POMO

« J’ai passé une coloscopie le mois dernier, et c’était comme admirer une peinture de Jackson Polyp. » Un si beau début... pour un résultat si terne. Le couple central est entraîné dans une descente aux enfers par le biais d’un symbolisme sinistre, d’une sexualité aguichante et d’un accident tragique. Infinity Pool associe onirisme lynchien, physicalité cronenbergienne, et punk kubrickien. Mais ce sont les fulgurances à la Orange mécanique qui constituent les dernières choses à fonctionner de manière intéressante dans la seconde moitié du film. L’énorme potentiel des premiers motifs introduits reste inexploité : il aurait été formidable d’explorer la psychologie de la relation du couple central (elle ne sait pas ce qui a changé et le découvre progressivement avec horreur), de dévoiler le monde bizarre de l’île avec ses règles terrifiantes, et d’entrelacer métaphoriquement le tout avec le thème de la recherche d’inspiration par un écrivain épuisé. Au lieu de cela, le fils Cronenberg et son héros restent prisonniers de la vanité antagoniste non justifiée d’une bande de personnages déconnectés de toute empathie ainsi que de leur propre identité.

Je n’avais pas vraiment envie de voir Donjons et Dragons et la surprise n’en a été que plus agréable. Le schéma de l’intrigue est cliché, mais il est agrémenté de nombreux détails imaginatifs et plaisamment ludiques, comme le jeu des dialogues, qui montrent plus d’intelligence de la part des créateurs du film qu’il n’est habituel pour ce genre d’histoires bouffonnes. Si la qualité se maintient à ce niveau, cette franchise sera couronnée de succès.

En regardant les photos promotionnelles, on se dit qu’il s’agit juste d’un autre film alpin romantique et kitsch. Mais dans la réalité, Ein ganzes Leben est le plus beau film sur la vie en montagne, et sur la vie en général, de ces dernières années. Et aussi celui avec les plus beaux panoramas alpins dans un long métrage. Le choix des lieux et les détails capturés (le trajet en bus) témoignent de la relation du réalisateur avec la montagne et susciteront un sentiment de déjà-vu chez certains spectateurs – c’est pour ces petits éclats magiques dans notre perception subconsciente de la nature alpine que nous y revenons encore et toujours pour y trouver une tranquillité d’esprit. La caractérisation des personnages est précise, avec un protagoniste parfaitement interprété par l’homme de théâtre Stefan Gorski. La scène dans laquelle il conduit sa future épouse dans un chalet de montagne et lui montre et explique pourquoi il s’est installé là est le cœur du film. Il y a le thème intéressant de la construction des premiers téléphériques et de l’arrivée de l’électricité qui en découle dans les villages de montagne, mais aussi celui des accidents mortels qui surviennent au cours d’un travail physique particulièrement dur. La caméra est superbe, constamment « flottante », et la belle musique toujours parfaitement adaptée. Et l’épilogue...

Il est dommage qu’Equalizer 3 comporte moins d’action, et en particulier un règlement de comptes avec le principal « méchant » du film qui laisse à désirer sur le plan formel. Le charisme de Denzel Washington et l’excellente stylisation de son personnage en justicier suprême, sur fond de conflit avec la Camorra italienne, promettaient une boucherie plus grande et plus longue, avec un plus grand nombre de cadavres. John Wick nous a trop gâtés… Même dans ses moments les plus calmes, Equalizer 3 reste cependant divertissant avec ses bons personnages, son atmosphère italienne, et surtout la tension croissante de l’affrontement qui se prépare entre la brutale pègre locale et le héros américain ultime. L’épilogue est inutilement pathétique (Italie) et naïf (San Francisco).

Au début, on se dit que ce film « méditatif » de deux heures et demie veut peut-être, avec un soupçon de tentative de subversion des attentes du public, faire ressentir au spectateur l’existence misérable des pauvres Indiens dans leur réserve où la spiritualité dépérit. Mais ce n’est pas le cas. Eureka est tout simplement incapable de remplir ses longues scènes globalement inutiles avec quoi que ce soit de significatif ou d’intéressant. Et il est déterminé à torturer jusqu’à la mort même le spectateur le plus patient. Une certaine réflexion existentielle finit par en jaillir, mais elle ne provient que de l’action de scènes qui pourraient faire l’objet d’un court métrage d’une demi-heure. Et la présence de Viggo Mortensen et de Chiara Mastroianni est une supercherie ! [Festival de Cannes]

