POMO

Un film qui sait ce qu’il fait avec chaque scène, chaque personnage, chaque moment d’humour, chaque chorégraphie de combat et chaque rebondissement inattendu. Et malgré le mélange d’un sujet sérieux et d’une abstraction comique, il ne tombe jamais dans la facilité ou la surenchère. En termes de scénario, il est trois fois plus sophistiqué que Sisu, et en termes de réalisation, il est d’un goût et d’une fraîcheur que peu de films égalent sans avoir recours à des acteurs plus connus.

Le tout premier plan, accompagné d’une musique à la Hans Zimmer, est stupéfiant lorsqu’on réalise qu’il s’agit d’un film tchèque. Les décors extérieurs monumentaux du film, au design remarquable, comprennent des voitures, des hologrammes et des images numérique, et sont de classe mondiale. Du point de vue de l’intrigue, peu importe qu’il s’agisse juste d’une histoire policière dans un univers de science-fiction : c’était la même chose pour Minority Report. Le problème, c’est cet effort pour maintenir le spectateur dans un état de tension permanente en faisant constamment, et souvent inutilement, dériver l’intrigue à travers des dialogues, des dialogues et encore des dialogues. En l’absence d’une immersion plus originale et plus percutante dans le récit, je n’ai pas été disposé ni même capable, dans le contexte d’une projection nocturne de festival après une longue journée, d’adhérer à cette surenchère. La prochaine fois, proposez un sujet plus original, supprimez les bavardages, rééquilibrez le film avec des moments de détente où l’on apprend à connaître les personnages, et ce sera super. On pourrait même imaginer une série de films avec la même héroïne. Elle est bien castée, elle est agréable à l’œil, et son personnage mérite d’être développé. [Festival du film de Karlovy Vary]

Une île chilienne, des Amérindiens adeptes de la sorcellerie et un colonisateur allemand arrogant... Brujería a de l’ambiance, des acteurs de qualité et se situe dans une période historique et un cadre attrayants, avec une mise en scène impressionnante, mais le scénario ne réussit pas à décoller vers quelque chose de plus excitant. La scène la plus forte fait démarrer l’histoire au début, mais elle est suivie par l’attente d’une catharsis qui n’arrive jamais vraiment. Pourtant, le sujet invitait à de nombreuses résolutions intéressantes et désirées par le spectateur. [Festival du film de Sitges]

Un grand Woody Harrelson, une Kaitlin Olson très stylée, et une réplique drôle et pertinente que je n’avais (naturellement) jamais encore entendue dans un film américain. Le reste n’est constitué que des clichés les plus éculés des films sportifs plein de bons sentiments, présentés dans un scénario médiocre. Mais que pouvait-on attendre de plus de la part de Farrelly ?

Le véganisme fait déjà partie du passé : ne mangez pas du tout et vous deviendrez un saint. Jessica Hausner, la progressiste, compose une fois de plus de fabuleux extérieurs et intérieurs, cette fois avec une touche industrielle et carton-pâte (la maison de luxe est vraiment incroyable), et l’histoire explore plusieurs thèmes : les dangers de la manipulation par un mentor, la recherche de soi par une adolescente et, ironiquement, les tendances alimentaires qui se profilent de manière de plus en plus marquée. Son monde abstrait de personnages presque « wes-andersoniens » est ludique, drôle et sérieux, mais pas encore assez mûr pour laisser une impression plus profonde et durable. [Festival de Cannes]

De la part de l’envoyé sud-coréen aux Oscars et avec un tel sujet, je me serais attendu à une satire sociale sophistiquée, surtout maintenant, quelques années après le brillant Parasite. Mais Concrete Utopia n’est qu’un film de genre post-apocalyptique techniquement bien ficelé, avec des conflits ordinaires entre les personnages et une fin kitsch qui tente de faire naître des sentiments sincères sans avoir construit d’émotions relationnelles au préalable. Comme superproduction destinée au plus grand nombre, il fonctionne assurément, Byung-hun Lee étant lui-même en tant qu’acteur un grand rassembleur de foules, mais le film s’adresse plutôt à un public asiatique. [Festival du film de Sitges]

Une exploration dialoguée de la sexualité compliquée d’une femme adulte à travers des flashbacks sur sa jeunesse, son enfance, sa relation avec son père, etc. Un sujet intéressant pour le spectateur, mais raconté de manière banale et sans risque comme un film familial, sans apport de créativité artistique. Seule la représentation des premiers signes du développement de la sexualité chez l’enfant n’est ici pas cinématographiquement éculée. [Festival de Cannes]

« J’ai passé une coloscopie le mois dernier, et c’était comme admirer une peinture de Jackson Polyp. » Un si beau début... pour un résultat si terne. Le couple central est entraîné dans une descente aux enfers par le biais d’un symbolisme sinistre, d’une sexualité aguichante et d’un accident tragique. Infinity Pool associe onirisme lynchien, physicalité cronenbergienne, et punk kubrickien. Mais ce sont les fulgurances à la Orange mécanique qui constituent les dernières choses à fonctionner de manière intéressante dans la seconde moitié du film. L’énorme potentiel des premiers motifs introduits reste inexploité : il aurait été formidable d’explorer la psychologie de la relation du couple central (elle ne sait pas ce qui a changé et le découvre progressivement avec horreur), de dévoiler le monde bizarre de l’île avec ses règles terrifiantes, et d’entrelacer métaphoriquement le tout avec le thème de la recherche d’inspiration par un écrivain épuisé. Au lieu de cela, le fils Cronenberg et son héros restent prisonniers de la vanité antagoniste non justifiée d’une bande de personnages déconnectés de toute empathie ainsi que de leur propre identité.

Je n’avais pas vraiment envie de voir Donjons et Dragons et la surprise n’en a été que plus agréable. Le schéma de l’intrigue est cliché, mais il est agrémenté de nombreux détails imaginatifs et plaisamment ludiques, comme le jeu des dialogues, qui montrent plus d’intelligence de la part des créateurs du film qu’il n’est habituel pour ce genre d’histoires bouffonnes. Si la qualité se maintient à ce niveau, cette franchise sera couronnée de succès.

En regardant les photos promotionnelles, on se dit qu’il s’agit juste d’un autre film alpin romantique et kitsch. Mais dans la réalité, Ein ganzes Leben est le plus beau film sur la vie en montagne, et sur la vie en général, de ces dernières années. Et aussi celui avec les plus beaux panoramas alpins dans un long métrage. Le choix des lieux et les détails capturés (le trajet en bus) témoignent de la relation du réalisateur avec la montagne et susciteront un sentiment de déjà-vu chez certains spectateurs – c’est pour ces petits éclats magiques dans notre perception subconsciente de la nature alpine que nous y revenons encore et toujours pour y trouver une tranquillité d’esprit. La caractérisation des personnages est précise, avec un protagoniste parfaitement interprété par l’homme de théâtre Stefan Gorski. La scène dans laquelle il conduit sa future épouse dans un chalet de montagne et lui montre et explique pourquoi il s’est installé là est le cœur du film. Il y a le thème intéressant de la construction des premiers téléphériques et de l’arrivée de l’électricité qui en découle dans les villages de montagne, mais aussi celui des accidents mortels qui surviennent au cours d’un travail physique particulièrement dur. La caméra est superbe, constamment « flottante », et la belle musique toujours parfaitement adaptée. Et l’épilogue...