, souhaite quitter la Russie, mais elle ne sait pas que le pays où elle a grandi ne la laissera pas partir si facilement. Elle voulait chanter en solo, mais elle a oublié que dans des endroits comme Iurjev en Russie, il n'y a pas de place pour les solistes, du moins s'ils veulent encore être de vrais Russes (et pas seulement citer Tchekhov et compagnie de mémoire). Quand elle chantait seule, elle a perdu sa voix. Lorsqu'elle trouvera le chemin de la chorale, elle pourra peut-être nourrir encore l'espoir de récupérer un jour son fils.

La résistance et la révolte des jeunes contre la société et le système, entravées par des conventions dépassées et un ordre social symbolisant les entraves à la justice et à la liberté. Les deux personnages principaux incarnent à la fois l'amertume et la force de tout ce mouvement, qui est né à l'Ouest et en particulier aux États-Unis à la fin des années 60. Mark, un jeune homme idéaliste mais énergique, est déterminé et capable de faire le nécessaire pour provoquer le changement (même si cela peut sembler naïf). Daria, une jeune fille, ressent instinctivement la même répulsion envers l'état de la société, mais cherche plutôt un soulagement dans l'évasion (par la méditation, la musique, les rêves). Leurs chemins se croisent brièvement, et tous deux en profitent pleinement en tant que jeunes et beaux hippies de l'époque.... Mais ensuite, un tournant doit se produire, tout comme un tournant a dû se produire dans l'histoire de tout ce mouvement. Celui qui choisit d'agir activement contre le système doit être inexorablement détruit par les circonstances générales. Celle qui choisit d'"aller de l'avant" incarne tous ceux qui, seuls ou sous pression extérieure, ont grandi ou ont été contraints d'abandonner leur "enchantement hippie" simpliste. La destruction de la vieille société et de son système est donc restée à jamais dans leurs rêves. (P.S. - dans le meilleur des cas, dans le pire, ils sont devenus paradoxalement ce qu'on appelle les "yuppies", c'est-à-dire de jeunes membres ambitieux et orientés vers la consommation de la classe supérieure, qui se sont totalement identifiés aux principaux traits sociaux contre lesquels ils ont lutté dans leur jeunesse.)

Film sur une femme perdue dans un monde en constante modernisation, à une époque où le développement de la technologie devrait servir l'homme, mais peut aussi se retourner rapidement contre lui et l'écraser par sa grandeur. Et si ce n'est pas physiquement, au moins intérieurement. Quelque chose que Monica Vitti a peut-être ressenti, consciente de sa petitesse comparée aux usines géantes, aux tours qui s'élèvent jusqu'au ciel ou aux camions qui filent à toute vitesse. Son âme hypersensible, engendrant inévitablement la peur pour tout ce qui lui est cher, ne convient pas à ce monde, où tout est constamment en mouvement et où elle ne peut pas s'accrocher fermement. Elle voudrait presque inverser les échelles pour revenir à un état où elle était proche de l'homme, ramener la proximité entre les gens, au lieu des critères de son époque industrielle, où l'homme est impuissant et minuscule comparé à ses créations, juste un serviteur, un gardien de quelque chose qu'il a créé mais qu'il ne contrôle plus.