Les incontournables Tapert, Raimi et Campbell tiennent la barre et ne lâchent rien. Tant sur le plan de l’intensité et de la quantité de sang, que sur celui du haut niveau technique. Le film se déroule pour la première fois ailleurs que dans une cabane au fond des bois, mais dans l’environnement tout aussi inhospitalier d’un immeuble de logements sociaux sans ascenseur en état de marche ni escalier de secours. Les masques et les comportements diaboliques des victimes possédées par les démons sont désormais une marque de fabrique éprouvée de la série au service de ses fans. Les personnages n’agissent pas de manière aussi stupide que la dernière fois, et leur casting ainsi que leur style « emo » sont résolument non conventionnels, rappelant la distribution d’ensemble du dernier Hellraiser. La beauté mystérieuse d’Alyssa Sutherland est parfaite pour le rôle de la démone. Tout le monde sait que cette franchise a les démons les plus élaborés de tous les temps, et cette fois-ci, même une petite fille en fait partie ! C’est un plaisir de retrouver une fois de plus sur grand écran un tel délice, dans le genre carnage, réalisé avec tant d’amour.

Le premier quart d’heure introduit de façon magistrale les personnages centraux, leurs souffrances intérieures, leurs conflits et leurs motivations. Et en particulier le personnage d’Enzo Ferrari, industriel et ingénieur, homme de fer et de principes à la vie familiale brisée. Adam Driver était né pour jouer ce rôle, l’énergie et le ton du film reposent encore plus sur lui que sur les voitures. La musique sombre et en même temps énergique de Daniel Pemberton, parfois accompagnée de voix, donne une âme au film. Le style rétro des décors et des autres personnages est excellent, et chacun des acteurs secondaires a la personnalité nécessaire. Les dialogues pertinents mettent en lumière le danger mortel inhérent à la passion des coureurs, ainsi que la position délicate de Ferrari et de son entreprise dans l’industrie automobile – la responsabilité en matière de vies humaines dans le cadre de la course non seulement au prestige, mais aussi au maintien fondamental de l’activité de l’entreprise.

Maika Monroe est la seule à faire un peu tenir ensemble ce drame assez bancal sur la recherche d’une fille kidnappée, qui est aussi un thriller sur la lutte entre des mortels et une bande de loubards déjantés, et une idylle inattendue entre deux marginaux paumés. Sur le plan de l’émotion et du suspense, le film ne fonctionne pas vraiment, avec une brutalité comiquement incongrue et une tentative ratée de choquer en présentant des « méchants » excentriques. Parmi ces derniers, seul Karl Glusman joue bien son personnage et se montre convaincant. Et Jamie Foxx est surprenant dans un rôle secondaire. Sinon, il n’y a pas grand-chose à se mettre sous la dent, les dialogues sont superficiels, la mise en scène est décousue et le personnage principal interprété par Nikolaj Coster-Waldau est insipide.

Le film est un drame triste qui prétend s’inspirer d’une histoire vraie. Pour ceux qui l’entourent, le sujet de l’exorcisme – une jeune fille fragile traumatisée par une grande tragédie dans sa vie – est la victime souffrante et inoffensive d’un destin mouvementé, tandis que son exorciste est un fou fanatique et une brute violente. De brefs intermèdes horrifiques sous forme d’apparitions démoniaques tentent d’effrayer par leur volume puissant, mais ils ne fonctionnent pas du tout. Les producteurs les utilisent pour essayer de vendre Godless comme un film d’horreur, ce qui est une supercherie. Et ils ne parviennent pas à construire un drame fonctionnel autour des personnages. [Festival du film de Sitges]

Les lamentations répétitives du personnage principal au sujet de ses traumatismes et de ses remords deviennent ennuyeuses à la longue, mais le ton lugubre de l’effondrement de la situation du Japon dans la guerre ajoute beaucoup au monstre gigantesque. Sur fond de musique sombre et inquiétante, Godzilla symbolise ici les horreurs de la guerre, y compris la menace nucléaire dévastatrice. Les scènes océaniques avec le monstre sont excellentes, avec une montée en puissance et des idées pour exploiter au maximum ses capacités physiologiques. Il est effrayant, en colère et indestructible. Les scènes avec Godzilla en ville ne sont que secondaires, comme si les producteurs n’avaient pas voulu répéter ce qui a déjà été vu des centaines de fois (même dans des films de monstres américains) et avaient souhaité conserver la spécificité aquatique et maritime de l’histoire. Le budget de 15 millions de dollars pour un tel déluge d’images de synthèse de haute qualité est tout simplement incroyable, et le succès du film dans les salles américaines pourrait marquer un changement dans l’état d’esprit des comptables d’Hollywood quant à ce dont un bon film a besoin, et ce dont il n’a pas besoin. À cet égard, Godzilla Minus One est un « phénomène transformationnel » de cette année, tout comme l’était Barbenheimer.