POMO

Il était clair que Garland n’allait pas faire de ce sujet une superproduction. En revanche, il n’était pas évident de savoir ce que sa maîtrise de l’équilibre entre la réalité et les dimensions au-delà de la perception humaine apporterait à un film qui est censé ne reposer que sur un réalisme brut. Civil War contient des scènes grandioses avec des chars et des hélicoptères, mais sans un incroyable concept cinématographique comme celui qu’Alfonso Cuarón nous avait présenté dans Les Fils de l’homme, et qui aurait été nécessaire ici. Au fond, Civil War n’est qu’un « road movie » intimiste à travers une Amérique brisée, avec trois journalistes chevronnés et une journaliste débutante, dont l’innocence contraste avec l’expérience et le détachement professionnel des autres. La question de savoir pourquoi une si jeune fille ferait un tel travail trouve une réponse immédiate : « I’ve never been so scared in my entire life. And I’ve never felt more alive. » ___ Civil War évite le sentimentalisme et atténue la tonalité sombre de l’histoire par l’utilisation de vieux tubes de pop américaine, mais il manque l’optique artistique pour laquelle nous aimons Garland. Le film aurait dû être entièrement composé de scènes explicitement terrifiantes, mais il n’en contient qu’une seule. Elle reflète la mentalité unidimensionnelle de la population « redneck » des États-Unis, et Jesse Plemons y excelle. Le réalisateur accentue la crudité non pas avec une musique instrumentale sombre, mais avec le bruit intense des armes à feu. Et même si le film est captivant et engageant grâce à ses personnages, il lui manque des conflits plus raffinés et inattendus, ainsi qu’une réflexion qui aille au-delà d’une mise en garde contre Donald Trump. Et le dénouement est littéralement ridicule.

La première moitié de Fallen Fruit présente le protagoniste dans ses tâtonnements de jeunesse – tout juste sorti d’une rupture, réticent à travailler, et sans idée de ce que l’avenir lui réserve. Le film lui-même est légèrement ennuyeux et tout aussi tâtonnant, avec des dialogues faibles, les caractéristiques d’un film d’étudiant et un faux pas narratif du genre « n’importe quoi » (deux parfaits inconnus s’aperçoivent brièvement à travers la vitre d’une voiture qui passe et s’envoient des textos quelques heures plus tard). À l’approche d’un ouragan, cependant, les parents du protagoniste se joignent à la présentation de sa vie quotidienne, des personnages vus plus tôt donnent des contours plus significatifs aux raisons de sa solitude, et Fallen Fruit s’avère être un portrait honnête d’un jeune homme vivant à Miami, avec une identité exprimée avec justesse pour cette ville exotique qui produit initialement un effet « waouh », mais dont le côté accueillant est feint. [Festival du film de Miami]

Mieux vaut une courte vie dans la liberté qu’une longue « non-vie » sous une dictature communiste. Une histoire vraie et puissante de jeunes Cubains des années 1990 qui ont choisi la liberté. Le film puise son esprit joyeux dans un sanatorium isolé, où se retrouvent ses personnages après avoir décidé d’abréger leur propre vie en s’injectant délibérément le VIH. Parce qu’ils peuvent vivre là-bas comme ils l’entendent. La première partie, en ville, est cependant plus intéressante – plus brute, plus dramatique, chargée d’agitation et d’énergie rebelle. Dans le sanatorium, la constellation de personnages a tendance à verser dans le cliché ou le kitsch léger. Mais la fin fonctionne bien. Cette communauté méritait que son histoire fasse l’objet d’un film. Les réalisateurs de superproductions Phil Lord et Christopher Miller aspirent à faire une incursion dans le cinéma indépendant. [Festival du film de Miami]

Le documentaire choque par sa description des conditions dans lesquelles les autorités américaines autorisent n’importe qui aujourd’hui à garder un animal en captivité, comme la célèbre orque Lolita qui a vécu au SeaQuarium de Miami pendant des décennies. C’est comme s’il n’y avait pas de lois contre la cruauté envers les animaux, ou que personne ne les observait. Le film suit un groupe d’Amérindiens de la région d’origine de l’orque qui s’efforcent de la libérer. Ils expliquent leur lien spirituel avec l’orque et l’importance de la ramener dans ses eaux natales, où elle pourrait encore rencontrer sa mère cinquante ans plus tard. Ne vous attendez pas à retrouver ici une histoire comme celle de La Sagesse de la pieuvre et les émotions qu’elle suscite, car Resident Orca est un documentaire purement de type « montage télévisuel » avec des interviews de personnes impliquées dans le dossier. Sa force réside dans la question de savoir si l’orque pourra être libérée et dans l’issue inattendue de l’histoire. [Festival du film de Miami]

