POMO

Il est dommage qu’Equalizer 3 comporte moins d’action, et en particulier un règlement de comptes avec le principal « méchant » du film qui laisse à désirer sur le plan formel. Le charisme de Denzel Washington et l’excellente stylisation de son personnage en justicier suprême, sur fond de conflit avec la Camorra italienne, promettaient une boucherie plus grande et plus longue, avec un plus grand nombre de cadavres. John Wick nous a trop gâtés… Même dans ses moments les plus calmes, Equalizer 3 reste cependant divertissant avec ses bons personnages, son atmosphère italienne, et surtout la tension croissante de l’affrontement qui se prépare entre la brutale pègre locale et le héros américain ultime. L’épilogue est inutilement pathétique (Italie) et naïf (San Francisco).

Au début, on se dit que ce film « méditatif » de deux heures et demie veut peut-être, avec un soupçon de tentative de subversion des attentes du public, faire ressentir au spectateur l’existence misérable des pauvres Indiens dans leur réserve où la spiritualité dépérit. Mais ce n’est pas le cas. Eureka est tout simplement incapable de remplir ses longues scènes globalement inutiles avec quoi que ce soit de significatif ou d’intéressant. Et il est déterminé à torturer jusqu’à la mort même le spectateur le plus patient. Une certaine réflexion existentielle finit par en jaillir, mais elle ne provient que de l’action de scènes qui pourraient faire l’objet d’un court métrage d’une demi-heure. Et la présence de Viggo Mortensen et de Chiara Mastroianni est une supercherie ! [Festival de Cannes]

Les incontournables Tapert, Raimi et Campbell tiennent la barre et ne lâchent rien. Tant sur le plan de l’intensité et de la quantité de sang, que sur celui du haut niveau technique. Le film se déroule pour la première fois ailleurs que dans une cabane au fond des bois, mais dans l’environnement tout aussi inhospitalier d’un immeuble de logements sociaux sans ascenseur en état de marche ni escalier de secours. Les masques et les comportements diaboliques des victimes possédées par les démons sont désormais une marque de fabrique éprouvée de la série au service de ses fans. Les personnages n’agissent pas de manière aussi stupide que la dernière fois, et leur casting ainsi que leur style « emo » sont résolument non conventionnels, rappelant la distribution d’ensemble du dernier Hellraiser. La beauté mystérieuse d’Alyssa Sutherland est parfaite pour le rôle de la démone. Tout le monde sait que cette franchise a les démons les plus élaborés de tous les temps, et cette fois-ci, même une petite fille en fait partie ! C’est un plaisir de retrouver une fois de plus sur grand écran un tel délice, dans le genre carnage, réalisé avec tant d’amour.

Le premier quart d’heure introduit de façon magistrale les personnages centraux, leurs souffrances intérieures, leurs conflits et leurs motivations. Et en particulier le personnage d’Enzo Ferrari, industriel et ingénieur, homme de fer et de principes à la vie familiale brisée. Adam Driver était né pour jouer ce rôle, l’énergie et le ton du film reposent encore plus sur lui que sur les voitures. La musique sombre et en même temps énergique de Daniel Pemberton, parfois accompagnée de voix, donne une âme au film. Le style rétro des décors et des autres personnages est excellent, et chacun des acteurs secondaires a la personnalité nécessaire. Les dialogues pertinents mettent en lumière le danger mortel inhérent à la passion des coureurs, ainsi que la position délicate de Ferrari et de son entreprise dans l’industrie automobile – la responsabilité en matière de vies humaines dans le cadre de la course non seulement au prestige, mais aussi au maintien fondamental de l’activité de l’entreprise.

Maika Monroe est la seule à faire un peu tenir ensemble ce drame assez bancal sur la recherche d’une fille kidnappée, qui est aussi un thriller sur la lutte entre des mortels et une bande de loubards déjantés, et une idylle inattendue entre deux marginaux paumés. Sur le plan de l’émotion et du suspense, le film ne fonctionne pas vraiment, avec une brutalité comiquement incongrue et une tentative ratée de choquer en présentant des « méchants » excentriques. Parmi ces derniers, seul Karl Glusman joue bien son personnage et se montre convaincant. Et Jamie Foxx est surprenant dans un rôle secondaire. Sinon, il n’y a pas grand-chose à se mettre sous la dent, les dialogues sont superficiels, la mise en scène est décousue et le personnage principal interprété par Nikolaj Coster-Waldau est insipide.