Baigné par le soleil de Floride, Road House est un film à la noix très divertissant et bourré de testostérone, avec un Jake Gyllenhaal au casting surprenant qui signe une nouvelle fois une belle performance. Doug Liman aide Joel Silver à mettre à jour son classique des années 80 en le revêtant de l’attirail dynamique des clips musicaux avec des bagarres physiquement intenses, mais toujours avec le détachement d’un divertissement domestique en VOD peu exigeant. Le nouveau Road House contient une seule scène qui fonctionne sur le plan psychologique (un dialogue dans un bar qui évoque le traumatisme du personnage principal) et s’apparente davantage à une comédie punk énergique qu’à un drame. Le personnage le plus drôle est le principal antagoniste de Gyllenhaal, la machine de combat ultime Conor McGregor, qui incarne de manière comique l’arrogance machiste sans cervelle avec une fureur effrénée. Une invitation à rejoindre l’équipe de Fast and Furious lui est assurée après ces débuts marquants sur grand écran.

Sensationnel. Le récit s’inspire clairement du film Free Solo, récompensé par un Oscar. Mais ce dernier portait sur le meilleur grimpeur professionnel du monde et avait été tourné par le meilleur réalisateur de films en plein air du monde. Skywalkers est un projet de passionnés sur un couple de jeunes aventuriers, avec de nombreuses vidéos prises à l’aide de téléphones portables et de drones, dont certaines sont chargées d’adrénaline. Le voir sur grand écran, c’est en faire l’expérience avec eux. Une sacrée poussée d’adrénaline ! Mais ce qui rend le film si sensationnel, c’est l’entrelacement de leur hobby potentiellement mortel, dans lequel ils trouvent le sens de la vie, avec l’histoire d’amour qui se développe entre eux grâce à leur passion commune et qui, à travers une confiance absolue l’un envers l’autre et un soutien mutuel, les aide à réaliser l’impossible. Et le fait que leur histoire sur Instagram se déroule entre le début de la pandémie et l’invasion russe de l’Ukraine (qu’ils désapprouvent). Une belle lettre d’amour, puissamment émotionnelle. [Festival du film de Miami]

Stop ! Or My Grandma Will Shoot ! Une comédie « d’action » attachante avec du cœur et une excellente June Squibb. Une performance admirable pour une actrice de 94 ans, avec une multitude de gestes humoristiques et de moments dramatiques sensibles. L’interaction entre les personnages de la famille et les méchants est conventionnelle mais écrite de manière efficace, avec un casting surprenant pour le rôle du méchant principal. Pour ma part, cependant, en ce qui concerne les comédies sur les personnes âgées, je préfère les films européens plus sarcastiques et plus culturellement distinctifs, du type Mr. Ove. [Festival du film de Miami]

Les meilleurs Oscars depuis longtemps, au terme d’une année exceptionnellement forte pour le cinéma. Des surprises amusantes comme un John Cena complètement nu, Guillermo Rodriguez avec une méga-bouteille de téquila, ou les jumeaux Arnold Schwarzenegger et Danny DeVito. Une cérémonie encore une fois parfaitement animée avec légèreté par Jimmy Kimmel, et des statuettes remises à ceux qui les méritaient. J’ai été ravi de tous les résultats, en particulier celui du meilleur film international et du meilleur son pour La Zone d’intérêt. Un discours puissant du réalisateur de 20 Jours à Marioupol ! Et c’est un Ryan Gosling chantant qui a volé la vedette.

Il est dommage de constater le niveau de stupidité de nombreuses scènes du film, car les décors naturels sont atmosphériques et les monstres sont impressionnants. L’idée de situer l’action sur la Terre avant notre civilisation, à « l’époque des dinosaures », est également bonne en soi. Les films de science-fiction de série B doivent faire appel à un minimum de bon sens, et ce d’autant plus que les budgets sont modestes. Ici, avec une production solide sous la houlette de Sam Raimi et un acteur de premier plan dans le rôle principal, le manque d’intelligence est un point négatif encore plus important.

Même le thème des pluies acides causées par la pollution de l’air est trop lourd pour un film catastrophe dramatique qui se veut sérieux. Le scénario ne propose rien d’intéressant, fait uniquement appel à une série de clichés taillés sur mesure, et affiche par ailleurs une stupidité d’autant plus flagrante que l’on se rapproche du dénouement. Ce dernier tourne presque à la parodie involontaire. Seule la scène de la mort inattendue d’un personnage important au milieu du film est émouvante et fait mouche. Un film de genre français inférieur à la moyenne et inutile. [Festival de Cannes]