Le film est un drame triste qui prétend s’inspirer d’une histoire vraie. Pour ceux qui l’entourent, le sujet de l’exorcisme – une jeune fille fragile traumatisée par une grande tragédie dans sa vie – est la victime souffrante et inoffensive d’un destin mouvementé, tandis que son exorciste est un fou fanatique et une brute violente. De brefs intermèdes horrifiques sous forme d’apparitions démoniaques tentent d’effrayer par leur volume puissant, mais ils ne fonctionnent pas du tout. Les producteurs les utilisent pour essayer de vendre Godless comme un film d’horreur, ce qui est une supercherie. Et ils ne parviennent pas à construire un drame fonctionnel autour des personnages. [Festival du film de Sitges]

Les lamentations répétitives du personnage principal au sujet de ses traumatismes et de ses remords deviennent ennuyeuses à la longue, mais le ton lugubre de l’effondrement de la situation du Japon dans la guerre ajoute beaucoup au monstre gigantesque. Sur fond de musique sombre et inquiétante, Godzilla symbolise ici les horreurs de la guerre, y compris la menace nucléaire dévastatrice. Les scènes océaniques avec le monstre sont excellentes, avec une montée en puissance et des idées pour exploiter au maximum ses capacités physiologiques. Il est effrayant, en colère et indestructible. Les scènes avec Godzilla en ville ne sont que secondaires, comme si les producteurs n’avaient pas voulu répéter ce qui a déjà été vu des centaines de fois (même dans des films de monstres américains) et avaient souhaité conserver la spécificité aquatique et maritime de l’histoire. Le budget de 15 millions de dollars pour un tel déluge d’images de synthèse de haute qualité est tout simplement incroyable, et le succès du film dans les salles américaines pourrait marquer un changement dans l’état d’esprit des comptables d’Hollywood quant à ce dont un bon film a besoin, et ce dont il n’a pas besoin. À cet égard, Godzilla Minus One est un « phénomène transformationnel » de cette année, tout comme l’était Barbenheimer.

Dynamique, vivant, émouvant et techniquement brillant. L’intrigue est peut-être stéréotypée et les dialogues ridiculement basiques, mais tout cela est dépassé par le fait qu’il s’agit d’une histoire vraie que nous ne croirions pas si elle ne s’était pas réellement produite (!). L’intégration d’éléments de jeu dans le monde réel est réalisée avec tant de goût et d’art qu’elle fait de Gran Turismo la meilleure et, surtout, la plus significative adaptation cinématographique d’un jeu vidéo à ce jour. Ne le comparons donc pas aux drames de course plus matures et cérébraux, mais diamétralement opposés, que sont Rush ou Le Mans 66.

Un film délicat sur la joie, l’anticipation et la profondeur de la déception vécue par une adolescente lors de vacances festives avec ses amies. S’il semble s’agir à première vue d’un nouveau film inutile de Netflix, ce drame intime se révèle extrêmement sensible en dévoilant progressivement l’expérience émotionnelle et psychologique des événements vécus par l’héroïne. How to Have Sex est tout d’abord superbement interprété par son actrice principale, Mia McKenna-Bruce, mais il est surtout réalisé de manière très respectable par Molly Manning Walker, qui signe ici son premier long métrage. [Festival de Cannes]

La distribution des acteurs et la partition musicale de John Williams sont réjouissantes, Harrison Ford est rajeuni de façon remarquable, et la surprise du dénouement final est plus crédible que les absurdités d’extraterrestres du film précédent. Mais l’omniprésence du numérique, où même le tuk‑tuk circulant dans les étroites rues marocaines n’est pas réel, est quelque chose que JE NE VEUX PAS dans un film d’Indiana Jones, parce que j’ai fait l’expérience de la trilogie d’origine et que je l’aime toujours pour son inventivité et son honnêteté. Cette routine dans laquelle les réalisateurs n’ont pas besoin de se montrer créatifs sur le plan cinématographique, parce que la post-production en images de synthèse fait tout pour eux, est tout à fait à l’opposé de l’approche originale de Spielberg. Le potentiel de chaque scène en souffre.